Cannes 2008 Vorbericht

Cannes. Ein Filmfestival mit einem Film über Blindheit zu eröffnen, ist eine mutige Steilvorlage für die Kommentare. Aber „das“ Filmfestival überhaupt, das Festival de Cannes, erlaubt sich seit Jahren viel Mut. Heute Abend startet das 61. Filmfestival von Cannes (14. – 26. Mai) seinen Bilderreigen mit „Blindness“ des Brasilianers Fernando Meirelles.

Kostüme und Schmuck der zahllosen Promis, die in einer langen Zeremonie die Roten Stufen zum Festivalpalast empor stolzieren werden, lassen sich sicher mit „blendend“ bezeichnen. Doch das Programm ist wie die Roten und Blauen Teppiche vor den vielen Festivalkinos noch in Zellophan eingehüllt. Viele der Filme der Besten Regisseure unserer Zeit vom Westerner Eastwood bis zum Asiaten Wong Kar-Wai sind Weltpremieren und werden mit besonders viel Spannung erwartet. Von Meirelles, der 2002 mit der Sensation „City of God“ einschlug, kennt man die Geschichte einer Stadt, in der Blindheit wie eine Epidemie ausbricht. Unter den horrenden Zuständen begleitet eine Frau, die verheimlicht, dass sie noch sehen kann, ihren Mann in die Quarantäne und beobachtet den Verfall der Menschlichkeit. Auch dies ein Überblicks-Motto für viele Filme in Cannes.

In den weiteren 18 Filmen im Wettbewerb um die Goldene Palme warten Angelina Jolie und John Malkovich in Eastwoods Film „Changeling“ auf. Steven Soderbergh verfilmte das Leben des Revolutionärs Ernesto "Che" Guevara unter dem Titel "Guerilla". Charlie Kaufman („Being John Malkovich“) liefert sein Regiedebüt «Synecdoche, New York» ab, der kanadische Regisseur Atom Egoyan („Das süße Jenseits“) hofft mit „Adoration“ auf Bewunderung.


MM - die Sektionen mit dem gewissen Etwas
Realistisch betrachtet ist Cannes jedoch nicht nur ein Wettbewerb und ein Roter Teppich, Cannes besteht aus täglich hunderten Events, Vorstellungen und Aufregungen parallel, unter und über einander. Da erzählt Quentin Tarantino in einer „Masterclass“ vom Filmemachen. Steven Spielberg schickt außer Konkurrenz noch einmal Harrison Ford als „Indiana Jones“ auf antiquierte Schatzsuche. Derweil kann das Fachpublikum filmische Schätze in zahlreichen Reihen und Nebensektionen entdecken. Die Spannweite reicht von Madonna, die aus Anlass einer Anti-AIDS-Gala in Cannes sein wird, bis zu Maradona, der von Emir Kusturica porträtiert wurde.


Local Heros von Rhein und Maas
Siegreich mit Hanekes „Cache“ und Ken Loachs „The Wind that shakes the Barley“ ist die Filmstiftung NRW mit „Palermo Shooting“ nun wieder im Wettbewerb von Cannes. Gedreht wurde der neue Film von Wim Wenders unter anderem in Düsseldorf. Die internationale Koproduktion erhielt 400.000 Euro Filmförderung. Campino, der Frontmann der „Toten Hosen“ spielt einen jungen Fotografen, der in einer Lebenskrise steckt und sich auf eine Reise von Düsseldorf bis Süditalien begibt. Fatih Akin wird ebenfalls langsam ein alter Be-Cannter nicht nur in Altona sondern auch an der Cote d’ Azur: In den letzten Jahren war er entweder in einer Jury oder im Wettbewerb vertreten. Diesmal sitzt er als Präsident der Jury von „Un Certain Regard“ vor, nachdem er im vergangenen Jahr mit „Auf der anderen Seite“ den Preis für das Beste Drehbuch erhielt.

Auch aus der Region stammt das neueste Werk der Lütticher Brüder Dardenne. Die zweimaligen Cannes-Sieger („Rosetta“, „L’Enfant“) Jean-Pierre und Luc Dardenne zeigen „Le Silence de Lorna“, die Geschichte der jungen Albanerin Lorna, die in Belgien einen teuflischen Heiratsschwindel eingeht, um mit ihrem Freund eine Snackbar zu eröffnen. Die Mafia erwartet ihr Schweigen, der Film wird dagegen für viel Gesprächsstoff sorgen, denn beim Festival der großartigsten Visionäre dieser Welt haben schon künstlerisch Einäugige nichts zu suchen.

Ein Mann für alle Unfälle

USA 2008 (Drillbit Taylor) Regie: Steven Brill mit Owen Wilson, Leslie Mann, Danny R. McBride 102 Min. FSK: ab 12

Owen Wilson erfreute in vielen Filmen mit einem etwas abseitigen Humor. Erfreute oder irritierte, ganz nach Geschmack. Die Spannweite der Abseitigkeiten reicht von seinem männlichen Model in „Zoolander“ über die regelmäßigen Auftritte in Wes Anderson-Filmen wie zuletzt „The Darjelling Limited“. Bei „The Royal Tenenbaums“ und „Rushmore“ von Anderson schrieb er sogar mit am Drehbuch. Zwischendurch gab es aber auch immer wieder Auftritte in Klamotten, die auch Owen Wilson nicht richtig retten konnte. Siehe „In 80 Tagen um die Welt“ oder „Starsky & Hutch“.  Jetzt soll Wilson als selbsternannter Bodyguard drei drangsalierte Schul-Kids retten. Und eigentlich wäre es hier vergnüglicher, über andere Filme zu sprechen.

Produzent Judd Apatow ("Jungfrau (40), männlich, sucht...") und Drehbuchautor Seth Rogen verfilmen weiter die Leiden pickliger, pubertärer Verlierer im amerikanischen Schulsystem aus Cliquen und Kloppe. Nach "Beim ersten Mal" und "Superbad" treten wieder die drei gleichen Typen zur Highschool-Karriere an, um bereits am ersten Tag zur Zielscheibe älterer Quälgeister zu werden. Der Obdachlose Drillbit Taylor (Owen Wilson) gibt sich für ein paar Dollar als Bodyguard aus, um sich zum Schutze der Jungen wiederum als Lehrer in die Schule einzuschleichen. Am witzigsten war noch der Tag, an dem alle Penner-Kumpels von Taylor als Ersatzlehrer im Klassenraum standen, um die Brötchen aus dem Lehrerzimmer zu schnorren. Der Rest ist ermüdende Routine um Jungs, die selber den Mut finden müssen, sich zu verteidigen. Dass am Ende alles in einer Prügelei endet, ist zwangsläufig der Höhepunkt der Einfallslosigkeit.

Brügge sehen... und sterben?

Großbritannien 2008 (In Bruges) Regie: Martin McDonagh mit Colin Farrell, Brendan Gleeson, Ralph Fiennes 107 Min. FSK: ab 16

Es gehört zu den treffendsten Grundideen für einen Film, knallharte Gangster auf dem falschen Fuß zu erwischen oder sie an den falschen Ort zu verpflanzen. Beispielsweise Robert DeNiro als Mafiaboss zum Psychiater zu schicken. Oder die gnadenlosen Schurken in „Fargo“ und Co. als unfassbare Idioten bloßzustellen. Der Theaterautor Martin McDonagh schickt in seiner ersten Regie zwei irische Killer in den zeitweiligen Ruhestand - nach Brügge. Klingt skurril, ist es über weite Strecken auch, doch die Qualitäten der Figurenzeichnung und ein raffiniertes Drehbuch machen den auch tiefgründigen Mords-Spaß rund.

Gangster-Boss Harry (Ralph Fiennes) hat Probleme mit seinen Killern und schickt zu zum Untertauchen nach Brügge. Was erstmal nicht wortwörtlich gemeint ist, auch wenn das flandrische Städte-Kleinod ähnlich viele Kanäle hat wie Venedig. Ken (Brendan Gleeson) und Ray (Colin Farrell) sollen von der Bildfläche verschwinden, weil Letzterer einmal zu oft getroffen hat. „Schaut euch mal diese tolle Stadt an“, lautet der Marschbefehl des kultivierten Harry, welcher beweisen wird, dass Kulturliebe nicht automatisch moralische Festigkeit mit sich bringt.

Während der ruhige Ken begeistert die Touristen-Tour mitmacht, ist der kleine Ort Tortour für den unruhigen, unbeherrschten Ray. Der macht sich vor allem über amerikanische Touristen und kleinwüchsige Schauspieler lustig, wobei seine Empfehlung an Erste, nicht den Aussichtsturm zu erklettern, durchaus mehr als ein platter Scherz ist, wie sich in der gut gestrickten Story später zeigen wird.

Die nächsten Anweisungen aus England sagen Ken, er solle Ray umbringen. Ein einfacher Auftrag, der nach ein paar Tagen im melancholisch machenden Mittelalter-Museum Brügge schon gar nicht mehr so klar befolgt werden kann. Zum einen treibt sich Ray mit einem Filmteam rum, fällt fast auf eine Trickbetrügerin rein und prügelt sich mit irischer Dickköpfigkeit mindestens einmal am Tag. Doch während er einem kleinwüchsigen Schauspieler latente Suizidneigung andichtet, wird er selbst immer nachdenklicher. Eine ganz neue Erfahrung für Ray...

Und Ken ist von den Eindrücken der Stadt so angetan, dass er den Schießbefehl nicht befolgt. Was einen sehr wütenden Harry nach Brügge kommen lässt.

Allein die Idee, das große Finale in der Verfilmung einer apokalyptischen Hieronymus Bosch-Szenerie anzusiedeln, macht diese lustige Gangstervariante von Schuld und Sühne sehenswert. Es wird ein raffiniertes Finale und dabei hätten sie viele Filme schon mit den lakonischen Gangster-Gehabe der beiden tödlichen Helden zufrieden gegeben. Welche sanften Kerle hinter diesen harten Schalen stecken, spielen Colin Farrell („Alexander“, „Phone Booth“) und Brendan Gleeson („Harry Potter“, „The General“) vortrefflich heraus. Auch wenn ihre Killer eine ganz eigene Moral haben, ist sie eher bedenkenswert als einfach nur bedenklich.

Mein Bruder ist ein Einzelkind

Italien/Frankreich, 2007 (Mio fratello é figlio unico) Regie: Daniele Luchetti mit Elio Germano, Riccardo Scamarcio, Angela Finocchiaro, Massimo Poplizio, Diane Fleri 100 Min. FSK ab 12

Italienische Leidenschaft, italienische Geschichte(n) und großes italienisches Kino - das alles bringt der exzellente Autor und Regisseur Daniele Luchetti in seinem sensationell erfolgreichen Familiendrama „Mein Bruder ist ein Einzelkind“ zusammen.

Man nennt ihn Accio (Elio Germano), „das Ekel“, und obwohl sich der kleine Bruder einer Arbeiterfamilie in dem heruntergekommenen römischen Retorten-Vorort Latina alle Mühe gibt, diesem Spitznamen gerecht zu werden - es ist nun mal die Position, die in der Familienkonstellation übrig blieb. Der beliebte große Bruder Manrico Benassi (Riccardo Scamarcio) kämpft mitten in den Sechziger Jahren für die Rechte der Arbeiter. Die Frauen, Mütter und selbst die Schwester umschwärmen diesen Gewerkschaftshelden. Da geht Accio aus Protest erst mal in eine Klosterschule, doch der Katholizismus erfüllt zwar den Zweck der Provokation, kann aber dem widerspenstigen Jungen keinen Halt bieten. Erst bei den Faschisten, die aus der italienischen Geschichte nie richtig weg waren, fühlt er sich wohl. Und steht seinem beneideten Bruder jetzt auch politisch frontal gegenüber. Gegenüber dessen linker Freundin Francesca (Diane Fleri) vertritt Accio trotzig, wenn auch nicht wirklich überzeugt, den faschistischen Gedankenschrott. Was allerdings stimmt in dem ganzen Gehabe des kleinen Bruders ist seine Liebe zu Francesca, die bei diesem Bruderkampf Jahrzehnte überdauern wird...

Sie küssten und sie schlugen sich ... Luchetti gelingt es, um den Kern der bewegten Geschichte eines Bruderkampfes die politische Geschichte Italiens in den 60er und 70er Jahren unterhaltsam zu zeigen. In dem Bruderkrieg, im Zerfall des (Eltern-) Hauses spiegelt sich die Situation des italienischen Staates. In der Polarisierung zwischen links und konservativ ließ dieser die Sorgfaltspflicht für ein funktionierendes öffentliches Leben immer mal wieder vermissen.
Doch das Kunststück von Luchetti liegt im prallen Leben, das er auf die Leinwand bringt, in den Menschen mit Haut und Haaren, mit Leidenschaften, Zweifeln und Abgründen. Zwischendurch könnte man kurz das Gefühl bekommen, diese Geschichte ist etwas vorhersehbar. Doch die dann folgenden Wendungen bis zum Finale machen den Film nur noch größer, verstärken die Emotionen bei diesem starken und klugen Gefühlskino. Sensationell ist der beim Dreh erst 18-jährige Elio Germano, der die Seiten Accios sehr reif spielt.

