USA 2007 (The Nines) Regie und Buch: John August, mit Ryan Reynolds, Melissa McCarthy, Hope Davis und Elle Fanning 100 Min.
Ist es ein Lynch? Oder ein aufgeräumter Kaufmann? Auf jeden Fall bekommt dieser „Nines" einen Platz im Regal der genial verrückten Filme zwischen „Southland Tales" und „Synecdoche New York".
Auf (mindestens) drei Ebenen spielen die gleichen Darsteller, allerdings veränderte Rollen. Ryan Reynolds (aktuell mit „Safe House" im Kino) zieht als TV-Star Gary, nachdem er die Klamotten seiner Ex und auch wohl sein eigenes Heim volltrunken niederbrannte und mit einer üppigen Prostituierten Crack ausprobiert hat, bis er mit seinem Auto Kopfstand machte, in einen luxuriösen Hausarrest. Während die PR-Agentin Margaret (Melissa McCarthy) Kindermädchen spielt, weist ihn die mysteriöse Nachbarin Sarah (Hope Davis) auf die Neunen hin, die er fortan überall sieht, bis sich diese Szene in weißem Licht auflöst. TV-Autor Gavin (Reynolds), der eigentliche Besitzer der Villa wird im Reality-TV-Stil mit Kameras dabei verfolgt, wie er seine neue Serie „Knowing" nicht an den Sender bekommt. Im Auftrag der Produzentin Susan (Hope) nimmt er seiner alten Freundin Melissa (Melissa McCarthy) die Rolle ab, für die sie „Gilmore Girls" aufgegeben hat. Und auch diese Episode endet mit einer Art „game over". Im Teil namens „Knowing" macht der Videospielgott Gabriel (wer wohl?) einen Ausflug mit Frau Mary (usw.) und Tochter Noelle, als er allein auf Sierra (S = Hope) trifft, die meint, er müsse seine Sucht aufgeben, in den Welten mitzuspielen, die er selber erzeugt hat. Alles klar? Vielleicht zur weiteren Verwirrung noch etwas Syntax des Films: Koalas sind die 8ten, die 9 ist der fast perfekte Schöpfer dieser Welt, aber kein Gott, der ist eine 10.
Die mysteriösen Zusammenhänge entwickeln sich bis zur schlüssigen Lösung zwar rätselhaft aber sehr humorvoll, wenn beispielsweise die Presse-Agentin erzählt, wie sie schon ein paar Zusammenbrüche von Robert Downey Jr. medial verarztet hat. Im autobiografischen zweiten Teil lässt der Erfolgsautor John August („Big Fish", „Charlie und die Schokoladenfabrik", „Charlies Angels"...) eigene Frustrationen miterleben. Versucht man nach den netten Verweisen auch zu entschlüsseln, wie sich die Ebenen mit den variierten Personen und den Referenzen aufeinander tatsächlich zueinander verhalten, kommt das Gehirn aus der Spur wie bei Lynchs „Lost Highway".
Doch die Auflösung ist - wenn man ein paar weitere Dimensionen zum normalen Leben zulässt - tatsächlich schlüssig. Nicht nur das, je mehr man drüber nachdenkt, umso mehr Bezüge werden deutlich. Dass Gavin in der zweiten Episode seine Hauptdarstellerin Melissa loswerden soll, die in Teil drei seine Frau ist, war auch schon ein Befehl von "oben", da noch vom Senderboss. Und den Notruf zu alarmieren, weil man keinen Bauchnabel hat, ist nicht nur dem Crack zu schulden. Zwar ist „The Nines" mit den drei konventionell hintereinander gezeigten Ebenen nicht so mutig konstruiert wie die Kaufmann'schen Rhizome „Being John Malkovic" oder „Synecdoche New York", aber dieser Film ist äußerst ungewöhnlich, weil sehr raffiniert eine Dimension außerhalb aller Handlungen aufgespannt wird.
Zurück zum Banalen: Ryan Reynolds kann sich in drei Rollen zeigen und macht das gut. Hope Davis' tolle Gesangseinlage „Is that all there is" muss man sich unbedingt in Englisch anhören, vor allem weil nicht nur sie sehr schlecht synchronisiert ist.
Eine amerikanische Special Edition enthält Deleted scenes, die Kommentarspur mit John August, Reynolds, McCarthy und Editor Doug Crise sowie unter vielem anderen auch den Kurzfilm „God" von August. Die deutsche DVD-Premiere ist ab dem 23. März 2012 zu haben.
23.2.12
22.2.12
Ghost Rider: Spirit of Vengeance
USA, Vereinigte Arabische Emirate, 2011 (Ghost Rider: Spirit of Vengeance) Regie: Mark Neveldine , Brian Taylor mit Nicolas Cage, Violante Placido, Ciarán Hinds, Idris Elba 96 Min. FSK ab 12
Wer reitet so spät durch Nacht und brennt? Es ist der „Ghost Rider" mit des Teufels Kind! Es gibt Filme, denen kann man nur mit schrägem Humor beikommen, „Ghost Rider" ist auch in der zweiten Runde so ein Fall: Der ehemalige Stunt-Rider Johnny Blaze (Nicolas Cage) wird nach einer Begegnung mit dem Teufel bei Wut nicht grün, sondern entflammt samt Motorrad zum Ghost Rider. Das überhitzte Einsammeln schwarzer Seelen soll dabei wohl so was wie ein Highlander-Effekt hervorrufen. Die Brandspur von Blaze führt ihn in der Fortsetzung nach Rumänien, wo leider keine Vampire auf Vespa-Roller auftreten, sondern der unschuldige Sohn des Teufels, den es zu retten gilt. Ein böses Omen! Mama ist auch schlagkräftig dabei, die drei Autoren haben auch „Terminator" gesehen!
So flieht und flüchtet man auf zwei und vier Rädern vor dem Bösen, Seelenheil wurde in den Navi eingegeben. Immer in Erwartung auf die nächste Action-Nummer des Feuerstuhls, der mal zu Recht so heißt. Am dicksten kommen die nächtlichen Effekte wenn der zum brennenden Skelett gewandelte Ghost Rider sich ans Steuer eines riesigen Abraum-Baggers setzt, um mit diesem sofort entflammten Ungetüm ein paar Killer wegzuräumen. Dabei kann selbst eine Panzerfaust das Höllenfeuer nicht bremsen.