Daniele Luchetti wurde am 26. Juli 1960 in Rom geboren. Seit den 1980er Jahren arbeitet Daniele Luchetti immer wieder mit seinem guten Freund Nanni Moretti zusammen. Zuerst als Schauspieler in Morettis Filmen. Dieser revanchiert sich, indem er die Hauptrolle in zwei von Luchetti Filmen übernimmt. 1988 drehte Daniele Luchetti seinen ersten eigenen Spielfilm „Domani Accadra“, der international reüssiert und für den er in seiner Heimat den „italienischen Oscar“ David di Donatello als bester neuer Regisseur gewinnt. Mit „Der Taschenträger“ (Il Portaborse, 1991) kommt Luchetti nach Cannes und erhält einen weiteren Donatello. Für „Mein Bruder ist ein Einzelkind“ gab es erneut einen Donatello als Autor des besten Drehbuchs.

Cinéma Sauvenière in Lüttich

Lüttich. Das anspruchsvolle Kino boomt in der Region: In Maastricht dient die Stadt dem in sechs Sälen florierenden Filmhaus Lumière eine komplett neue Spielstätte an. Und in Lüttich feierte gestern das Cinéma Sauvenière nach Jahren des Kampfes seine feierliche Eröffnung. Am Montag wird das auch architektonisch spannende Gebäude dem Publikum übergeben.

Mitten im Leben, ganz zentral am Place Xavier Neujean nahe der Oper liegen die vier Säle des neuen Cinéma Sauvenière mit seinen insgesamt 800 Plätzen. Auch mit der Architektur des Sauvenière setzt „Les Grignoux“ ein deutliches Zeichen für ein „anderes Kino, ein Kino, das für die Welt und ihre Realitäten offen ist, ein Kino, das auch Ort der Begegnung und des Austausches ist.“ Nicht nur die Filme und die Ausstattung sollten höchsten Qualitätsansprüchen genügen, auch die Räume und Ausstattungen für das Davor und Danach sollten auf dem gleichen Niveau sein. Das Foyer ist als „fünfter Saal“ offen für Ausstellungen und Konzerte (z.B. Beverly Jo Scott am 20.5.), der Garten hat den freien Himmel für Open Air-Kino.

Paten des Projektes sind die zweifachen Cannes-Sieger Jean-Pierre et Luc Dardenne aus Lüttich, die auch nächste Woche wieder einen Film im Palmen-Wettbewerb präsentieren. Als Symbol ihres beharrlichen Kampfes für das neue Kino wählten die Initiatoren einen Elefanten. Treffend, denn der Kinomarkt in Lüttich (und Belgien) wird bestimmt durch einen Monopolisten. Außer „Le Parc“ und „Churchill“ gab es in der Stadt nur Kinos des Kinepolis-Konzerns, der auch vor den Toren der wallonischen Metropole ein riesiges Multiplex betreibt. Schon im Jahr 2000 wurden 50.000 Unterschriften gesammelt, um ein Multiplex des französischen Konzerns UGC zu beschränken. Ein Jahr später begannen die Planungen für das Sauvenière. Die Zuschüsse für die 11 Millionen Euro Gesamtkosten des neuen Programmkinos stammen von der Stadt Lüttich, die das Grundstück für eine Million kaufte und Unterhalt finanziert, der französisch-sprachigen Gemeinschaft Belgiens (4 Mio) und der Europäischen Union (3,5 Mio). Denn Rest des Betrages stemmt „Les Grignoux“ über einen Kredit. Nach der Erweiterung beschäftigt die Kulturorganisation 20 feste und 30 Teilzeitmitarbeiter.

Damit Kino als Erlebnisort weiterlebt, kann ein Saal auch für Konzert oder Theater genutzt werden. Ein großes Café und eine Terrasse ergänzen das Kultur-Ensemble. Das Sauvenière ist, wie schon seine älteren Kino-Geschwister, noch ein echtes Programmkino: Eine schöne Kinozeitung und die Website informieren, welche neuen und alten Filme für die nächsten Wochen fest programmiert sind. Hinter dem Projekt steht die Organisation „Les Grignoux“, die seit Jahrzehnten mit exzellenter Programm- und Jugendarbeit die drei Churchill-Säle und das alte Einzelkino „Le Parc“ im sozial problematischen Viertel Droixhe betreibt. Hier liefen schon immer alle internationalen Filme in Originalversion und viele interessante französische Filme, die in Deutschland nie zu sehen waren.

Nachdem die Schlacht um die Zukunft des Kinos in Lüttich erfolgreich geschlagen ist, wird nun gefeiert. Ab Montag gibt es eine Woche lang Avant-Premieren, Kurzfilm-Nächte, Klassiker und Konzerte. Am 21. Mai beginnt der reguläre Kinobetrieb.


Mehr Infos:
Cinéma Sauvenière
Place Xavier Neujean, 12
4000  Liège
http://www.grignoux.be/

Ben X

Belgien 2007 (Ben X) Regie: Nic Balthazar mit Greg Timmermans, Laura Verlinden, Marijke Pinoy, Pol Goossen, Titus De Voogdt 94 Min. FSK    ab 12

Während ein schwer gewappneter und bewaffneter Kämpfer in einem Fantasie-Land des Computer-Spiels Archlord mit seinem Schwert für Ordnung sorgt, schafft es der Spieler Ben nicht, sein Leben in den Griff zu bekommen. Online hat er den sagenhaften Level 80 erreicht, real fällt ihm jeder Schritt schwer. In seinen allmächtigen Tagträumen kann er sein, wer er will. Im Alltag kann er sich im Spiegel kaum zu einem Lachen zwingen.

Ben beobachtet die Menschen und imitiert. Weil er schon immer anders war und ein Problem hatte. Er sieht anders. Sehr exakt, aber anders. Er sieht durch Menschen hindurch und vor lauter Bäumen den Wald nicht. Mit dieser Form von Autismus wird er von den üblichen Schulidioten gehänselt und gequält, die Masse macht mit und schießt Handyfotos von der Erniedrigung. Die schier endlose Reihe von hilflosen Ärzten, schrecklichen Kindheitserinnerungen, schon beim Zuschauen unerträgliche Quälereien und nicht zu übersehenden Vorausdeutungen scheint unweigerlich auf ein tragisches Ende zuzusteuern. Oder gelingt es Bens Spielepartnerin Scarlite, den virtuellen Freund zu retten?

Der belgische Autor Nic Balthazar verarbeitete den Selbstmord eines 17-jährigen Jungen in Gent zuerst in dem Roman „Nichts war alles, was er sagte“, dann in dem Theaterstück „Nichts“. Nun fand er zwischen den Ebenen von Realfilm und Online-Game eine faszinierende Form, das eingeschlossene Wesen des Jungen zu vermitteln. Sehr schön verfließen Spielebene und Realität ineinander. So kann man zwischen erschütternden Szenen der Erniedrigung den Wunsch mitfühlen, das Leben und sich selbst mit ein paar Klicks zurechtzurücken.

Die flämische Produktion war in Belgien extrem erfolgreich und erlebte vor zwei Wochen als Beileger zur Tageszeitung „De Morgen“ wohl den größten DVD-Start des Landes.

Freischwimmer

BRD 2007 (Freischwimmer) Regie: Andreas Kleinert mit Frederick Lau, August Diehl, Fritzi Haberlandt 110 Min.

Rico (Frederick Lau) droht unter zu gehen - im Spott seiner Mitschüler und im Schwimmunterricht, in dem er die Tauchstrecke für den Freischwimmer-Schein nicht schafft. Der eitle Robert dagegen bleibt immer Sieger - auf der Schwimmstrecke und bei den Mädchen. Das blonde Girlie Regine Weyler (Alice Dwyer) ist seine Freundin. Doch als Robert in der Umkleidekabine der Schwimmhalle, dem stillen Rico einen Eclair klaut, verschluckt sich der Überflieger mächtig am sogenannten Liebesknochen und bleibt auf der Strecke: Das Backwerk war vergiftet. Nun sucht das malerische Dörfchen einen Mörder oder wenigstens ein Motiv. Dass eigentlich Rico Adressat des Eclair war, macht die Geschichte nicht einfacher.

„Freischwimmer“ mag auf den ersten Blick oberflächlicher Teenie-Horror sein, so ein amerikanisches Highschool-Filmchen übertragen auf ein deutsches , nach Kafka benanntes Gymnasium. Doch Grimme-Preisträger Andreas Kleinert („Verlorene Landschaft“, „Wege in die Nacht“) macht aus der Vorgabe etwas sehr Eigenes: Vor allem in Ausstattung und Atmosphäre stellt er ein Panoptikum kleinstädtischer Skurrilitäten dar. Rätselhaft ist nicht nur der Fall, auch die Bilder entwickeln ein Eigenleben, das schwer einzuordnen ist. Die besondere Leistung von Kleinert, die den Film auch in die Autoren-Reihe des letztjährigen Festivals von Venedig brachte, liegt in der Kombination unterschiedlichster Bilddimensionen. Mal ein schauerliches Wachsfiguren-Kabinett, dann wieder wirkt die Szenerie wie eine Modelleisenbahn, in Anlehnung des Hobbys vom verdächtigen Deutschlehrer Martin Wegner (August Diehl). Die Erwähnung von Tübingen als Studienstadt ist auch Verweis innerhalb des Filmgenres, denn dort siedelte Oscar-Sieger Rudnitky („Die Fälscher“) seine „Anatomie“-Schocker an. Grandios spielt Frederick Lau in der Hauptrolle des unsportlichen und durch seine Schwerhörigkeit gehandicapten Außenseiters Rico. Lau erhielt gerade den deutschen Filmpreis für seinen Part in „Die Welle“.

Nichts geht mehr

BRD 2007 (Nichts geht mehr) Regie und Buch: Florian Mischa Böder mit Susanne Bormann, Nadja Bobyleva, Oliver Bröcker, Jörg Pohl, Jean-Luc Bubert 87 Min.

Kaum raus aus dem Elternhaus wird der stille Konstantin (Jörg Pohl) von seinem wilden Bruder August    (Jean Luc Bubert) vereinnahmt. Erst gibt es Party, dann das richtige Eintauchen in den Film mit einer großartigen nächtlichen Schwimmbad-Szene. „Mach dich mal locker!“ lautet die Empfehlung des Bedenkenlosen an den Grübler. Zusammen und unterstützt von einer Menge Alkohol übermalen sie in ihrer Heimatstadt Bochum die Rotlichter von Ampeln. Was als Spaß begann, wird von den Gesetzeshütern bald als „Terror“ gesucht. August und Konstantin Bender ergeben AKB oder: Autonomes Kommando Bochum.

Nach der Flucht nach Hannover treffen sie dort auf tatendurstige Junglinke und merken, ihre Aktionen kommen richtig gut an bei den Frauen. Nun entwickelt sich ein Moment des Revoluzzertums, das auch in dem Film „Bader“ schon angespielt wurde. Dem Erfolg folgt ein Rollenwechsel: August wird zum ernsthaften Klassenkämpfer und dabei wieder irgendwie spießig, während Konrad immer mehr Spaß hat, vor allem mit seiner Freundin Marit (Nadja Bobyleva).

Florian Mischa Böder wurde 1974 in Hannover geboren. Nach einem Studium zu Drehbuch und Regie an der
Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) realisierte er preisgekrönte Kurzfilme und inszenierte Theater, unter anderem am Aachen Theater "Die Rote Zora und ihre Bande" sowie "Das Wirtshaus im Spessart". Auf seine Episode in „Die Österreichische Methode“ folgt nun „Nichts geht mehr“ als erster langer Spielfilm. Er findet (mit Kameramann Ergun Cankaya) immer wieder gute, reizvolle Bilder. Da genießt August farbverschmiert das Verkehrschaos, das er mit seinen Pinseleien verursacht hat, während Konstantin eher verdattert aus der Wäsche mit Farbflecken guckt. Wenn dann später aus den Farbflecken vom Ampelzukleistern die Farbtupfer von Gotcha oder Paintball werden, wurde auch die Thema deutlich ausgemalt: Hier spielen große Jungs (und Mädels) Widerstand. Alles ist nur ein Spiel, eine große Spaßaktion. Passend dazu drohen Mitläufer damit, jede Woche einen kapitalistischen Gartenzwerg zu exekutieren. Auch die Ideologie läuft im Leerlauf: „Ihr erzeugt einen kleinen Stillstand, um den großen zu entlarven: Nichts geht mehr.“

So ist „Nichts geht mehr“ nicht mit Filmen wie „Die fetten Jahre sind vorbei“ zu vergleichen, die ein Anliegen thematisierten. Hier geht es nicht um eine politische Position sondern um eine Nicht-Position. Dies beklagen einige Kritiken und steigen dadurch genau in die Diskussion ein, die der Film anstößt. „Nichts geht mehr“ gilt durchaus auch für eine Position des Widerstands.