Das Grimassieren, Kopfwackeln und verrückte Rumlachen von Nicolas Cage, ist das Bescheuertste, was der Schauspieler seit Herzogs „Bad Lieutenant" gemacht hat. Es ist zwar ein ganz besonderes Erlebnis, doch der Rest ist nur noch Trash, filmischer Abfall für die Kuriositäten-Kammer. Denn auch „Ghost Rider 2" lässt auch mit neuer Regie-Besatzung und großem Produktions-Aufwand die Ironie vermissen, mit der man solch absurde Comic-Vorlagen am besten behandelt.
Wer reitet so spät durch Nacht und brennt? Es ist der „Ghost Rider" mit des Teufels Kind! Es gibt Filme, denen kann man nur mit schrägem Humor beikommen, „Ghost Rider" ist auch in der zweiten Runde so ein Fall: Der ehemalige Stunt-Rider Johnny Blaze (Nicolas Cage) wird nach einer Begegnung mit dem Teufel bei Wut nicht grün, sondern entflammt samt Motorrad zum Ghost Rider. Das überhitzte Einsammeln schwarzer Seelen soll dabei wohl so was wie ein Highlander-Effekt hervorrufen. Die Brandspur von Blaze führt ihn in der Fortsetzung nach Rumänien, wo leider keine Vampire auf Vespa-Roller auftreten, sondern der unschuldige Sohn des Teufels, den es zu retten gilt. Ein böses Omen! Mama ist auch schlagkräftig dabei, die drei Autoren haben auch „Terminator" gesehen!
So flieht und flüchtet man auf zwei und vier Rädern vor dem Bösen, Seelenheil wurde in den Navi eingegeben. Immer in Erwartung auf die nächste Action-Nummer des Feuerstuhls, der mal zu Recht so heißt. Am dicksten kommen die nächtlichen Effekte wenn der zum brennenden Skelett gewandelte Ghost Rider sich ans Steuer eines riesigen Abraum-Baggers setzt, um mit diesem sofort entflammten Ungetüm ein paar Killer wegzuräumen. Dabei kann selbst eine Panzerfaust das Höllenfeuer nicht bremsen.
Das Grimassieren, Kopfwackeln und verrückte Rumlachen von Nicolas Cage, ist das Bescheuertste, was der Schauspieler seit Herzogs „Bad Lieutenant" gemacht hat. Es ist zwar ein ganz besonderes Erlebnis, doch der Rest ist nur noch Trash, filmischer Abfall für die Kuriositäten-Kammer. Denn auch „Ghost Rider 2" lässt auch mit neuer Regie-Besatzung und großem Produktions-Aufwand die Ironie vermissen, mit der man solch absurde Comic-Vorlagen am besten behandelt.
Young Adult
USA 2011 Regie: Jason Reitman mit Charlize Theron, Patton Oswalt, Patrick Wilson, Elizabeth Reaser 94 Min.
Das Leben hängt ebenso wie der erste Satz ihres neuen Romans. Mavis Gary (Charlize Theron), die zweitrangige Ghostwriterin einer ehemals erfolgreichen Jugendserie, steckt mitten in einer Krise. Mit knapp 30 Jahren! Jeden Morgen liegt ein anderer neben ihr, der einzige feste Partner ist ein kleiner, alberner Straßenvollscheißer. Auch das hält Mavis nur mit immer mehr Alkohol aus. Dazu bechert sie Ben and Jerrys-Eis vor dauerlaufendem Fernseher. Andere Ablenkungen sind auch immer willkommen. Wie zum Beispiel die Email des Ex-Freundes Buddy Slade (Patrick Wilson) aus Jugendtagen, der die Geburt seines ersten Kindes verkündet.
Flugs wird der Handtaschen-Hund eingepackt, die alte Kassette von Buddy mit „Mad Love" ins Autoradio gesteckt und in voller Fahrt geht es in die verhasste Provinz, aus der es Mavis zumindest bis zum „Mini-Apple" geschafft hat, wie Minneapolis in spöttischer Anlehnung zum Big Apple New York genannt wird. Mavis angewidertes Gesicht angesichts der Fast Food-Läden auf der Hauptstraße des Kaffs erzählt in Kurzfassung, alles was hier furchtbar pubertär abgelaufen sein muss. Doch trotzig verfolgt die unreife Dreißigerin ihren Plan, lädt Buddy telefonisch zu einem Drink ein, während er frisch abgepumpte Muttermilch kühl stellt. Hier soll was laufen?
Die zufällige Begegnung mit dem Schulkameraden Matt Freehauf (Patton Oswalt), der durch einen Gewaltakt von Mitschülern immer noch körperlich schwer eingeschränkt ist, könnte heilsam sein. Er empfiehlt ihr eine Therapie. Doch die mit besonders wenig Empathie Ausgestattete bleibt überzeugt, dass sie und Buddy verwandte Seelen sind. Hat sie etwa zu viele Trivial-Geschichten geschrieben? Auf jeden Fall kommentiert sie ihre eigenen, komisch und auch tragisch verzweifelten Aktionen als wäre sie eine Figur aus diesen Teenager-Romanen.
Nach weiteren Begegnungen mit der Vergangenheit ist klar: Alle haben sich verändert, nur Mavis nicht. Was äußerlich und gemein gemeint ist, trifft genau auf ihr eigenes Innenleben zu: Irgendwie ist die nicht mehr ganz junge Frau auf dem Niveau des zickigen, ignoranten und intriganten Teenagers hängengeblieben. Selbst ihr Minicooper ist ja eigentlich ein Kinderauto. So wie der Vorspann in die mechanischen Details des Kassetten-Rekorders im Auto kroch, so schleicht sich der Film vom „Juno"-Team Jason Reitman (Regie) und Diablo Cody (Buch) in die fast psychotische Gefühls- und Denk-Mechanik der unreifen Mavis. Hier wird das Genre der Heimkehr in die verachtete Geburtsstadt auf den Kopf gestellt. In einer sehr traurigen Szene könnte Mavis erkennen, dass alle ihren Frust sehen und nur aus Mitleid und Gutherzigkeit die Zickereien ertragen haben. Während die verlorene Tochter alles madig machen muss, führt der Film selbst nicht die Menschen des kleinen Orts vor und auch Mavis nur ein wenig. (Charlize Theron behauptet sich hervorragend in dieser nicht wirklich sympathischen Rolle.) Die anonyme Großstadt bleibt schließlich nur als neuerlicher Fluchtpunkt, um der eigenen Entwicklung aus dem Weg zu gehen. Reitman („Up in the Air") und Cody erzählen dies in einer gelungenen Balance aus Humor und klugen Einsichten. „Young Adult" mag nicht eine Sensation sein wie „Juno", doch ist in der Flut von Komödien mit infantilen Erwachsenen mal eine, die selbst nicht kindisch daherkommt.
Das Leben hängt ebenso wie der erste Satz ihres neuen Romans. Mavis Gary (Charlize Theron), die zweitrangige Ghostwriterin einer ehemals erfolgreichen Jugendserie, steckt mitten in einer Krise. Mit knapp 30 Jahren! Jeden Morgen liegt ein anderer neben ihr, der einzige feste Partner ist ein kleiner, alberner Straßenvollscheißer. Auch das hält Mavis nur mit immer mehr Alkohol aus. Dazu bechert sie Ben and Jerrys-Eis vor dauerlaufendem Fernseher. Andere Ablenkungen sind auch immer willkommen. Wie zum Beispiel die Email des Ex-Freundes Buddy Slade (Patrick Wilson) aus Jugendtagen, der die Geburt seines ersten Kindes verkündet.
Flugs wird der Handtaschen-Hund eingepackt, die alte Kassette von Buddy mit „Mad Love" ins Autoradio gesteckt und in voller Fahrt geht es in die verhasste Provinz, aus der es Mavis zumindest bis zum „Mini-Apple" geschafft hat, wie Minneapolis in spöttischer Anlehnung zum Big Apple New York genannt wird. Mavis angewidertes Gesicht angesichts der Fast Food-Läden auf der Hauptstraße des Kaffs erzählt in Kurzfassung, alles was hier furchtbar pubertär abgelaufen sein muss. Doch trotzig verfolgt die unreife Dreißigerin ihren Plan, lädt Buddy telefonisch zu einem Drink ein, während er frisch abgepumpte Muttermilch kühl stellt. Hier soll was laufen?
Die zufällige Begegnung mit dem Schulkameraden Matt Freehauf (Patton Oswalt), der durch einen Gewaltakt von Mitschülern immer noch körperlich schwer eingeschränkt ist, könnte heilsam sein. Er empfiehlt ihr eine Therapie. Doch die mit besonders wenig Empathie Ausgestattete bleibt überzeugt, dass sie und Buddy verwandte Seelen sind. Hat sie etwa zu viele Trivial-Geschichten geschrieben? Auf jeden Fall kommentiert sie ihre eigenen, komisch und auch tragisch verzweifelten Aktionen als wäre sie eine Figur aus diesen Teenager-Romanen.
Nach weiteren Begegnungen mit der Vergangenheit ist klar: Alle haben sich verändert, nur Mavis nicht. Was äußerlich und gemein gemeint ist, trifft genau auf ihr eigenes Innenleben zu: Irgendwie ist die nicht mehr ganz junge Frau auf dem Niveau des zickigen, ignoranten und intriganten Teenagers hängengeblieben. Selbst ihr Minicooper ist ja eigentlich ein Kinderauto. So wie der Vorspann in die mechanischen Details des Kassetten-Rekorders im Auto kroch, so schleicht sich der Film vom „Juno"-Team Jason Reitman (Regie) und Diablo Cody (Buch) in die fast psychotische Gefühls- und Denk-Mechanik der unreifen Mavis. Hier wird das Genre der Heimkehr in die verachtete Geburtsstadt auf den Kopf gestellt. In einer sehr traurigen Szene könnte Mavis erkennen, dass alle ihren Frust sehen und nur aus Mitleid und Gutherzigkeit die Zickereien ertragen haben. Während die verlorene Tochter alles madig machen muss, führt der Film selbst nicht die Menschen des kleinen Orts vor und auch Mavis nur ein wenig. (Charlize Theron behauptet sich hervorragend in dieser nicht wirklich sympathischen Rolle.) Die anonyme Großstadt bleibt schließlich nur als neuerlicher Fluchtpunkt, um der eigenen Entwicklung aus dem Weg zu gehen. Reitman („Up in the Air") und Cody erzählen dies in einer gelungenen Balance aus Humor und klugen Einsichten. „Young Adult" mag nicht eine Sensation sein wie „Juno", doch ist in der Flut von Komödien mit infantilen Erwachsenen mal eine, die selbst nicht kindisch daherkommt.
Safe House
USA, Südafrika 2012 (Safe House) Regie: Daniel Espinosa mit Denzel Washington, Ryan Reynolds, Vera Farmiga, Brendan Gleeson, Sam Shepard 115 Min. FSK ab 16
Der eine schiebt Langeweile in seinem Geheimdienstjob, Matt Weston (Ryan Reynolds) ist „Hausmeister" in einem „Safe House" im südafrikanischen Kapstadt. Der andere wird schnell und sehr spannend als raffinierter Empfänger hochbrisanter Daten eingeführt. Nachdem er von einem unzufriedenen MI6-Mann eine Diskette zugesteckt bekam, kann Tobin Frost (Denzel Washington) seinen mörderischen Verfolgern letztendlich nur entfliehen, indem er zur US-Botschaft geht. Nach neun Jahren als Freiberufler und Feind seines ehemaligen Arbeitgebers CIA landet dieser von allen Geheimdiensten gesuchte Feind der staatlichen Schnüffelei in den Händen seiner ehemaligen Kollegen. Nun wollen diese Frost „verhören", der selbst ein hervorragender Folterer war, wie aus vielen Euphemismen seines Lebenslaufes klar wird. Dies geschieht im Versteck, welches Weston betreut.