Jörg Pohl erhielt für die Rolle des nachdenklichen Konstantins 2008 den Darstellerpreis beim Max Ophüls-Festival in Saarbrücken. Er wird unterstützt von einem guten Jazz-Score. Leider sind gerade die Dialoge nicht prickelnd und oft nicht überzeugend ausgespielt - erstaunlich bei einem Theatermann. Doch ansonsten zeigt Florian Mischa Böder bei seinem Debüt, dass noch eine ganze Menge geht im deutschen Film...

[Rec]

Spanien 2007 ([Rec]) Regie: Jaume Balagueró, Paco Plaza mit Manuela Velasco, Ferran Terraza, Jorge Yamam 83 Min.

Weshalb ein Land wie Spanien über viele Jahren hinweg mit  bemerkenswertem und ungewöhnlichem Horror auftrumpfen kann, mag viele Gründe haben. Bei ernsthafteren Autoren wie Guillermo del Toro kann man die Verarbeitung des faschistischen Terrors in der nationalen Psyche suchen. Oder als Fan des Genres einfach makabren Spaß geniessen.

Was passiert, während du schläfst? Da könnte man die Ungeheuer zitieren, die der Schlaf der Vernunft beim spanischen Bildermacher Goya gebiert. Oder einer zu schrillen Moderatorin des Lokalfernsehens bei ihrer vermeintlichen Dokumentation über einen nächtlichen Feuerwehr-Einsatz folgen. Angela (Manuela Velasco) macht gelangweilt eine dieser Beiträge, die keiner braucht. Nett und belanglos, bis die alte Frau, die eigentlich gerettet werden sollte, zubeißt. Blut fließt, laute Hektik bricht aus und schnell ist das TV-Team mit Feuerwehrleuten, Polizisten und einigen Mietern im mehrstöckigen Gebäude eingeschlossen.

Was hier tatsächlich ausgebrochen ist, bleibt schön lange rätselhaft. Immer stürzt ein neues Ereignis überraschend auf uns ein, oder ein Feuerwehrmann im Treppenhaus ab. Bemitleidenswerte Opfer wandeln sich zu blutrünstigen Bestien. In diesem unübersichtlichen Horrorhaus ist niemand sicher, auch nicht vor dem Verdacht, im nächsten Moment selber zum Zombie zu werden.

Das alles verfolgt die angebliche Doku-Kamera von Pablo hautnah, und wenn sie mal ausgeschaltet wird, sorgt die weiter laufende Tonspur für noch mehr Spannung. Man darf zugeben, „[Rec]“ ist extrem spannend!

Die Regisseure Jaume Balagueró und Paco Plaza beweisen, dass man in Sachen Zombie-Horror nicht immer die alten Klassiker wiederbeleben muss. „[Rec]“ ist nichts für schwache Nerven, geht aber noch relativ sparsam mit den Blutkonserven um - für heutige Verhältnisse. Dafür streut die Story den Verdacht geschickt und verrät nicht zu schnell, was hinter der nächsten Ecke der Geschichte lauert. Die subjektive Perspektive vom „Blair Witch Project“ wird zum Blick des Ego Shooters. Und während „I am Legend“ oder „28 Days“ ganze Landstriche mit dem Schrecken überziehen, konzentriert sich hier das bissige Drama auf ein unentrinnbares Gemäuer. Effektiv, gradlinig und schnörkellos - das war schon immer ein gutes Rezept - für Genrefilmer und Zombies gleichermaßen.

Blind Wedding - Hilfe, sie hat ja gesagt

USA 2006 (Blind Wedding) Regie: Michael Ian Black mit Jason Biggs, Isla Fisher, Joe Pantoliano 92 Min. FSK: ab 12

Wenn man Jason Biggs sieht und an „American Pie“ denkt, erwartet man das schlimmste Niveau in Sachen Humor. Doch die Autoren von „Blind Wedding“ fischten nicht im Brackwasser der Anzüglichkeiten nach Zoten. Wie dieser leicht romantische Lach-Mix allerdings zustande kam, bleibt rätselhaft. Wahrscheinlich lag es auch an dem auf seltsame Weise ungewöhnlichen Humor, dass der Film reichlich verzögert und mit seinem bereits dritten alternativen Titel in die Kinos kommt.

Schon die Eröffnungsszene könnte Parodie sein: Anderson (Jason Biggs) taucht äußerst knapp mit rotem Schlüpfer und Flügelchen bekleidet vor einem edlen Restaurant auf. Er will seiner Liebsten als Amor einen Antrag machen. Während ihn sein bester Freund Ted ziemlich anzüglich mit Babyöl einreibt, macht sich ein Latino-Kellner drinnen heftigst an Valerie ran. Liegt es an dessen Steroiden oder am Entsetzen über Andersons Auftritt einige Minuten später? Auf jeden Fall bricht die Angebetete zusammen und wacht nie wieder auf....

Eine witzige Montage-Sequenz komprimiert die Trauerzeit Anderson auf erträgliche Minuten. Doch deutlich wird: Der ist noch lange nicht reif für eine andere, eine lebendige Frau. Bis er spontan im Restaurant die Kellnerin nicht um die Karte, sondern um ihre Hand bittet. Wie Katie (Isla Fisher) dazu kam, nach einer gezögerten Millisekunde einzuwilligen, erklärte eine Rückblende. Und wenn wir gerade in der Abteilung Holperiges sind, müssen Handlungsablauf und Figurenzeichnung erwähnt werden. Wie überhaupt einiges nicht stimmt in dieser Komödie zwischen niedlich und absurd. Dass es trotzdem irgendwie funktioniert, liegt zum Teil an den Darstellern um den sehr steifen Jason Biggs. Die hinreißende Isla Fisher beispielsweise hätte bessere Filme verdient.

Aber es liegt auch am schwer einzuordnenden Humor um die durchaus spaßig schrägen Figuren. Klar ist, dass die sich fremden Anderson und Katie nach dem schnellen Ja-Wort im Schnellimbiss erst einmal noch fremder werden müssen, bis sie in einer schönen, gestrittenen Liebeserklärung zueinander finden. Hilfreich dabei ist das Treffen der Schwiegereltern in der Arrestzelle der Polizei. Dabei sind seine Eltern sexbesessen und hemmungslos. Katies Vater fürchtet man selbst in seinem Schwerverbrecher-Knast und doch freut sich die geschiedene Mama über den Ausbruch des Tieres pünktlich zur Hochzeit des Töchterchens. Das begeistert sogar den Polizisten, der eben in seiner eigenen Zelle gelandet ist.

Wir sind zwar von nichts gefesselt, doch dank wilder Ideen bleibt trotz wenig origineller Handlung die Langweile aus. Da gibt es bei der allwöchentlichen Brautschau der romantischen Komödien Schlimmeres.

Actrices - oder der Traum von der Nacht davor

Frankreich 2007 (Actrices) Regie: Valeria Bruni Tedeschi mit Valeria Bruni Tedeschi, Noémie Lvovsky, Mathieu Amalric, Louis Garrel, Marisa Borini, Valeria Golino 108 Min. FSK: ab 6

Ja, sie ist die amtierende Schwägerin des französischen Präsidenten Sarkozy. Und nein, Valeria Bruni Tedeschi, die Schwester von Carla Bruni, hat so gar nicht von schamlosen Staatsaffären. Äußerst sensibel und persönlich zeigt sie sich in ihrer zweiten Regie „Actrices“ als Schauspielerin in einer Lebens- und künstlerischen Krise.

Valeria Bruni Tedeschi ist Schauspielerin, eine grandiose! Als Bäckersfrau in „Nénette et Boni“ kurbelte sie 1996 den Brotverkauf heftig an. In „La Seconda Volta“ spielte sie, die im Italienischen ebenso zuhause ist wie im Französischen, eine rehabilitierte Terroristin der „Roten Brigaden“, die auf ihr früheres Opfer trifft. Während „Ist Liebe nur ein Wort?“ aufs Wunderbarste mit der Verletzlichkeit einer psychisch labilen jungen Frau fasziniert, zeigte „Die Farbe der Lüge“ eine ruppige Kommissarin. Ihre Regisseure heißen Chabrol, Blier, Denis oder Ozon, aber erst in ihrer ersten eigenen Regie konnte sie das gleichzeitig spröde und äußerst sensible, das schon ihre Stimme in Originalversion erleben lässt, ganz ausspielen: „Eher geht ein Kamel durchs Nadelöhr...“ war als autobiographische Tragikomödie ebenso klug und klassenkämpferisch wie humoristisch und anrührend. Und wer wirklich etwas erfahren möchte über die Familie eines italienischen Industriellen, der aus Angst vor den „Roten Brigaden“ mit Frau und den beiden Töchtern nach Paris flieht, über Valeria und die besagte Carla Bruni, der möge sich diesen Film ansehen und nicht all die oberflächlichen Promi-Stories. Carla hieß dort Bianca und wurde gespielt von Chiara, Chiara Mastroianni. Genau: der Tochter.

Biographisch ist auch ihr zweiter Film „Actrices“, wenngleich nicht derartig entschlüsselbar. Valeria Bruni Tedeschi spielt eine Schauspieler und sie spielt im Film an dem Theatre des Armandiers in Nanterra, das real ihr Bühnendebüt erlebte. Der Star Marcelline (Bruni Tedeschi) probt dort die Hauptrolle der Natalaja Petrowna aus Turgenjews „Ein Monat auf dem Lande“. Und es ist die Hölle. Mit enormer Offenheit, extrem engagiert und verletzlich kämpft sie mit der Figur - und mit sich selbst. Denn selbst ihre Gynäkologin weist die bald 40-Jährige auf das Ticken der biologischen Uhr hin.

All die kleinen Momente, die Verletzlichkeiten, Zweifel, Unsicherheiten zeigen eine Frau mit so ehrlicher Offenheit, dass man schamhaft wegschauen möchte, es aber zu keiner Sekunde kann. Zwischen der Affäre mit dem Falschen, einer Vergewaltigung durch ihren nichtswürdigen Regisseur, den Zwiegesprächen mit einer mysteriösen Petrowna oder einem Sofa, fließt immer eine berührende Anmut der Schwäche, eine enorme Kraft im Selbstzweifel. Ganz nebenbei sind die Dialoge genial, die Rollen exzellent besetzt. Valeria - nach diesem Film denkt man, man dürfe sie duzen - spielt zusammen mit ihrer Mutter Marisa Borini, einer bekannten Konzertpianisten. Besser, sie rauft sich zusammen mit ihrer Mutter. Auch ein ziemliches Theater in diesem nicht einfachen Leben, das sich in diesen Nuancen nicht mehr beschreiben lässt, man muss es mit viel Mitgefühl erleben.

Das Leben ist ungewiss - Interview Fatih Akin

Berlin/Aachen. Samstag erhielt Fatih Akin mit seinem Film „Auf der anderen Seite“ vier Deutsche Filmpreise - für die Regie, als Produzent, für den Schnitt und das Buch. Am Tag zuvor nahm er in Aachen zusammen mit dem französischen Regisseur Abdellatif Kechiche die „Karlsmedaille für die europäischen Medien“ („Médaille Charlemagne pour les médias européens“) entgegen.
Günter H. Jekubzik begleitet Fatih Akin am Tag der Verleihung, befragte den Regisseur und sammelte seine Statements bei Gesprächen mit Filmstudenten, der Presse und Publikum.


Wo liegen deine Vorbilder, deine filmischen Einflüsse?
Kino bietet so ein großes Spektrum, dass sich Einflüsse und Interessen dauernd verschieben. Jetzt interessiert mich asiatisches Kino sehr. Vorher war es das iranische Kino, durch das ich versucht habe, Sachen sehr einfach zu erzählen.

Im chinesischen Kino gefällt mit der Umgang mit den anderen Geschlechterrollen. In chinesischen Filmen sind Frauen generell stärker, selbst beim Marketing: Immer steht ein Frauenname oben auf dem Plakat. Und der Ausdruck von Sexualität ist viel spannender.

„Solino“ war für mich der wichtigste Film der Karriere, weil ich mich vor dem Film intensiv mit dem italienischen Neorealismus auseinandergesetzt habe. Da sieht man erst, wie sehr der verzweigt wurde. Vor „Solino“ versuchte ich eine Künstlichkeit herzustellen.

Auch Amerika kann ein wunderbares Land für Filme sein. Im amerikanischen Kino sieht man wie viele Einflüsse aus Europa kommen. Amerikaner sehen Kino als reine Unterhaltung, für mich ist es aber in erster Linie eine Kunstform.



Wie ist dein Standpunkt zum Thema Integration?
Wenn ich irgendetwas leiste zur Integrationsdebatte, positiv oder negativ, läuft das unbewußt ab. Es gibt keine Botschaft, die ich verbreite. Es ist eher so, dass ich etwas hinterher laufe, als das was aus mir entspringt - wie bei einem Traum, der umso mehr entschwindet, je mehr man sich an ihn erinnern will.