Der seit Monaten unterforderte Agent wollte eigentlich den Abend mit seiner französischen Freundin verbringen, doch plötzlich ist sehr viel los in der geheimen (Folter-) Herberge. Und in Westons Gewissen, denn ohne eine Antwort abzuwarten, beginnen die Agenten, die sich angeblich um unsere Sicherheit kümmern, mit dem „Waterboarding". Bevor Tobin den Unterwasser-Rekord bricht, dringen andere Killer ins Verlies ein und Weston kann seinen „Gast" nur retten, indem er quer durch die Stadt flieht.
Dass so ein Datenträger mit Informationen über verräterische oder korrupte Agenten die Hauptrolle im Action-Thriller spielt, hat man wohlmöglich schon mal gesehen. Reflexartig werden die Vorgesetzen vom Publikum gescannt: Wer ist der Maulwurf? Die Antwort ist im „Safe House" ebenso wenig überraschend wie der ermüdende Wechsel von Wegrennen, Erwischtwerden, Rumprügeln und Weiterrennen. Auf andere Qualitäten macht nicht nur Denzel Washington - fast immer Garant für Qualität - sondern auch Sam Shepard Hoffnung. Der renommierte Autor kann nicht nur Schreiben sondern sicher auch (Drehbuch) lesen. So deutet sich ein reizvolles Spiel zwischen dem Anfänger Weston und Frost, dem Superman unter den Agenten, an. Mehr nicht.
Letztendlich bleiben die Figuren einem gleichgültig, was praktisch ist, weil sie sowieso fast alle abgeknallt werden. Eine Schießerei mitten im Gewühl eines Fußball-Stadions beweist dabei, dass Agenten generell meinen, über dem Gesetz zu stehen. Hier will „Safe House" kritisch sein, nicht nur gegenüber den geheimen Jugendherbergen für amerikanische Folterknechte. Das sehr blutige Finale liefert einen Nachschlag im Sinne von Wikileaks, was recht naiv wirkt: Ein Agent, der solchen Verrat überleben würde, muss schon Jason Bourne heißen. Weston traut man das selbst nach vielen Action-Einlagen nicht zu. So versagt „Safe House" bei großem Aufwand an muskulösen Männern und schweren Waffen selbst auf ureigenem Territorium, der Action. Ein anderes Drama um einen Sicherheitsraum - „Panic Room" von David Fincher und mit Jodie Foster - war da auf kleinem Raum viel packender.
Der eine schiebt Langeweile in seinem Geheimdienstjob, Matt Weston (Ryan Reynolds) ist „Hausmeister" in einem „Safe House" im südafrikanischen Kapstadt. Der andere wird schnell und sehr spannend als raffinierter Empfänger hochbrisanter Daten eingeführt. Nachdem er von einem unzufriedenen MI6-Mann eine Diskette zugesteckt bekam, kann Tobin Frost (Denzel Washington) seinen mörderischen Verfolgern letztendlich nur entfliehen, indem er zur US-Botschaft geht. Nach neun Jahren als Freiberufler und Feind seines ehemaligen Arbeitgebers CIA landet dieser von allen Geheimdiensten gesuchte Feind der staatlichen Schnüffelei in den Händen seiner ehemaligen Kollegen. Nun wollen diese Frost „verhören", der selbst ein hervorragender Folterer war, wie aus vielen Euphemismen seines Lebenslaufes klar wird. Dies geschieht im Versteck, welches Weston betreut.
Der seit Monaten unterforderte Agent wollte eigentlich den Abend mit seiner französischen Freundin verbringen, doch plötzlich ist sehr viel los in der geheimen (Folter-) Herberge. Und in Westons Gewissen, denn ohne eine Antwort abzuwarten, beginnen die Agenten, die sich angeblich um unsere Sicherheit kümmern, mit dem „Waterboarding". Bevor Tobin den Unterwasser-Rekord bricht, dringen andere Killer ins Verlies ein und Weston kann seinen „Gast" nur retten, indem er quer durch die Stadt flieht.
Dass so ein Datenträger mit Informationen über verräterische oder korrupte Agenten die Hauptrolle im Action-Thriller spielt, hat man wohlmöglich schon mal gesehen. Reflexartig werden die Vorgesetzen vom Publikum gescannt: Wer ist der Maulwurf? Die Antwort ist im „Safe House" ebenso wenig überraschend wie der ermüdende Wechsel von Wegrennen, Erwischtwerden, Rumprügeln und Weiterrennen. Auf andere Qualitäten macht nicht nur Denzel Washington - fast immer Garant für Qualität - sondern auch Sam Shepard Hoffnung. Der renommierte Autor kann nicht nur Schreiben sondern sicher auch (Drehbuch) lesen. So deutet sich ein reizvolles Spiel zwischen dem Anfänger Weston und Frost, dem Superman unter den Agenten, an. Mehr nicht.
Letztendlich bleiben die Figuren einem gleichgültig, was praktisch ist, weil sie sowieso fast alle abgeknallt werden. Eine Schießerei mitten im Gewühl eines Fußball-Stadions beweist dabei, dass Agenten generell meinen, über dem Gesetz zu stehen. Hier will „Safe House" kritisch sein, nicht nur gegenüber den geheimen Jugendherbergen für amerikanische Folterknechte. Das sehr blutige Finale liefert einen Nachschlag im Sinne von Wikileaks, was recht naiv wirkt: Ein Agent, der solchen Verrat überleben würde, muss schon Jason Bourne heißen. Weston traut man das selbst nach vielen Action-Einlagen nicht zu. So versagt „Safe House" bei großem Aufwand an muskulösen Männern und schweren Waffen selbst auf ureigenem Territorium, der Action. Ein anderes Drama um einen Sicherheitsraum - „Panic Room" von David Fincher und mit Jodie Foster - war da auf kleinem Raum viel packender.
20.2.12
Glück
BRD 2011 R: Doris Dörrie mit Alba Rohrwacher, Vinzenz Kiefer, Matthias Brandt, Oliver Nägele 112 Min.
Es ist ein seltsames Zusammentreffen. Nicht das vom deutschen Punk und dem osteuropäischen Flüchtling Irina. Das von der Regisseurin Doris Dörrie, die in ihrem reichen Werk gerne mal Triviales und Esoterisches auf die Leinwand bringt, und dem Juristen Ferdinand von Schirach, der vor allem in seinen Kurzgeschichten „Verbrechen", einen ganz eigenen, fast sarkastisch distanzierten Blick auf Schicksale hat. Das passt in „Glück" zeitweise, aber gute Szenen erweisen sich als flüchtig wie das titelgebende Gefühl.
„Kein Mensch ist illegal" sprühte jemand an die Wand, an der Irina (Alba Rohrwacher) vorbei schleicht. Die Osteuropäerin lebt ohne Aufenthaltsgenehmigung in Berlin, nachdem ein grausamer Bürgerkrieg über ihr (nicht näher bestimmtes) Land hineinbrach. Wie Dörrie das Glück in ein rotes Mohnfeld und dicken Honig eintauchen lässt, wie sie die soldatische Brutalität von Morden und Vergewaltigen in wenigen Szenen dagegen setzt, ist ganz großes emotionales Kino. Da steht der Schock des Unglücks dem von Jolies „Land of Blood and Honey" in nichts nach. Wir nehmen den Schmerz der Rückblenden mit nach Deutschland, da bräuchte es gar nicht der Selbstverletzungen, die sich Irina immer wieder zufügt, um die unerträgliche Erinnerung mit Nadelstichen tief in die eigenen Schenkel zu übertönen. Auch hier ist Alba Rohrwacher der Trumpf des Films: Wie schon in „Die Einsamkeit der Primzahlen" verkörpert sie innere Qualen derart eindringlich, dass man sich sogar Sorgen um die italienische Schauspielerin macht.
Dass ein schwer traumatisiertes Vergewaltigungsopfer wie Irina jetzt ausgerechnet als Prostituierte arbeitet, ist nicht ganz naheliegend. Doch man kann Dörrie zugute halten, dass von Schirach ja echte Fälle in seinen Geschichten verarbeitet. Es wird sowieso wichtiger, wie Irina den obdachlosen, blonden Punk Kalle mit seinen sehr blauen Augen kennen lernt. Kalle ist ein spaßiger, lieber Kerl, ein großer Junge, der nachdem sein Hund überfahren wird, mit in Irinas Billighotel an der S-Bahnstrecke zieht. Es folgt eine Menge Glück, die längste Strecke in dem sehr wechselhaften Film. Vielleicht sogar zuviel Glück für die Geduld des Zuschauers. Da helfen auch die eingestreuten philosophischen Gedanken zum Thema Glück nicht drüber hinweg. Bei der eigentlichen Pointe wird er allerdings wieder hellwach sein. Kalle beweist seine Liebe auf eine Weise, die Dörries eigene Figur „Die Friseuse" als härtesten Splatter bezeichnen würde. (Für echte Splatter-Fans ist dies jedoch Kinderkram.) Ziemlich blutig, aber auch süß und witzig. Auf jeden Fall ein Fall für den Anwalt, der Irina in der ersten Szene angefahren hat...
Dörries neuer Film ist vor allem eins: Wechselhaft. Mit einigen guten, einer eindrucksvollen und vielen netten Szenen stellt sich doch insgesamt kein guter Film ein. Ein paar Momente sind zu dick, ein paar zu dünn aufgetragen, vor allem hätte man alles anders gewichten sollen. Doch auch wenn des Verleihers Theater wegen Nichtbeachtung im Berlinale-Wettbewerb noch mal negativ auf den auch schwachen Film zurückfällt, man kann sich ruhig etwas „Glück" in netten Momenten erlauben.
Es ist ein seltsames Zusammentreffen. Nicht das vom deutschen Punk und dem osteuropäischen Flüchtling Irina. Das von der Regisseurin Doris Dörrie, die in ihrem reichen Werk gerne mal Triviales und Esoterisches auf die Leinwand bringt, und dem Juristen Ferdinand von Schirach, der vor allem in seinen Kurzgeschichten „Verbrechen", einen ganz eigenen, fast sarkastisch distanzierten Blick auf Schicksale hat. Das passt in „Glück" zeitweise, aber gute Szenen erweisen sich als flüchtig wie das titelgebende Gefühl.
„Kein Mensch ist illegal" sprühte jemand an die Wand, an der Irina (Alba Rohrwacher) vorbei schleicht. Die Osteuropäerin lebt ohne Aufenthaltsgenehmigung in Berlin, nachdem ein grausamer Bürgerkrieg über ihr (nicht näher bestimmtes) Land hineinbrach. Wie Dörrie das Glück in ein rotes Mohnfeld und dicken Honig eintauchen lässt, wie sie die soldatische Brutalität von Morden und Vergewaltigen in wenigen Szenen dagegen setzt, ist ganz großes emotionales Kino. Da steht der Schock des Unglücks dem von Jolies „Land of Blood and Honey" in nichts nach. Wir nehmen den Schmerz der Rückblenden mit nach Deutschland, da bräuchte es gar nicht der Selbstverletzungen, die sich Irina immer wieder zufügt, um die unerträgliche Erinnerung mit Nadelstichen tief in die eigenen Schenkel zu übertönen. Auch hier ist Alba Rohrwacher der Trumpf des Films: Wie schon in „Die Einsamkeit der Primzahlen" verkörpert sie innere Qualen derart eindringlich, dass man sich sogar Sorgen um die italienische Schauspielerin macht.