Ich habe in meinem Statement zur Verleihung der Karlsmedaille versucht zu warnen, dass die Mediendebatte nicht zur Paranoia gerät. Die ganze Integrationsdebatte in Deutschland hat sich dahin bewegt, dass alles, was islamisch ist, unter Terrorverdacht gerät. Wir haben generell eine Stimmung, die mich an die Springer-Kampagnen gegen Linke Ende der Sechziger Jahre erinnert. Es geht nur darum, Schlagzeilen zu machen auf Kosten der Ressentiments. Ich sehe die Situation auf Messers Schneide.
Wenn ich das überspitzt formuliere, was jetzt in den NL passiert ist mit Theo van Gogh, was soll das anderes sein als die Eskalation? Im Kern geht es um soziale Ungleichheiten, aber das interessiert die Schlagzeilenmacher nicht. Sie sehe ich als Hauptschuldige. Vor 30 Jahren wurden so die Linken vom Hause Springer verurteilt.


Kann Film differenzierter arbeiten als die Printmedien?
Die Tagespresse trägt viel größere Verantwortung als der Film. Wir sind aber näher an der Realität, weil wir mehr reflektieren als die Schlagzeilen. Unsere Berufung ist, narrativ zu reflektieren. Ein Film dauert 90 Minuten, zeigt verschiedene Figuren und Perspektiven. Ich versuche, unterhaltende Reflexion zu schaffen.


Treibt die Wut auf die Schlagzeilenmacher dich zum Filmemachen?
Das Universum ist so groß, ich bin auf sehr viele Sachen wütend, davon ist die Wut über die Medien die Geringste. Ich würde mich lieber mit den Medien über die Fähigkeit unterhalten, Geschichten mit Bildern zu erzählen, über das Licht in bestimmten Situationen. Man wird aber zum Botschafter für bestimmte Dinge. Nehmt das nicht so ernst, was aus meinem Mund kommt, nehmt das ernst, was auf der Leinwand ist.
Worum geht es in meinen Filmen? Um Menschen. Nicht um deutsch- oder türkischstämmige Menschen. Das Blut ist doch überall gleich, wir schwitzen doch alle. Meine deutsch-türkische Herkunft hat mir ermöglicht, in zwei Sprachen zu denken, zu überlegen, wie der Film hier und dort funktioniert.

Bei „Im Juli“ wollte ich zeigen, wie sich ein Held verändert. Dass der Held Deutscher ist und sich in eine Türkin verliebt, muss nicht gleich ein Akt mythischer Verständigung sein. Dann wird mir aber das Ende, wo ein Deutscher mit einer Deutschen zusammenkommt, so ausgelegt, dass ich sagen will: Die Deutschen sollen unter sich bleiben!

Verändert so eine Rezeption das weitere Schreiben?
Dass der Held in „Auf der anderen Seite“ ein türkischer Germanistikprofessor ist, da steckt schon eine Idee dahinter. Und die Überlegung, dass nach Gangstern und anderen wilden Typen auch mal ein Akademiker eine interessante Figur sein könnte.


Wie erlebst du die Rezeption deiner Filme in der Türkei?
Meine ganze filmische Arbeit wird sehr positiv dargestellt, ich habe viele Preise bekommen als deutscher Filmemacher, auch als gefühlter deutscher Filmemacher. Ich begreife meine Arbeit als Teil einer Kultur meiner Eltern, die aus der Türkei stammen. Es wird dort nicht alles verstanden, etwa wenn in „Auf der anderen Seite“ bei einer Taxifahrt ein Hamburger und ein Münchener sich unterhalten, bekommt man das in der Türkei nicht unbedingt mit. Meine Filme werden dort im Kino mit Untertiteln gezeigt.



Das Leben ist ungewiss
Dann eine Frage zu deiner Ästhetik: Was bedeutet das offene Ende von „Auf der anderen Seite“ dramaturgisch für dich?
Rainer Werner Fassbinder hat mal gesagt, Leben ist eine Lüge, Kino ist vielleicht noch eine größere Lüge. Ich glaube, dass das Leben offen ist, nie ist etwas zu ende. Im Widerspruch zu einer anthroposophischen Erfahrung, die besagt, alles hat einen Anfang, eine Mitte und ein Ende. Es geht immer weiter, das ist meine philosophische Überzeugung. Wenn ich mal in einem Film ein Happy End mache, belüge ich das Publikum und mich selbst. Ich komme mir bei „Im Juli“ und „Solino“ vor wie Pinocchio. Und das als Tipp für Filmstudenten: Filme, die ein offenes Ende haben, sind besser. (Lacht.)

Die Entscheidung für ein offenes Ende hat auch viel mit Mut zu tun. Es gab auch (im Drehbuch, die Red.) die Option, dass das Boot mit dem Vater um die Ecke kommt. Aber die Welt ist nicht so, dass der Vater zurück kommt, das Leben ist ungewiss.



Du warst als Schauspieler, Autor, Regisseur und Produzent („Chiko“, „Takva“) aktiv. Wie ist deine Erfahrung mit Filmproduzenten?
Ich bin (mit der Firma Corazon, die Red.) Produzent geworden, wegen der Erfahrungen mit ihnen. Dabei hatte ich zwei gute Mentoren. Aber man kann das Verhältnis mit dem Elternhaus vergleichen: Irgendwann muss man selbst ein Haus bauen. Andreas Thiel (der kurz vor der Fertigstellung von „Auf der anderen Seite“ starb, die Red.) war mein zweiter Mentor und ein Unruhestifter, das habe ich von ihm gelernt.

Die Drachenjäger

Frankreich, BRD, Luxemburg 2008 (Chasseurs de dragons) Regie: Guillaume Ivernel, Arthur Qwak 82 Min. FSK: ab 6

Wenn der Regisseur Arthur Qwak heißt und renommierter Comic-Künstler ist, darf man etwas Besonderes erwarten und diese deutsch-französische Koproduktion übertrifft an Ideenreichtum selbst die Hits von Pixar und die modernen Märchen aus dem Territorium von „Shrek“.

Das profimäßig lächerliche Drachenjäger-Gespann Gwizdo und Lian-Chu versucht gemeinsam mit dem abenteuerlustigen Mädchen Zoe, die Welt zu retten. Die besteht allerdings mittlerweile aus kleinen Planeten, die lustig umeinander purzeln und von denen sich mutige Drachenjäger hin und her schwingen wie einst Tarzan an den Lianen. Das ist der bröcklige Rest der Erde und die Handlung besteht aus Bruchstücken anderer erfolgreicher Animationsgeschichten. Dafür ist der digital gezeichnete Kosmos der Minimonde, Figuren und Monster ausgesprochen einfallsreich, kurios und sogar anarchisch. Die Ästhetik ist auf dem Stand der Digitaltechnik, wirkt in den Hintergründen wie vom Spiele-Klassiker „Myst“ geklaut und erinnert bei den Figuren an die puppenhafte Poesie des Film-Klassikers „Der König und der Vogel“. Eine sehr sehenswerte Mischung für (nicht ganz) jung und alt.

Ein Schatz zum Verlieben

USA 2007 (Fool's Gold) Regie: Andy Tennant mit Matthew McConaughey, Kate Hudson, Donald Sutherland 112 Min.

Bei der Jagd nach grünen Diamanten, Millionenbeuten oder versunkenen Goldschiffen ist in der romantischen Version der eigentliche Schatz der jeweilige Partner, der gefunden, verloren oder zurück gewonnen werden muss. Diese Schatzkarte für den Kassenerfolg war einige Zeit verloren, doch mit dem Duo Matthew McConaughey und Kate Hudson - bekannt aus Komödie "Wie werde ich ihn los in 10 Tagen?“ - kommt wieder Leben in die alte Kiste.

Die Eröffnung macht den Charakter des passionierten Schatzsuchers Ben (Matthew McConaughey) klar: Begeistert buddelt er im Meeressand, während über ihn in einer herrlichen Abfolge kleiner Katastrophen sein Boot abfackelt und schließlich im Hintergrund als Wrack zu Boden sinkt. Doch die Kleinigkeit interessiert Ben gar nicht, er hat wieder ein Puzzleteil auf der Suche nach eine spanischen Schatzschiff entdeckt.

Und auch das Schiff gehörte eigentlich seiner Frau Tess (Kate Hudson), die sich gerade von ihm scheiden lässt. Doch die gemeinsame Leidenschaft für die Schatzsuche und einander macht eine Trennung unmöglich. Während ihn die einen Geldgeber schon mit Ankerkette am Fuß im Meer versenkt haben, findet Ben mit grandioser Spürnase den nächsten Millionär, der sich für seine Geschichte begeistern lässt. Nigel Honeycutt (Donald Sutherland) beschäftigt auf seiner Superjacht Tess als Steward und so geht die Jagd nach dem Schatz wieder los....

Diese Schatzsuche in der Karibik zu verankern ist optisch weitaus reizvoller wie die Suche nach einer Sonnenscheibe in schlammigen deutschen Wäldern. Dazu taucht Matthew McConaughey immer wieder begeistert knackig und gut „gebuildet“ in die blauen Fluten - ein „Schätzchen“ für sich. Seine Bedenkenlosigkeit gibt der Handlung ihren Schwung. Kate Hudson darf erfreulicherweise mehr sein, sie ist der kluge Kopf der Operation. Ein gelungener Clou der routinierten Inszenierung ist, dass die beiden geschiedenen Partner ihre bewegte Vorgeschichte nur andeuten brauchen und trotzdem in den vielen Streits schön ausleben können.

Die ansonsten nicht originelle Schatz-Romantik findet man noch ganz nett durch reizende Dialoge und eine originelle Besetzung mit Klischee-Typen. Etwa der reiche Gangster-Rapper mit mörderischer Vergangenheit, der in ganz artfremden Gewässern räubern will. Oder die Dummchen-Tochter des Millionärs, der Tess immer mal wieder das Gehirn einschaltet. Dieser Personen-Mix folgt dem Strom der Handlung lebendiger als einst bei Michael Douglas und Kathleen Turner bei der „Jagd nach dem grünen Diamanten“ - aber das kann auch eine Generationen-Frage sein.

Der Fliegende =?UTF-7?B?SCtBT1EtbmRsZXI=?=

Fr 2007 (Le fils de l+IBkA6Q-picier) Regie: Eric Guirado mit Nicolas Cazal+AOk,
Clotilde Hesme, Daniel Duval 96 Min.

Ohne gro+AN8-e Namen und ohne rei+AN8-erische Geschichte die Herzen zu gewinnen, ist
auch eine Kunst. Dem sympathischen franz+APY-sischen Film +IB4-Der Fliegende
H+AOQ-ndler+IBw gelingt diese. Wobei gerade seine m+APw-rrische Hauptfigur Antoine
m+APw-hsam lernen muss, die Herzen seiner Mitmenschen zu gewinnen.

Es ist eine altmodische und +APY-konomisch wahrscheinlich v+APY-llig unsinnige
Erscheinung: Der fahrende Tante-Emma-Laden, der vor allem in l+AOQ-ndlicher
Umgebung meist alte Menschen mit dem N+APY-tigsten versorgt. Und weil dieses
N+APY-tigste nicht nur aus Nahrungsmitteln, Streichh+APY-lzern oder Briefmarken
besteht, rechnet sich der +IB4-Service+IBw nicht mehr. Denn f+APw-r ein paar Minuten
Aufmerksamkeit, f+APw-r ein wenig Anteilnahme f+AOQ-hrt kein H+AOQ-ndler mehr mit viel
Gebimmel vor und bringt kein Milchwagen jeden Morgen die Flaschen frisch von
der Molkerei.

Antoines Vater war so ein Fliegender H+AOQ-ndler in einer abgelegenen Ecke
S+APw-dfrankreichs. Bis ihn der Herzinfarkt ins Krankenhaus brachte. Durch den
Schicksals-Schlag +APw-bernachtet die Mutter in der chaotischen Bude des
verlorenen Sohns Antoine (Nicolas Cazal+AOk) und schl+AOQ-gt auch noch vor, der
Junge solle den Job des Vaters +APw-bernehmen. Antoine ist entsetzt, vom Laden
der Eltern und wohl auch von der Familie wollte er nichts mehr wissen. Und
au+AN8-erdem hat er ja einen Job als Kellner! Hatte, den auch hier fliegt der
unstete Zwanziger wieder raus.

So kehrt Antoine doch heim ins Dorf. Dazu bringt er seine beste Freundin
Claire (Clotilde Hesme) mit. Heimlich liebt er die junge, lebensfrohe
Studentin von nebenan und gibt ihr die Reise aus, damit sie in Ruhe f+APw-rs
Studium arbeiten kann. Am n+AOQ-chsten Morgen beginnt die Tour mit dem fahrenden
Einkaufsladen. Dabei ist Antoine so schnell, dass die alten Leutchen kaum
aus dem Haus sind, bevor er wieder wegd+APw-st. Ansonsten begeistert er mit
Ungeduld, Unfreundlichkeit und grobem Verhalten. Wie konnte dieser
unsensible Mensch blo+AN8 Kellner sein? Obwohl: Das war er ja auch nur ein paar
Wochen.