Dass ein schwer traumatisiertes Vergewaltigungsopfer wie Irina jetzt ausgerechnet als Prostituierte arbeitet, ist nicht ganz naheliegend. Doch man kann Dörrie zugute halten, dass von Schirach ja echte Fälle in seinen Geschichten verarbeitet. Es wird sowieso wichtiger, wie Irina den obdachlosen, blonden Punk Kalle mit seinen sehr blauen Augen kennen lernt. Kalle ist ein spaßiger, lieber Kerl, ein großer Junge, der nachdem sein Hund überfahren wird, mit in Irinas Billighotel an der S-Bahnstrecke zieht. Es folgt eine Menge Glück, die längste Strecke in dem sehr wechselhaften Film. Vielleicht sogar zuviel Glück für die Geduld des Zuschauers. Da helfen auch die eingestreuten philosophischen Gedanken zum Thema Glück nicht drüber hinweg. Bei der eigentlichen Pointe wird er allerdings wieder hellwach sein. Kalle beweist seine Liebe auf eine Weise, die Dörries eigene Figur „Die Friseuse" als härtesten Splatter bezeichnen würde. (Für echte Splatter-Fans ist dies jedoch Kinderkram.) Ziemlich blutig, aber auch süß und witzig. Auf jeden Fall ein Fall für den Anwalt, der Irina in der ersten Szene angefahren hat...
Dörries neuer Film ist vor allem eins: Wechselhaft. Mit einigen guten, einer eindrucksvollen und vielen netten Szenen stellt sich doch insgesamt kein guter Film ein. Ein paar Momente sind zu dick, ein paar zu dünn aufgetragen, vor allem hätte man alles anders gewichten sollen. Doch auch wenn des Verleihers Theater wegen Nichtbeachtung im Berlinale-Wettbewerb noch mal negativ auf den auch schwachen Film zurückfällt, man kann sich ruhig etwas „Glück" in netten Momenten erlauben.
In the Land of Blood and Honey
USA 2011 (In The Land Of Blood And Honey) Regie: Angelina Jolie mit Zana Marjanovic, Goran Kostic, Rade Serbedzija, Vanesa Glodzo 126 Min.
Ein ganz normaler Abend irgendwo im Osten Europas. Ajla kann endlich mal wieder ausgehen, ihre Schwester passt auf das Baby auf. Und in der Bar treffen sich ihre Augen mit denen eines Mannes, der heiße Tanz verspricht mehr. Mitten im Feiern und Tanzen der Verliebten bricht 1992 unvermittelt mit einer Explosion die Hölle los. Das Ende eines multi-ethnischen Zusammenlebens in Bosnien-Herzegowina kommt so plötzlich wie die Horde der serbischen Schergen, die im Wohnblock nebenan die muslimischen Männer erschießen und junge Frauen aussortieren. Ajla landet so in einem serbischen Soldaten-Bordell, erlebt direkt zur Begrüßung brutale Vergewaltigung und wird nur verschont, weil ihr Tanzpartner, der ehemalige Polizist Danijel, hier Kommandant ist und diese Frau für sich „reserviert".
Jetzt könnte eine dramatische Rettung mit Flucht der Liebenden losgehen. Ajlas Schicksal ist schwer erträglich mitzuerleben, doch es ist bei weitem keines der härteren unter den zigtausend vergewaltigten Frauen, die sich oft selbst umgebracht haben. Aber Autorin und Regisseurin Angelina Jolie erzählt auch keine Romeo und Julia-Geschichte aus Jugoslawien. Die momentane Schonung mitten im fürchterlichsten Grauen der skrupellosen Serben bleibt bestimmt von der Macht des Soldaten über die Frau. Offen bleibt, ob sie die „Zuneigung" erwidert oder sich in die Zwangslage fügen muss. Danijels Vater leitet als General Massenmord und „ethnische Säuberung", doch auch der Konflikt des Sohnes macht seine wahnsinnigen Taten nicht ganz verständlich. Dass jedoch diese Ereignisse, von denen der Film nur einen harmloseren Ausschnitt zeigt, unverständlich bleiben, spricht nicht gegen den Film, der bei der Berlinale Begeisterung und Kritik hervorrief.
Wenn Soldaten das Baby mit einem Wurf aus dem Fenster zerschmettern, sadistisch oder einfach schlecht gelaunt morden, kann man das als einseitig anklagen. Oder als Anklage des Soldaten-Tuns allgemein verstehen. Wie schon in Isabel Coixets „Das geheime Leben der Worte" oder in Hans-Christian Schmids „Sturm" steht jedoch das Leiden der Bosnierinnen in serbischen Gefangenenlagern zentral. Über die Entstehung des Films erzählt Jolie, das Thema hätte sie erwählt und nach der Entwicklung eines Drehbuchs mit der Hilfe von Freunden aus der Branche wäre sie eher ungeplant zur Regie gekommen. Ganz anders, als es Hollywood üblicherweise macht, drehte sie mit bosnischen Schauspielern, die alle in ihrer eigenen Sprache blieben. Dadurch gibt es „nichts in diesem Film, was nicht durch die Erinnerungen und die Verarbeitung aller Beteiligten gedeckt ist", erzählte Jolie dem Berliner „Tip".
Der Hollywood-Star setzt als Regisseurin ihre Bekanntheit ein, um Kriegs-Verbrechen in Bosnien-Herzegowina und das Wegsehen der Welt anzuklagen, die nur wenige Kilometer vom Massenmorden entfernt an italienischen Stränden urlaubte. „In the Land of Blood and Honey" ist ein schockierendes Mahnmal, das gekonnt filmisch erzählt, seine (Haupt-)Figuren ambivalent zeichnet und sich mit Propaganda zurückhält. „In the Land of Blood and Honey" sei ihr Versuch, die „Apathie gegenüber Krisenregionen in der Welt" zu thematisieren.
Ein ganz normaler Abend irgendwo im Osten Europas. Ajla kann endlich mal wieder ausgehen, ihre Schwester passt auf das Baby auf. Und in der Bar treffen sich ihre Augen mit denen eines Mannes, der heiße Tanz verspricht mehr. Mitten im Feiern und Tanzen der Verliebten bricht 1992 unvermittelt mit einer Explosion die Hölle los. Das Ende eines multi-ethnischen Zusammenlebens in Bosnien-Herzegowina kommt so plötzlich wie die Horde der serbischen Schergen, die im Wohnblock nebenan die muslimischen Männer erschießen und junge Frauen aussortieren. Ajla landet so in einem serbischen Soldaten-Bordell, erlebt direkt zur Begrüßung brutale Vergewaltigung und wird nur verschont, weil ihr Tanzpartner, der ehemalige Polizist Danijel, hier Kommandant ist und diese Frau für sich „reserviert".
Jetzt könnte eine dramatische Rettung mit Flucht der Liebenden losgehen. Ajlas Schicksal ist schwer erträglich mitzuerleben, doch es ist bei weitem keines der härteren unter den zigtausend vergewaltigten Frauen, die sich oft selbst umgebracht haben. Aber Autorin und Regisseurin Angelina Jolie erzählt auch keine Romeo und Julia-Geschichte aus Jugoslawien. Die momentane Schonung mitten im fürchterlichsten Grauen der skrupellosen Serben bleibt bestimmt von der Macht des Soldaten über die Frau. Offen bleibt, ob sie die „Zuneigung" erwidert oder sich in die Zwangslage fügen muss. Danijels Vater leitet als General Massenmord und „ethnische Säuberung", doch auch der Konflikt des Sohnes macht seine wahnsinnigen Taten nicht ganz verständlich. Dass jedoch diese Ereignisse, von denen der Film nur einen harmloseren Ausschnitt zeigt, unverständlich bleiben, spricht nicht gegen den Film, der bei der Berlinale Begeisterung und Kritik hervorrief.
Wenn Soldaten das Baby mit einem Wurf aus dem Fenster zerschmettern, sadistisch oder einfach schlecht gelaunt morden, kann man das als einseitig anklagen. Oder als Anklage des Soldaten-Tuns allgemein verstehen. Wie schon in Isabel Coixets „Das geheime Leben der Worte" oder in Hans-Christian Schmids „Sturm" steht jedoch das Leiden der Bosnierinnen in serbischen Gefangenenlagern zentral. Über die Entstehung des Films erzählt Jolie, das Thema hätte sie erwählt und nach der Entwicklung eines Drehbuchs mit der Hilfe von Freunden aus der Branche wäre sie eher ungeplant zur Regie gekommen. Ganz anders, als es Hollywood üblicherweise macht, drehte sie mit bosnischen Schauspielern, die alle in ihrer eigenen Sprache blieben. Dadurch gibt es „nichts in diesem Film, was nicht durch die Erinnerungen und die Verarbeitung aller Beteiligten gedeckt ist", erzählte Jolie dem Berliner „Tip".
Der Hollywood-Star setzt als Regisseurin ihre Bekanntheit ein, um Kriegs-Verbrechen in Bosnien-Herzegowina und das Wegsehen der Welt anzuklagen, die nur wenige Kilometer vom Massenmorden entfernt an italienischen Stränden urlaubte. „In the Land of Blood and Honey" ist ein schockierendes Mahnmal, das gekonnt filmisch erzählt, seine (Haupt-)Figuren ambivalent zeichnet und sich mit Propaganda zurückhält. „In the Land of Blood and Honey" sei ihr Versuch, die „Apathie gegenüber Krisenregionen in der Welt" zu thematisieren.
19.2.12
Berlinale 2012 Kommentar
Der Goldene Bär für die am meisten verniedlichten Schwerverbrecher geht an...
Schade, bis zum peinlichen Schlusspunkt war es ein schöner Abend in Berlin. Moderatorin Anke Engelke und Festivalchef Dieter Kosslick hatten sich lieb, die Internationale Jury hatte eigentlich alles richtig gemacht. Alle guten und wichtigen Filme wurden ausgezeichnet: Christian Petzold und seine perfekte „Barbara" mit dem Silbernen Bären für die Beste Regie. Der Großen Preis der Jury für Bence Fliegaufs „Csak a szél" und für alle diskriminierten Roma, nicht nur in Ungarn. Auch die junge Kongolesin Rachel Mwanza spielte in „Rebelle (War Witch)" von Kim Nguyen eindrucksvoll, angesichts von ein paar tatsächlich besserer Schauspielerinnen, darf man diesen Silbernen Bären sicher auch allen Kindersoldaten in Afrika widmen.
Dann vor dem Hauptpreis schon banges Rätseln: Da war doch gar kein preiswürdiger Film mehr übrig? Tatsächlich realisierten Paolo und Vittorio Taviani mit „Cesare deve morire" und der Grundidee von Häftlingen, die durch Shakespeare ihren Horizont erweitern, nicht mehr als einen anständigen Film. Der von den Protagonisten - mehrfache Mörder, Drogenhändler im großen Stil und Mafiosi - nicht wirklich etwas erzählt. Also ein Preis fürs Lebenswerk der verdienten Italiener. Regie-Kollege Nanni Moretti, der sich an Berlusconi abgearbeitet hat, lächelte spöttisch im Publikum. Als dann der 82-jährige Vittorio bei der Preisverleihung auch noch die Namen der Verbrecher vorlas, ging die Naivität wirklich zu weit. Man hätte sich mit Kindersoldaten, Roma oder Regime-Opfern solidarisieren können, aber mit Killern, die sich nachts im Knast einsam fühlen?
Lassen Sie sich also keinen Goldenen Bären aufbinden und freuen sich auf „Barbara" im Kino. Am 8. März ist es bereits so weit.
17.2.12
Berlinale 2012 Abschluss Teil 2
Erschütternder Schlusspunkt: Roma-Drama im Wettbewerb
Berlin. Die ersten Resümees waren schon geschrieben und versendet, da zeigte ein ungarischer Beitrag mit erschütternder Gewalt, was hinter dem Schlagwort eines politischen Festivals eigentlich stecken kann: Bence Fliegauf folgt in „Csak a szél" (Nur der Wind) einer Roma-Familie einen Tag lang in einem kleinen Ort Ungarns. Vom Aufstehen der Mutter in einer dunklen Hütte ohne Strom, über ihren Weg zur Arbeit, die darin besteht, den Dreck anderer wegzumachen, bis zum Schlafengehen wieder im Dunkeln. Die Tochter geht mit immer eingezogenem Kopf zur Schule, muss sich als Diebin verdächtigen lassen und hat ein paar schöne Stunden am See. Der jüngere Sohn streunt herum, untersucht die abgefackelten Häuschen der Nachbarschaft, wo schon fünf Roma-Familien brutal erschossen wurden. Die Polizisten, die er belauscht, finden das nicht gut, man solle nur die faulen Roma umbringen! Am Abend, als die Familie im gemeinsamen Bett liegt, hören sie ein Geräusch. „Nur der Wind", meint die Mutter...