Claire hingegen kommt wunderbar mit all den alten K+AOQ-uzen der Gegend zurecht.
Sie findet die richtigen Worte und Zugang zu ihnen. Selbst Antoines
verst+APY-rter Bruder, der sich und alle anderen das Verschwinden seiner Ehefrau
verheimlichen will, +APY-ffnet sich der Fremden. Zusammen k+APY-nnten sie den
fahrenden Laden am Laufen halten und sogar die unm+APY-glichen Verh+AOQ-ltnisse in
Antoines Familie aufl+APY-sen. Doch dann +APw-berschreitet der Verliebte eine Grenze
und verjagt Claire...

W+AOQ-hrend der junge Held sich noch selber finden muss, ist der Film schon
l+AOQ-ngst in den ruhigen H+APw-geln dieser Ecke S+APw-dfrankreichs angekommen. Kein
Drama wird k+APw-nstlich +APw-berh+APY-ht, die Handlung nimmt sich von Anfang an Zeit
f+APw-r ihre Menschen, so wie es Antoine erst noch lernen muss. Er lernt auch,
sich selber nicht mehr so wichtig zu nehmen, die Mitmenschen nicht als
st+APY-rend im eigenen (Zeit-) Plan zu empfinden. Das ist schon alles, aber
zusammen mit den Landschaften, dem guten Spiel und der sicheren Inszenierung
ganz unbedingt einen Kinobesuch wert.

Sommer

BRD 2008 (Sommer) Regie: Mike Marzuk mit Jimi Blue Ochsenknecht, Sonja Gerhardt, Jannis Niewöhner 104 Min. FSK: ab 6

Nur zur Warnung: Wer sich noch an „Und es war Sommer“ von Howard Carpendale erinnern kann, ist hier im falschen Film - um mehrere Generationen. Dies ist nicht der Erweckungs-Sommer des weißen Südafrikaners, dies ist der Sommer des 16-jährigen Jimi Blue Ochsenknecht, einem Teenie-Idol mit hohem Kreischfaktor. Niedlich gibt er den Rebell auf Amrum und auch sonst ist alles harmloser als damals bei Howie...

Jimi Blue Ochsenknecht ist Jungstar aus der Filmreihe "Die wilden Kerle". Jungstar mit Wachstums-Problemen: Er wird zu alt, braucht ein neues Spiel(film)feld, um seine Popularität an die Kids zu bringen. Deshalb diese Jugendromanze, die sich nicht nur in jeder Generation, sondern fast jeden Sommer wiederholt: Der 15-jährige Tim (Jimi Blue Ochsenknecht) wird mal wieder von seinem Piloten-Vater (Papa Ochsenknecht) auf eine andere Schule geschickt. Direkt nach der Ankunft auf der Nordsee-Insel Amrum bekommt Tim Ärger mit den lokalen Schnöseln in ihren geschmacklosen Polohemden. Der reiche Lars soll auch in Folge Tims Konkurrent um die Freudin Vic (Sonja Gerhardt) werden.

Tim ist „seltsam“ und er steht dazu. Zwar machen Lederjacke, schief sitzende Kappe und ein Skateboard noch längst keinen Rebellen, aber der Junge geht seinen eigenen Weg, macht sich nichts draus, Feigling genannt zu werden. Auch die unsichere Vic wehrt sich gegen den Markenwahn und erfährt, dass ein Kompliment über ihre hochgesteckt noch schöneren Haare wesentlich wertvoller als die teure Jeans ist.

Der Jugendfilm kann also durchaus Werte vermitteln, schwimmt nicht mit dem Strom. Dazu gibt es ein paar erwachsene Probleme, etwa mit dem arbeitslosen, alkoholkranken Vater Vics. Gerade hier erweist sich Lars als der Falsche, weil er nicht zuhört, kein Freund ist. Und vor allem mit Vic ins Bett will. Bis zum spannenden Finale erfüllt der Film routiniert die Erwartungen des Zielpublikums und überrascht zeitweise sogar mit etwas mehr: Eine Ahnung von Poetik beim ausgeschlachteten VW-Käfer, der wie ein gestrandeter Wal im Sand steckt. Und Romantik, für die es allerdings nur einiger freundlicher Worte bedarf.

Schauspielerisch bewegt sich das alles auf TV-Niveau. Ochsenknecht Junior wirkt in diesem Filmformat so deplatziert wie sein Möchtegern-Rebell auf der Nordsee-Insel. Die Harmlosigkeit des Milchbubis passt zur asexuellen Pferdeschwärmerei der Mädchen. Die Darstellerin der Vic, Sonja Gerhardt, stammt aus der Sat.1-Telenovela „Schmetterlinge im Bauch“. Hier einen Vergleich mit Elke Sommer zu ziehen, bringt den größten Lacher des Films. Witzig ist es eher selten, was in Abwesenheit simpler Albernheiten auch als angenehm empfunden wird. „Sommer“ ist erfreulicherweise nicht die Anhäufung schleimiger und peinlicher Zoten, als die uns „American Pie“ und andere die Pubertät verkaufen will. Obwohl: Der sonnige Jungentraum von Howie hatte auch was...

Fatih Akin

Kompromissloser Brückenbauer

Aachen. Am 24. April erhält Fatih Akin zusammen mit dem französischen Regisseur Abdellatif Kechiche im Aachener Rathaus die „Médaille Charlemagne pour les médias européens“. Die „Karlsmedaille für die europäischen Medien“ geht an Akin und Kechiche, weil sie „mit ihren Filmen einen herausragenden medialen Beitrag zur europäischen Integration“ leisten, so Frauke Gerlach, die Vorsitzende des Kuratoriums Médaille Charlemagne pour les Médias Européens. Die Filme Fatih Akins zeichnet dabei aus, dass man bei ihnen nicht direkt an „Integration” denkt. Sie sind nicht aus dem Stoff der Sonntagsreden von Politikern, sondern prall des Lebens, das Letztere oft aus den Augen verloren haben.

Immer sind es die Leben von Grenzgängern. So fällt schon die Einordnung Fatih Akins in Herkunftsschubladen nicht ganz leicht: Am 25. August 1973 in Hamburg als Sohn türkischer Gastarbeiter geboren, könnte man ihn als Deutsch-Türken vereinnahmen. Wenn man ihn erlebt, ist er viel eher Hamburger, genauer: ein wahrer Bürger des multikulturellen Stadtteils Altona. Dort wuchs er auf, spielte an der Schule Theater und begann erste Geschichten zu schreiben. Später absolvierte er das Studium „Visuelle Kommunikation“ an der Hamburger Hochschule für bildende Künste, arbeitete beim Film und mit 22 Jahren drehte seinen ersten Kurzfilm „Sensin - Du Bist Es!“. Für den Nachfolger „Getürkt“ gab es 1996 bereits internationale Preise sowie eine Sicherheit: Hier lässt sich einer nicht von Klischees vereinnahmen, sondern spielt frech mit ihnen.

Und genauso tritt er auch auf: Fatih Akin begegnet seinem Publikum ebenso wie Staatsmännern und -frauen sympathisch unangepasst und lässig mit Kapuzenjacke, wenn andere Anzug tragen. Klar, deutlich und temperamentvoll, so geht er alle möglichen Themen an, verbreitet die trockene Launigkeit seiner Wahlheimat Hamburg ebenso wie eine kompromisslose Leidenschaft für den Film.

Die Karriere seiner Spielfilme verlief im Rückblick energisch und gradlinig: Das Debüt „Kurz und schmerzlos“ (1998) gewann direkt den Bronzenen Leoparden in Locarno. Die Liebes-Odyssee von Hamburg nach Istanbul „Im Juli“ mit Moritz Bleibtreu in der Hauptrolle war 2000 ein Kinoerfolg. Das Brüderdrama zweier italienischer Einwanderer-Söhne „Solino“ kam zwei Jahre später nicht mehr so gut an, für diesen Paukenschlag des europäischen Gefühlskinos war die Kinolandschaft noch nicht reif. „Gegen die Wand“ (2004) war auch ein Schlag, ein Volltreffer, und wieder ganz anders: Das äußerst heftige Drama einer Deutsch-Türkin auf der Flucht vor den Traditionen und eines Deutsch-Türken im Kampf mit sich selbst sowie dem Alkohol, konnte während der Berlinale nur den Hauptpreis, den Goldenen Bären erhalten. Später kamen noch der Deutsche und der Europäische Filmpreis hinzu. Obwohl wesentlich stiller und feinfühliger hätte auch „Auf der anderen Seite“ solch einen Erfolg verdient. Im zweiten Teil seiner „Liebe, Tod und Teufel“-Trilogie erzählt Akin darin kunstvoll und einfühlsam von sechs Menschen in Deutschland und der Türkei sowie vom Umgang mit dem Tod in diesen wechselnden Konstellationen.

Der Regisseur des Oscar-Kandidaten „Auf der anderen Seite“ hat aber viele andere Seiten: Man kann ihn immer wieder in kleineren und größeren Rollen als Schauspieler sehen, letztens etwa in der türkischen Komödie „Hirsiz var!“.  Seine deutsch-mexikanische Frau Monique zeigt ihn in der Dokumentation „Fatih Akin  - Tagebuch eines Filmreisenden“ beim Dreh von „Auf der anderen Seite“. Die mehrfach ausgezeichnete Fernsehdokumentation „Mein Vater der Türke“ von Marcus Vetter schildert das Wiedersehen mit Fatihs türkischem Vater, einem Gastarbeiter, den der Regisseur seit frühen Kindertagen nicht mehr gesehen hat.

Als Autor schrieb er das Buch der interkulturellen Väterpanik-Komödie „Kebab Connection“, als Produzent schickte er „Takva – Gottesfurcht“ im Februar für die Türkei ins Oscar-Rennen. Morgen läuft das ebenfalls von ihm produzierte Kiez-Drama „Chiko“ (wieder mit Moritz Bleibtreu) im Kino an. Im türkischen Heimatdorf seiner Großeltern startete er ein dokumentarisches Langzeitfilmprojekt mit dem Titel „Müll im Garten Eden“. Und gerade dreht Fatih Akin in New York seine Episode „Chinatown“ aus der Kompilation „New York, I Love You“.

Dass er mit renommierten Kollegen wie Mira Nair, Natalie Portman, Shekhar Kapur („Elisabeth“) in diesem Projekt arbeitet, zeigt dass er längst im Weltkino angekommen ist. „Auf der anderen Seite“ wurde im letzten Jahr gar als Favorit in Cannes gehandelt und der Regisseur meinte selbstbewusst: „Ich bin erst mal da angekommen, wo ich hinwollte. Mal sehen, wohin die Reise noch geht." Zwei Jahre zuvor war er Mitglied der Internationalen Jury und außer Konkurrenz lief seine Musik-Dokumentation „Crossing the Bridge“ - noch so ein Dokument des Grenzgängertums zwischen Europa und Asien wie zwischen verschiedensten Musikstilen.

Die Begeisterung des Regisseurs für Musik war bekannt: Zwischendurch legt er gerne als "DJ Superdjango" Platten auf, solch eine Einlage war auch im Rahmenprogramm der Karlsmedaille angedacht, doch die Zeit zwischen Ankunft aus New York und Weiterflug zum Deutschen Filmpreis in Berlin war zu knapp. Zu wenig Zeit zwischen der Arbeit und dem Einsammeln der Preise. Die süße Last des Erfolges wird der Energie des leidenschaftlichen Filmemachers keinen Abbruch tun. Bislang hatte er immer die Power, mit jedem Film gleich einen großen Schritt weiter zugehen. Was die Neugierde auf den nächsten Film besonders groß macht.

Tödliche Entscheidung

USA 2007 (Before the Devil knows you're dead) Regie: Sidney Lumet mit Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Albert Finney, Marisa Tomei 117 Min. FSK ab 16

Wie klingt es, wenn das Leben, so wie man es sich vorstellt, erträumt hat, zusammenbricht? Wenn die Konstruktion von Familie, Beruf, Glück nicht mehr hält und zu Boden stürzt? Ganz gleich, welches Geräusch nun bei Ihnen anklingt, nach dem neuen Film von Sidney Lumet hat dieses Gefühl einen ganz eigenen Klang!

Schon an Anfang geht es mächtig schief - und wird nur noch schlimmer: Irgendwo in einem amerikanischen Einkaufszentrum betritt ein Mann mit Skimaske einen Juwelierladen, zückt seine Pistole und zwingt die alte Verkäuferin an die Wand. Wie bei den Coen-Brüdern überbieten sich die beiden Beteiligten in Dummheit, Schüsse fallen, der Räuber stirbt, die alte Frau ist schwer verletzt und den Parkplatz verlässt ein Autofahrer in heller Panik.

Die Idee für diesen Bruch war - wie immer - idiotensicher: Wirtschaftsprüfer Andy Hanson (Philip Seymour Hoffman) braucht Geld, viel Geld. Die Steuerprüfer stehen vor dem Büro und das Koks wird auch immer teurer. Er überzeugt seinen kleinen Bruder Hank (Ethan Hawke), der ebenfalls in einer verzweifelten finanziellen Situation steckt, den Juwelenladen der Eltern auszurauben. Nur die alte, halbblinde Angestellte sei da, die Versicherung würde sowieso zahlen und alle profitieren. Allerdings will Hank den Bruch nicht selber machen, engagiert einen Gangster. Und im Laden steht unglücklicherweise die Mutter von Hank und Andy. Klar wird den beiden das erst, als sie die Mutter im Krankhaus im Koma liegen sehen. Der Vater (Albert Finney) wird noch eine Weile suchen, bis er die Verantwortlichen für die Tat findet. Und - man glaubt es kaum - das ist nicht die einzige erschütternde Entdeckung in diesem Film. Aus der Raubgeschichte kristallisiert sich ein Familiendrama heraus, in dem Andy als vernachlässigter Sohn an der vermissten Liebe zerbricht, während „Baby“ Hank trotz aller Aufmerksamkeit auf die schiefe Bahn gerät.

Mit dem Geräusch von zerspringendem Glas, das auseinander fällt, wie das Leben aller Beteiligten, springt die Handlung immer wieder zurück. Sie zeigt, wie sich die Beteiligten in die verfahrene Situation hineinmanövriert haben. „Tödliche Entscheidung“ besteht aus einer ganzen Reihe von Entscheidungen, die alle falsch gefällt wurden. Und mitten im Herzen des Gefühlssturms aus Dummheit und Gier, die in liebloser Kindheit wurzelt, vermeint man kurz das Schlagen eines erbarmenden Herzens zu hören. Doch das EKG zeigt falsche Werte, Moral muss hernach neu überdacht werden.

Auf Basis des exzellenten Drehbuchdebüts von Kelly Masterson realisierte Altmeister Lumet einen gewaltigen Familienfilm und einen genialen Thriller. „Tödliche Entscheidung“ ist gleichzeitig klassisch gut und modern, hat die tragische Wucht der alten Griechen und die Absurdität der Gier aus Coen-Filmen. Hinter dem Film steht der bereits 83-jährige Sidney Lumet, der mit Werken wie „Die zwölf Geschworenen“, „Hundstage“, „Prince of the City“ und „The Verdict“ bereits Filmgeschichte schrieb. Nun inszeniert er atemberaubend geniale Schauspieler: Jede einzelne dieser Darstellerleistung von Philip Seymour Hoffman, Albert Finney und Marisa Tomei bildet einen schillernder Marmorblock der Filmgeschichte.

Run, Fat Boy, Run

Großbritannien 2007 (Run, Fat Boy, Run) Regie: David Schwimmer mit Simon Pegg, Thandie Newton, Hank Azaria 100 Min. FSK: ab 6

Seit Dennis bei seiner eigenen Hochzeit Fersengeld gab, hat er ein Problem: Er läuft vor allen Problemen davon und wird doch immer dicker. Eher kläglich versucht er, doch noch bei Libby (Thandie Newton) zu landen. Fünf Jahre nachdem er sie hochschwanger vor dem Traualter sitzen ließ. Doch die hat mittlerweile einen Neuen, Whit (Hank Azaria), der reich, kultiviert, charmant, geistreich und gut angezogen ist - das Gegenteil von Dennis, der als Wachmann den Ladendieben hinterher hecheln muss. Eher gezwungen als motiviert durch seine sehr ungewöhnlichen Freunde will Dennis nun bei einem Marathon gegen Whit antreten.

Dennis ist ein herrlich sympathischer Verlierer, der sich wunderbar lächerlich macht und so die Herzen des Publikums gewinnt. Das Kunststück dieser Brit-Komödie mit hohem Lachfaktor ist, dass trotz heftiger Slapstickeinlagen die ganze Sache nie albern oder blöd gerät. Verantwortlich dafür ist Hauptdarsteller Simon Pegg, der auch das Buch schrieb. Dieses enorme Talent kennt man schon von der Polizisten-Parodie „Hot Fuzz“ aber vor allem von dem Zombie-Spaß „Shaun of the Dead“. Nicht nur die eigene Rolle, die sich Pegg auf den Leib schrieb, ist ein Volltreffer, auch die exzellent besetzten Nebenfiguren gefallen ungemein: Vom indisch-stämmigen Hobbytrainer bis zum Sohnemann, dessen Mimik oscarreif ist.

Abgedreht

USA 2008 (Be kind rewind) Regie: Michel Gondry mit Jack Black, Mos Def, Danny Glover, Mia Farrow 101 Min. FSK o.A.

Wer tatsächlich noch Videokassetten zuhause hat, wird das Drama um diese aussterbenden Schätzchen aus vergangenen Medienzeitaltern verstehen: Die chaotische Nervensäge Jerry (Jack Black) magnetisierte sich selbst bei einem Sabotageakt gegen das Umspannwerk hinter seinem Wohnwagen. So weit so schräg, aber als Jerry gegen die Verbote des Besitzers Mr. Fletcher (Danny Glover) wieder in dessen Videoladen rumstöbert, löscht er alle Aufnahmen der Leihkassetten. Eine Katastrophe für Fletchers Vertretung Mike (Mos Def) und gerade jetzt will die alte Stammkundin Mrs. Falewicz (Mia Farrow) den Komödienhit „Ghost Busters“ ausleihen. Da kein Ersatz aufzutreiben ist - wer hat noch Videos im DVD-Zeitalter? - drehen Jerry und Mike mit sehr, sehr einfachen Mitteln den Film selber nach. Verkürzt selbstverständlich, dann wird er ja besser. Das Unglaubliche passiert nach dieser unglaublichen Aktion: Die „geschwedeten“ Filme werden ein Erfolg, lassen sich sogar teuerer vermieten. So drehen sich die beiden Notfall-Regisseure hemmungslos durch die Filmgeschichte: „Robocop“ schießt da mit dem Fön, „Driving Miss Daisy“ lässt Mia Farrow wunderbar auftreten. In dieser Reihe von schönen Scherzen für Cineasten mündet der anfangs absurde Humor, für den Jack Black meist steht. Doch die liebevolle Film- und Viertel-Geschichte bekommt noch mehr Gefühl, als alle zusammen eine Dokumentation über die vergessene Jazz-Legende Fats Waller drehen...

Der Originaltitel des Film, „Be kind rewind“, ist einerseits die Bitte, das Video vor Rückgabe zurückzuspulen. Aber auch programmatisches Konzept, die Zeit zurückzuspulen. Zum Früher, als es besser war. „Abgedreht“ war schon immer eine gute Bezeichnung für die Filme, an denen Michel Gondry beteiligt war: Geboren in Versailles besucht er eine Kunstschule, hatte eine kurze Karriere beim Pop und wurde schließlich von Björk als Regisseur der sensationellen Videoclips zu „Human Behaviour“ und fünf anderen Songs entdeckt. Danach drehte er für Massive Attack, bevor er 2001 mit „Human Nature“ in Cannes einschlug. Auch der folgende „Vergiß mein nicht“ (Eternal Sunshine of the Spotless Mind) war als digitales Drama einer verwehenden Liebeserinnerung Kino, wie man es noch nie gesehen hatte. Mit „Science of Sleep“ kehrte Gondry von den großen Tricks zu der sehr sympathischen Kleinkunst des ausgeschnittenen Kartons zurück. Die Liebesgeschichte zwischen Stephane und Stephanie (Gael García Bernal und Charlotte Gainsbourg) in Paris gewann mit dem Charme des Handgemachten, der nun auch in „Abgedreht“ das Publikum der nachgedrehten Blockbuster-Filme überzeugt. Ein Märchen vom Film, der unabhängig von den Konzernen gemacht und geliebt wird, dem handgedrehten, der Menschen aus der Nachbarschaft noch etwas erzählt, der von ihren Geschichten handelt.

Untraceable

USA 2007 (Untraceable) Regie: Gregory Hoblit mit Diane Lane, Colin Hanks, Billy Burke 101 Min. FSK: ab 16

Da braucht es nicht die Abstimmung mit der Computer-Maus: „Untraceable“ ist kein guter Film. Jeder, der mitdenkt, entdeckt schnell mangelnde Intelligenz im Drehbuch. Schauspielerisch kann Diane Lane (von „Rumble Fish“ bis „Untreu“) mehr, als sie hier zeigt. Überhaupt ist die ganze Darstellerriege eher schwach. Trotzdem gehört „Untraceable“ in die Kiste mit dem Etikett „interessant“: So erschreckend wurde bislang selten eine mögliche Diktatur des kleinen Klicks geschildert!

Was ist echt im Internet? Stecken die süßen kleinen Katzen tatsächlich schrecklich deformiert in viereckigen Flaschen? Oder hat hier ein Designer zuviel Zeit mit Photoshop verbracht? Die Frage „Was ist echt?“ stellt sich auch den Ermittlern in Portland, als eine süße kleine Katze im Internet live gequält und umgebracht wird. Was soll’s, es gibt Wichtigeres für das FBI aufzuklären, meint der Chef von Jennifer Marsh (Diane Lane). Doch nicht nur die auf den Cyberspace spezialisierte Ermittlungs-Agentin starrt fasziniert auf die Monitore: Die Site "KillWithMe?" behauptet, je mehr Klicks sie erfährt, je schneller solle die Katze sterben. Nur ein paar Tage später hängt ein Mensch gefesselt vor der Kamera, während das Publikum weltweit an den Monitoren hängt. Hunderttausende Internet-Surfer sorgen für ein langsames Verbluten des Opfers.

Es kostet das Drehbuch einige heftige Verbiegungen, zu erklären, weshalb ein Verbrechen im Weltweiten Netz ausgerechnet zufällig von Jennifer Marsh vor ihrer Haustür aufgeklärt werden muss. Selbst die Auflösung macht nicht verständlich, warum der wahnsinnige Mörder die Ermittlerin des FBI ins Visier nimmt. Doch egal. Der Blick auf den Voyeurismus macht „Untraceable“ reizvoll. Die Anonymität des Internet lässt Millionen Menschen zu Zeugen einer Hinrichtung werden und ein Kommentar vermutet, dass dazu bald für viel Geld Werbung geschaltet wird. Welche - kommerzielle - Macht die Quote hat, wird in Bezug auf das Fernsehen und, in minderem Maße, auf die Printmedien hinlänglich diskutiert. Da ist „Untraceable“ so zynisch wie „Das Millionenspiel“ (und dessen Remakes) nach Wolfgang Menge schon 1970. Doch wenn Blicke tatsächlich mit Klicken töten können, erschreckt diese Umsetzung neuerlich. Nicht die grausamen, sadistischen Morde schocken. (Sie werden erträglicher als bei „Saw“ und „Hostel“ dargestellt, bleiben aber noch unappetitlich.) Es ist der Zähler am Rande des Computerschirms der rasend die wachsende Menge der Zuschauer einblendet. Die Gedanken Canettis über „Masse und Macht“ sollten um eine neue Form der anonymen Masse erweitert werden. Wobei: Hat sich so viel verändert seit den johlenden Menschenmassen bei Hinrichtungen im Mittelalter?

So gesehen sollte man es Gregory Hoblit danken, dass er es nach "Zwielicht", "Dämon" und "Das perfekte Verbrechen" nicht zu spannend macht und Zeit zum Nachdenken lässt.

Jumper

USA 2008 (Jumper) Regie: Doug Liman mit Hayden Christensen, Samuel L. Jackson, Diane Lane, 96 Min.

Eine nette Idee: Man stellt sich einfach einen Ort irgendwo auf der Welt vor und schwupps „springt“ man in Bruchteilen von Sekunden hin. In Alan Rudolphs „Made in Heaven“ war dies eine nette Idee in einem wunderbaren Film. In dem sprunghaften Science Fiction „Jumper“ ist diese Idee fast alles. Nur noch ein paar Postkartenaufnahmen exotischer Plätze, ein kindisches Vergnügen am Picknick auf der Sphinx und etwas Handlung, der man mächtig auf die Sprünge hätte helfen sollen.

David (Hayden Christensen) entdeckt nicht nur, dass er durch den Raum springen kann, es gibt auch viele von seiner Sorte und dazu noch andere, die Seinesgleichen ausrotten wollen. Doug Liman („The Bourne Identity“, „Mr. and Mrs. Smith“) inszeniert den Langeweiler halbwegs routiniert, ebenso uninspiriert spielt Samuel L. Jackson. Hauptdarsteller Hayden Christensen muss aufpassen, dass er nicht als Anakin aus „Star Wars“ in ewige Vergessenheit gerät.

Daddy ohne Plan

USA 2007 (The Game Plan) Regie: Andy Fickman mit Dwayne "The Rock" Johnson, Madison Pettis, Kyra Sedgwick 110 Min. FSK: o.A.

Joe Kingman (Dwayne "The Rock" Johnson) ist die Nummer 1 auf dem Football-Feld und in seinem Luxus-Leben. "The King" verbraucht Frauen in Serie, wie ein ganzer Schrank voller Chanel-Geschenkpakete beweist. Doch nach der x-ten Siegesfeier haut ihn die Einsamkeit um - in Form klebriger Streicherklänge. Von nun an werden wir sie nicht mehr los - nicht die Einsamkeit, die ist für Kingman bald vorbei. Es bleiben die Streicher, die sich konstant in den Vordergrund drängen. Und auch Kingman wird nie mehr sein dümmliches Gehabe los. Das ist wohl so, wenn ein Muskel-Sportler schauspielern will: "Daddy ohne Plan" kopiert mit Ex-Wrestler Dwayne "The Rock" Johnson nicht nur das Konzept von "Kindergarten Cop", auch das viereckige Grinsen von Ex-Bodybuilder Arnold Schwarzenegger springt einem immer entgegen. Penetrant wie die Erwähnung von Johnsons Spitznamen "Rock" (Stein) alle fünf Minuten.

So ist es für die kleine Madison Pettis mit den großen Kulleraugen einfach, ihm in jeder Szene die Show zu stehlen. Sie steht als achtjährige Peyton alleine vor Kingmans Tür, der muss erkennen, dass er eine Tochter hat und sich auch noch einen Monat lang um diese kümmern.

Bis auf einige nette Ideen, wie eine mit Plissee-Rock und lackierten Krallen, bleibt der Film in seiner Formelhaftigkeit stecken. Selbst das klinische und funktionale Chaos, das Peyton im Luxus-Appartement veranstaltet, stammt garantiert von einem Drehbuchautor ohne Kinder. Vor allem "The Rock" zeigt sich unbeeindruckt von allen besseren Vorgaben des Drehbuchs. Seine Figur wird ihr Lachen wiederfinden und lernen, dass Egoismus nicht alles ist. Wir erfahren, dass „The Rock“ längst nicht mehr in der Form ist, den Frauenschwarm zu spielen, den der Film behauptet.

Schmetterling und Taucherglocke

Frankreich/USA 2007 (Le Scaphandre et le papillon) Regie: Julian Schnabel mit Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner, Marie-Josée Croze, Hiam Abbass, Max von Sydow 114 Min.

Mein linkes Auge

Nur einen Augenblick. Manche sagen, das Leben dauert genau so lange. Bei Jean-Dominique Bauby konnte man genau ausrechnen, wie viele Augenblicke sein Leben gedauert hat. Zumindest seine Autobiographie, die er nur mit dem Zucken eines Augenliedes diktierte. 200.000 Augenblicke formten die Worte, das Auswählen eines Wortes dauerte zwei Minuten! Das Drama dieses Lebens - umgesetzt in Julian Schnabels mutige und geniale Bilder - erschüttert wie selten ein Kinofilm.

Es beginnt mit einem Augenaufschlag. Nur verschwommen nimmt Jean-Dominique Bauby (Mathieu Amalric) sein Krankenzimmer wahr. Aufgeregte Schwestern, ernsthaft interessierte Ärzte. Bauby spricht zu ihnen, doch keiner reagiert. Die Panik in der Stimme wird schwer erträglich - keine Reaktion. Bis nach einer Weile ein zynisch ruhiger Spezialist auch den erstaunten Zuschauern alles erklärt: Nach einem Schlaganfall leidet Bauby am "Locked in syndrome". Sein Verstand funktioniert hervorragend, doch ist wie im schweren Tieftaucher-Anzug gefangen. Nichts dringt an die leblose Fassade seines willenlosen Körpers.

Ausgerechnet Bauby, der als Chefredakteur der Frauenzeitschrift "Elle" ein schönes Leben des Scheins genoss. Aussehen und Jugend waren dem 42-Jährigen alles, körperliche Lust ließ ihn Frau und Kinder für eine andere verlassen. Und jetzt hängt er hilflos mit einem bizarr verzerrten Gesicht schief im Rollstuhl. Die jüngere Freundin kann dies nicht ertragen, doch die Ehefrau kümmert sich um ihn.

Halt gibt ihm nur eine Therapeutin, die auch Selbstmordgedanken energisch vertreibt. Mit endloser Geduld wiederholt sie immer die gleiche Abfolge von Buchstaben: "E-S-A-R-N-T-U-L..." Das Zucken seines Augenliedes wählt einen Buchstaben aus, dann folgt wieder der Singsang von "E-S-A-R-N-T-U-L..." So werden quälend langsam aus einzelnen Buchstaben Worte und aus Worten Sätze. Irgendwann beginnt Bauby seine Biographie zu "diktieren" und so erfahren wir von der Verzweiflung im Innern der Taucherglocke. Nur über seine Träume und Erinnerungen entflieht er dem Körper-Käfig wie ein Schmetterling. Ein grausam süßer Ausweg - der einzige.

Der Maler und Regisseur Julian Schnabel ("Basquiat", "Lou Reed's Berlin") verfilmte die sehr erfolgreiche Autobiographie von Jean-Dominique Bauby aus Achtung vor dem Text in Französisch, das Drehbuch schrieb Ronald Harwood. Das Buch erschien am 6. März 1997 und verkaufte sich 150.000 Mal allein in der ersten Woche. Zwei Tage nach der Veröffentlichung starb Bauby. Von den ersten Momenten an lässt Schnabel die Bilder und Töne ganz stark am Gefühl Baubys mitarbeiten. Auch auf der Leinwand kann man anfangs wenig erkennen und verstehen. Wir bleiben irritiert wie der eingeschlossene Patient.

Juno

USA 2007 (Juno) Regie: Jason Reitman mit Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner 96 Min. FSK: ab 6
 
Wie wunderbar und furchtbar, die Welt mit anderen Augen zu sehen und zu empfinden. Vielleicht eher furchtbar und anstrengend, wenn man selber drin steckt. Und ziemlich wunderbar, wenn man es im Kinosessel mit Abstand erleben darf. Das Sagenhafte an der der 16-jährigen Schülerin Juno ist ihr heiterer und auch mal sarkastischer Optimismus. Mitten im (Teenager-) Leben und ein neues Leben mitten im Bauch, meistert Juno die Klippen der Pubertät mit Klasse, Spaß und liebenswerter Weisheit.
 
Juno - sagenhaft keck und klug gespielt von der Kanadierin Ellen Page - weiß was sie will. Sex mit dem nicht besonders attraktiven oder coolen Paulie (Michael Cera aus "Superbad") zum Beispiel. Der Sessel, auf dem sie sich entjungfern lässt, hat fortan Reliquien-Status im Film. Ansonsten geriete die Sache schnell in Vergessenheit. Wenn da nicht schon in der ersten Szene einer der witzigsten Schwangerschaftstest der Filmgeschichte stattgefunden hätte. Und vor allem ein unverklemmter: Juno säuft einen ganzen Getränkeshop leer, kauft die Teststreifen im Zehnerpack, meckert und flucht wie ein Berserker.
 
Auch das rotzfreche Geständnis bei den Eltern ist ein Knaller: Junos Vater (toll: J.K. Simmons) und Stiefmutter (Allison Janney) reagieren einfach nur gut. Allerdings weiß noch keiner, dass Juno gerade ihre Morgenübelkeit in die dekorative Vase im Flur entsorgt hat. Herrlich komisch balanciert die kleine, zierliche Juno, die sich mit wachsendem Bauch in einen "wandelnden Wal" verwandelt, Peinlichkeiten und Pragmatismus.
 
Überraschend und völlig frei von Klischees denn auch der nächste Schritt: Juno will ihr ungeborenes Kind zur Adoption freigeben und schaut sich mal die möglichen Eltern im reichen Vorort an. Die Beziehung zwischen der perfekten Workaholic-Frau (toll angespannt: Jennifer "Alias" Garner) und dem frustrierten Künstlergatten eröffnet dem Film ein ganz neues Spielfeld, in dem Juno mit traumwandlerischer (Un-) Sicherheit für Dauerlachen, Mitfreuen, Nachdenken und sogar noch für Romantik sorgt. Die zeigt sich in Form eines Briefkastens voller orange-farbener Tic-Tacs. Wie sich solche Runnings-Gags um den Laufsportler Paulie ebenso wie tiefer gehende Themen schlüssig durch den Film ziehen, wirkt hier plötzlich selbstverständlich und ganz einfach. Stimmig auch die Farbdramaturgie, sowie die gar nicht wirklich niedlichen Folksongs.
 
Jason Reitman, Sohn des berühmten Komödienregisseurs und Produzenten Ivan Reitman ("Ghostbusters", "Kindergarten Cop"), realisierte diese Film-Sensation mit Herz, Witz und Verstand. Vor allem aber steht die Drehbuchautorin Diablo Cody hinter Juno. Ihren Oscar nahm die ehemalige Stripperin im schillernden Abendkleid entgegen, welches ihre Tattoos schön zur Schau stellte. Sie gehört offiziell zu den 50 intelligentesten Menschen Hollywoods und das versprüht auch jeder Satz Junos - wie der ganze Film ein Volltreffer.
 

Die Geheimnisse der Spiderwicks

USA 2007 (The Spiderwick Chronicles) Regie: Mark S. Waters mit Freddie Highmore, Mary-Louise Parker, Nick Nolte 97 Min. FSK: o.A.
Nach der Scheidung der Eltern ziehen Jared, Simon und Mallory mit der Mutter in das abgelegene Haus ihres Großonkels Arthur. Mit ihnen ziehen die alten Streitereien und Probleme, aber schnell lenken seltsame Ereignisse ab. Jared entdeckt ein altes Buch des Großonkels und lockt damit Kobolde und üble Kreaturen an. Bald müssen die Kinder das belagerte Haus gegen eine Armee von Kröten-Kreaturen verteidigen.
Gibt es eigentlich wirklich so viele Fantasy-Jugendbuch-Bestseller? Oder erfinden die Film-Produzenten schon mal den einen oder anderen hinzu? "Die Geheimnisse der Spiderwicks" wirken aus den Augen eines zynischen Kritiker-Gnoms durchaus wie das Rezept für einen Fantasy-Kinoerfolg. Aber die Erlebnisse der Familie Spiderwick haben auch feengleich schöne Momente und können mit einer netten Geschichte und fantastischen Geschöpfen durchaus für sich gewinnen.
Im Herzen der guten Effekte, die nur bei einem Flugwesen wirken, wie von "Harry Potter" ausgeliehen, steckt eine rührende Familiengeschichte von der Sehnsucht nach verschwundenen Vätern, von der Magie des Kindlich-Bleibens auch im hohen Alter.

Dan - Mitten im Leben!

USA 2007 (Dan In Real Life) Regie: Peter Hedges mit Steve Carell, Juliette Binoche, Dane Cook 99 Min. FSK: o.A.
 
Der Plan war, mit den drei Töchtern für die dringende Erholung zu Oma, Opa und all den Geschwistern, Schwipp- und sonstigen Schwägern nach Rhode Island zu fahren. Dan Burns (Steve Carell) ist alleinerziehender Witwer und das mit drei Mädchen. Der Kolumnen-Schreiber in Sachen Erziehung bräuchte "mitten im Leben" selbst einige Tipps im Umgang mit seinen "Frauen": Cara, hasst ihren Vater "für ewig", weil er sie von der einzigen und wichtigsten Liebe des Lebens trennte. Jane möchte endlich Autofahren dürfen, doch Dan traut es ihr nicht zu. Und Lilly, die Kleinste, wird überhaupt nicht ernst genommen.
 
Aber wie das mit den Plänen so ist - manchmal kommt es anders, als Dan meistens denkt. Alles wird Nebensache, als Dan auf Marie (Juliette Binoche) trifft: Schon das Kennenlernen im Buchladen, wo sie ihn für einen Angestellten hält, sammelt mächtig Sympathiepunkte für den Film. Nach einem dieser Gespräche, bei dem man sein Leben und sein Herz ausbreitet, kehrt Dan heim zu seiner wunderbaren, großen Familie, bei der man direkt einziehen möchte. Begeistert erzählt Dan von der romantischen Begegnung, bis ihm sein Bruder Mitch (Dane Cook) seine neue Freundin vorstellt: Marie!
 
Das Familienheim wandelt sich nun zur hellhörige Hölle für den verliebten Dan. Während die Verwandten Kreuzworträtsel und Verstecken über zwei Etagen und drei Generationen spielen, verstecken sich auch Dan und Annie - sie erzählen niemanden von ihrem Treffen. Dem Kolumnisten gehen plötzlich die Worte aus und er landet klassisch komödiantisch zusammen mit Marie unter der Dusche.
 
Als Romantische Komödie ohne all das Abgeschmackte, was sonst an diesem Konzept klebt, erweist sich "Dan - Mitten im Leben". Ein verregnetes Rhode Island zeigt keine glamouröse, aber eine passend sympathische Umgebung für die nette Familie mit Diane Wiest als Großmutter. Vom alten Mercedes bis zur Tonspur mit dem Gitarrenrock sorgfältig und liebevoll ausgestattet sowie sorgfältig ins Bild gesetzt. Verantwortlich dafür ist Ko-Autor und Regisseur Peter Hedges, der die Drehbücher für "Gilbert Grape - Irgendwo in Iowa" und "About A Boy" schrieb. Schon sein Regiedebüt "Ein Tag mit April Burns" überzeugte 2003 mit sympathischen Figuren voller Leben.
 
Dazu überrascht Steve Carell ("Little Miss Sunshine") wieder mit einer guten Rolle, nachdem er im unsäglichen "Evan Allmächtig" die Arche Noah baute. Wie immer, wenn expressive Komödianten gebremst werden, spielen sie richtig gut. Juliette Binoche zeigt kaum Akzent dafür eine Menge tödlicher Eifersucht im Blick, als eine heiße Konkurrentin auftaucht.
 
Bei all dem freundlichen Vergnügen gibt es auch Erkenntnisgewinn: Man/Dan merkt, Pläne führen selten ans geplante Ziel. Der neue Plan: Sich überraschen lassen! Was mit diesem Film vortrefflich gelingt.

Walk Hard - Die Dewey Cox Story

USA 2007 (Walk Hard) Regie: Jake Kasdan mit John C. Reilly, Jenna Fischer, Tim Meadows 96 Min. FSK: ab 12

Lexikon der Film-Parodien, Teil 7174: Die Musiker-Biographie. Eine ganze Welle von Biographien berühmter Stars wie Johnny Cashs "Walk the Line" oder "Ray" (Charles) forderten geradezu eine Parodie heraus. Doch wer jetzt den üblichen Schrott erwartet, wird positiv überrascht.

Es ist wie bei so vielen Biographien von großen Popstars - nur etwas anders. Das obligatorische Trauma der Kindheit zum Beispiel: Dewey Cox schneidet seinen Bruder mit einer Machete mitten durch und sich selbst damit von der Liebe des Vaters ab. Schön und schon klassisch, wie ihn der lieblose Vater später immer wieder an die Schuld erinnert.

Und dann das Problem der Alterung, wenn die Popstars nicht wie in "Control" früh die Seiten ihrer Biographie schließen: Dewey Cox trifft jung die Frau seines Lebens, oder der ersten Hälfte seines Leben. Und Darlene muss immer betonen, wie jung sie ist. Weder die zwölf Jahre bei der Heirat noch die fünfzehn bei dem ersten Kind noch die über 50 Jahre beim späten Wiedersehen nimmt man der 34-jährigen Darstellerin Jenna Fischer ab. Und das ist auch so beabsichtigt, denn bei "Walk Hard" ist alles überzogen. Doch diese Parodie hat mit John C. Reilly einen Hauptdarsteller, der richtig spielen kann. Dazu ist die witzige Veralberung sorgfältig gefilmt - ganz im Gegensatz zu den Schrott-Parodien von anderen Schrott-Filmen.

"Walk Hard" spielt "Walk the Line" manchmal szenengenau nach. Buddy Holly und Elvis dürfen als Randfiguren nicht fehlen. Die Orgien, die Drogen sind anzüglich albern, die Lieder zweideutig in den Texten. Dazu gibt es etwas "Grace of my heart" mit Brian Wilsons "Pet Songs", die Dewey auch aufnimmt. In einer grandiosen Sequenz zieht Dewey sich in ein indisches Kloster zurück und erlebt die herrlich streitenden Beatles (mit Jack Black als McCartney). Das Ganze gerät nach Deweys erstem LSD-Trip zu einem Sgt. Pepper Cartoon und löst sich als gelungener Humor-Trip in Wohlgefallen auf. Vielleicht weil schon die Vorlagen nicht zum Bodensatz des Filmgeschäfts gehören.

Lars und die Frauen

USA 2007 (Lars and the real girl) Regie Craig Gillespie mit Ryan Gosling, Emily Mortimer, Paul Schneider, Kelli Garner 107 Min. FSK: o.A.

Ein Film, in dem eine aufblasbare Gummifrau eindeutig unzweideutig die Hauptrolle spielt - kann das gut gehen? Sehr gut sogar! "Lars und die Frauen" scheint anfangs infantil, aber nicht grob wie bei "American Pie", erzählt dann aber einfühlsam und rührend von schwierigen Berührungen...

Der Eigenbrötler Lars (Ryan Gosling) lebt in der Hütte hinter dem Haus seines Bruders Gus und seiner Schwägerin Karin. Die macht sich Sorgen um den seltsamen Mann, der mit 28 Jahren noch keine Freundin hatte und meist die Stola seiner früh verstorbenen Mutter um den Hals trägt. Eines Tages liefert die Post ein Packet und am Abend stellt Lars der Familie seine neue Freundin Bianca vor. Sie ist etwas schwach und muss deswegen im Rollstuhl sitzen. Doch was Gus und Karin wirklich schockiert: Bianca ist eine Sexpuppe. Zwar anständig angezogen, wie es sich für so einen Antrittsbesuch gehört, aber trotzdem eindeutig eine Gummipuppe aus dem Versandkatalog.

Die nahen Verwandten spielen nach anfänglichem Staunen das Spiel mit, gehen allerdings mit Bianca am Morgen zur Ärztin. Deren Rat an die kleine Dorfgemeinschaft lautet, Lars nicht seiner Illusion zu berauben. So fahren die Freunde bald im Rollstuhl mit Bianca herum und schließlich ist sie so integriert, dass sie sogar einen Job in einer Boutique bekommt - als Schaufenster-Puppe. Im Kindergarten liest sie - mit Hilfe des Kassettenrekorders - vor.

Das ist absurd, aber nie grob. Teilweise steckt der Humor in grandios ausgedachten Details, etwa dass Lars Bianca erklärt, die geschenkten Blumen seien aus Plastik, so würden sie für immer halten! Das ist fast schon poetisch, so selbstverständlich harmlos, rührend.

Über diesen kuriosen Einstieg, über zahllose, auf sympathische Weise witzige Szenen erhält der Zuschauer Zugang zu einer ernsthaften Geschichte um Angst vor Berührungen durch echte Menschen, schwierige Familienverhältnisse, die Schwangerschaft der Schwägerin Karin. Bei den wöchentlichen Arzt-Besuchen Biancas ergibt sich nebenbei eine psychologische Beratung für Lars. Aber es ist offensichtlich, dass alle irgendwie einen Spleen haben. Die Arbeitskollegen scharen beispielsweise Actionspiel-Figuren und Teddybären um sich. So auch die Arbeitskollegin Margo, die unübersehbar viel für Lars übrig hat.

Es gehört zu den Qualitäten des Films, dass auch diese Randfigur mit ihren Gefühlen, Sehnsüchten, Schmerzen sehr präsent ist. "Lars und die Frauen" schafft das Kunststückchen, einen um eine Gummipuppe trauern zu lassen. Es ist grandios inszeniert, wie das offene Geheimnis von Lars im Ort die Runde macht, mehrsprachig und in allen Lebenslagen .... -situationen. Im Religionskreis stellt sich ernsthaft die schwerwiegende Frage: Darf Bianca mit zur Kirche? Und vor allem: Was würde Jesus machen?

Love and Other Disasters

Frankreich/Großbritannien 2006 (Love and Other Disasters) Regie: Alek Keshishian mit Brittany Murphy, Matthew Rhys, Santiago Cabrera 90 Min. FSK: ab 6

Ausnahmsweise schwärmen wir mal von einer Schauspielerin: Die sehr süße Brittany Murphy-Show "Love and Other Disasters" gelang so unbeschwert und leicht, dass sie sich sogar reichlich Anleihen von "Frühstück bei Tiffany's" erlauben darf. Diese Brittany-Komödie packt locker die meisten Hollywood-Komödien in den Prada-Rucksack.

Emily Jackson (Brittany Murphy), die amerikanische Redakteurin der Londoner Vogue, hat ein Näschen für Mode und Männer. Meint sie jedenfalls. Es gibt schon adrette Zweifel, weshalb die hemmungslose Romantikerin mit ihrem schwulen Freund Peter (Matthew Rhys) zusammenlebt und rituell "Frühstück bei Tiffany" schaut. Sex hat sie mit dem Ex und vom Richtigen träumt sie nur. Paolo (Santiago Cabrera), der argentinische Assistent eines Fotografen könnte es sein, doch er ist definitiv schwul. Sieht Emily auf den ersten Blick. Schade, aber dann kann sie das Schnuckelchen Paolo ja mit Peter verkuppeln. So kommt es dazu, dass sowohl Emily als auch Peter einen wunderbaren Abend miteinander verbringen. Sie verpennt besoffen, dass er eigentlich mehr von ihr will. Und Peter merkt beim Abschiedskuss, dass da nichts unter Männern läuft, behält aber auf Bitten Pedros das Geheimnis für sich. So kann die komödiantische Verwirrung die emotionale Verirrung noch ein wenig mehr durcheinander bringen. Willkommen im Herzen der romantischen Beziehungskomödie.

Die Natürlichkeit, die Brittany Murphy nach einer eindrucksvollen Liste von Filmen immer noch auf die Leinwand zaubert, ist oberflächlich ihr großes Talent. Tatsächlich sie ein Profi, der schon mit 13 Jahren im Fernsehen zu sehen war. Dabei ist die Spannweite ihres Ausdrucks enorm: Von den koketten und niedlichen Posen in "Love and other Disasters" bis zum White Trash reichten ihre Rollen. Sie spielte "Durchgeknallt" und trieb es mit Eminem ziemlich wild in "8 Mile".

Irgendwie "un-hollywood" kommt dieses sympathische Liebes-Disaster daher. "Love and Other Disasters" verlässt sich ganz auf sein Leichtigkeit und den Charme seiner Hauptdarstellerin Brittany Murphy. Als frische und freche Kopie von Holly Golightly aus "Frühstück bei Tiffany's" gewinnt sie die Herzen, auch wenn es bis zum Dreifach-Finale dauert, bis das richtige dabei ist. Der Film spielt mit dem Song "Moonriver" und vielem anderen unübersehbar und -hörbar auf "Frühstück bei Tiffany" an und hat auch ansonsten eine schöne Musikauswahl. Damit alles nicht ganz kitschig wird, erwähnen Emily und Peter - von Beruf Drehbuchautor - zwischendurch immer mal, wie sehr die jeweilige Situation gerade nicht "wie im Film" ist. Das es trotzdem einer - und zwar ein guter - ist, macht den Reiz dieser sehenswerten Komödie aus.

Im Tal von Elah

USA 2007 (In the Valley of Elah) Regie: Paul Haggis mit Tommy Lee Jones, Charlize Theron, Susan Sarandon 122 Min. FSK: ab 12 Jahre
 
Ist diesem Patrioten denn gar nicht mehr zu helfen? Da scheint ein Schauspieler unter der ganzen Last einer moralisch zerfallenden Nation in sich selber zu versinken: Tommy Lee Jones hat am Ende des (letzte Woche angelaufenen) Endzeit-Westerns "No country for old men" den Kampf gegen das ultimative Böse und Brutale aufgegeben. In seiner eigenen Regie-Arbeit "Die drei Begräbnisse des Melquiades Estrada" reitet er meilenweit, um seinen ermordeten mexikanischen Freund gerecht gerächt unter die Erde zu bringen. Und als "Men in Black" war er doch auch eigentlich der Einzige, der bei den vielen coolen Sonnenbrillen den Durchblick bewahrte. Nun muss er als passionierter Patriot und schlechter Vater erkennen, dass die Werte seiner alten Welt auf den Kopf gestellt wurden.
 
Tommy Lee Jones spielt den Polizisten und ehemaligen Soldaten Hank Deerfield. Mit harter Hand erzog er seinen Sohn Mike, in die Fußstapfen der eigenen Soldatenstiefel zu treten. Der einst ängstliche Junge ging nach Bosnien, dann in den Irak. Was von dort zurück kam, findet Vater Deerfield zerstückelt und verbrannt auf einer Wiese neben der Straße. Wenige Tage nach der Heimkehr aus dem Irak wurde Mike brutal ermordet. Nun versucht der Polizist im Gefilde des Militärs die Mörder zu finden. Dabei entdeckt er zum einen, was für ein Monster sein Sohn wurde. Und er muss sich die Frage stellen, ob er ein guter Soldaten-Vater war. In der letzten Szene hisst der Patriot Hank die amerikanische Nationalflagge falsch herum, nachdem er anfangs einen ausländischen Hausmeister wegen dieses Fehlers maßregelte. Denn die umgekehrte Fahne bedeutet beim Militär: Eine Nation in Gefahr!
 
Die Verrohung amerikanischer Soldaten im Irak als Spiegelbild der US-Außenpolitik - zum exakt gleichen Thema lief beim letzten Festival von Venedig auch Brian de Palmas Schein-Doku "Redacted". Dort hat man gesehen, wie amerikanische Soldaten morden und vergewaltigen. Doch Regisseur Haggis, der mit "Crash" ein faszinierend differenziertes und einfühlsames Panorama amerikanischer Unnahbarkeiten zeichnete, erzählt "Im Tal von Elah" mehr. Der ohne viel Gewalt sehr packende Kriminalfilm verzeichnet nuancenreich die grausame Erkenntnis eines Vaters, jahrelang ein falsches Vorbild vorgelebt zu haben: Die Geschichte von David, der im Tal von Elah einst den Riesen Goliath besiegte, sollte dem Kind Mut machen. Um dessen Angst kümmerte sich der Vater aber nicht. Er muss sie viel später aus den Reste von Mikes Leben herauslesen. Tommy Lee Jones - inzwischen tatsächlich eine Art moralischer Instanz im amerikanischen Schauspiel - verkörpert in den vielfältigen Schattierungen seines nur vordergründig harten Gesichts dieses Drama auf fesselnde Art.