Nach einer tatsächlich ereigneten Mordserie gestaltete Fliegauf seinen atemberaubenden und beunruhigenden Film mit einer Handkamera, die ihren Figuren wie die Angst dicht folgt. Der Ungar realisierte bisher noch unter dem Vornamen Benedek das Meisterwerk „Womb" (2010) mit Eva Green und den fast experimentellen „Tejút" (Milky Way, 2007).
Mäßiger Wettbewerb - wenig Hollywood, kaum 3D
Mit noch einem offenen Film unter den 18 Konkurrenten um die Edel-Bären zeigt sich der Wettbewerb der 62. Berlinale als einer mit wenigen Höhepunkten. Wieder führte die Oscar-Dramaturgie dazu, dass die großen Majors nichts für Berlin übrig hatten. (Alles Gute musste bis Jahresschluss 2011 starten, um noch bei den Oscars mitzumachen.) So waren nur Soderberghs Edel-Action „Haywire" und „Extrem laut und unglaublich nah" außer Konkurrenz dabei. Billy Bob Thorntons in den Südstaaten angesiedelter Antikriegs-Film „Jayne Mansfield's Car" entstand kurioserweise mit russischem Geld. Die weitgehende Abwesenheit von Hollywood-Produktionen wurde vom Star-Rauschen im Blätterwald durch Angelina Jolie aufgefangen und war auch filmisch zu verschmerzen. Ebenso, dass mit Tsui Harks „Flying Sword at Dragon Gate" nur ein 3D-Film im Hauptprogramm lief. Das asiatische Kino, seit vielen Jahren Trendsetter und Quell hervorragender Filme, wurde durch die Volksrepublik China mit einem staatstragenden Kostümstück („The Flowers of War") und einem nur guten historischen Epos („White Deer Plain") unter Wert vertreten. Immerhin drückt sich das reiche Schaffen dieses Kontinents in der Spannweite vom eigenen Berlinale-Zögling in Form des Indonesiers Edwin („Postcards from the Zoo") bis zum internationalen Wettbewerbs-Star, dem Philippino Mendoza („Captive") aus.
Bei den drei deutschen Beiträgen waren sich bis zu Volkesmeinung im Bus M41 zum Potsdamer Platz alle einig: Petzold („Barbara") weit vor Schmid („Was bleibt") und dann Glasner („Gnade"). „Barbara" mit einer grandiosen Nina Hoss als in der DDR gefangene und schikanierte Ärztin ist weiterhin heißer Kandidat auf den Goldenen Bären. Selbst wenn es nur ein Trost-Bär für Nina Hoss würde, wäre es schade für einen mal zärtlichen Petzold-Film, der ohne Wenn und Aber perfekt ist. Die deutsch-portugiesische Produktion „Tabu" über die letzten Tage einiger Kolonisten muss im Kreis der Favoriten mit der Vorsilbe „Geheim-„ leben.
Nahaufnahme Anton Corbijn
Die Jury, unter anderem mit Präsident Mike Leigh, den Schauspielerinnen Barbara Sukowa und Charlotte Gainsbourg, den Regisseuren Francois Ozon und Asgar Farahdi sowie dem US-Star Jake Gyllenhaal besetzt, wird keine leichte Entscheidung haben, genügend Preisträger zu finden. Wie immer sind diese Sitzungen streng geheim, nichts dringt aus dem Innersten an die Öffentlichkeit, auch im Nachhinein nicht - meistens. Wie es allerdings im Inneren eines der Jury-Mitglieder aussieht, das zeigte die Niederländerin Klaartje Quirijns in ihrer wunderbaren Dokumentation „Anton Corbijn Inside Out", die als Berlinale Special lief. Wir dürfen den berühmten Fotografen von bekannten Musikern wie U2 oder Johnny Cash bei seiner Arbeit, an Orten seiner Kindheit, in der Familie und vor allem beim Sinnieren beobachten. Dass ist um so bemerkenswerter, weil der Sohn eines protestantischen Priesters sich selbst als verschlossen beschreibt und unfähig zu tieferen menschlichen Beziehungen. In einem besonders offenen Moment gesteht Corbijn, er glaubte immer, dass er als Mensch „nicht gut genug sei", deshalb wollte er als Künstler gut sein. Bis der Workaholic nach den Premieren seines zweiten Spielfilms, „The American" mit George Clooney, einen Zusammenbruch erlebt. Ein Filmwunder, das auch überlegen lässt, ob derartiges nicht öfter den Wettbewerb bereichern könnte. Man kann bei der Preisverleihung heute Abend besonders auf Corbijn achten, vielleicht dringt doch noch etwas von inneren (Jury-) Kämpfen nach draußen.
Berlin. Die ersten Resümees waren schon geschrieben und versendet, da zeigte ein ungarischer Beitrag mit erschütternder Gewalt, was hinter dem Schlagwort eines politischen Festivals eigentlich stecken kann: Bence Fliegauf folgt in „Csak a szél" (Nur der Wind) einer Roma-Familie einen Tag lang in einem kleinen Ort Ungarns. Vom Aufstehen der Mutter in einer dunklen Hütte ohne Strom, über ihren Weg zur Arbeit, die darin besteht, den Dreck anderer wegzumachen, bis zum Schlafengehen wieder im Dunkeln. Die Tochter geht mit immer eingezogenem Kopf zur Schule, muss sich als Diebin verdächtigen lassen und hat ein paar schöne Stunden am See. Der jüngere Sohn streunt herum, untersucht die abgefackelten Häuschen der Nachbarschaft, wo schon fünf Roma-Familien brutal erschossen wurden. Die Polizisten, die er belauscht, finden das nicht gut, man solle nur die faulen Roma umbringen! Am Abend, als die Familie im gemeinsamen Bett liegt, hören sie ein Geräusch. „Nur der Wind", meint die Mutter...
Nach einer tatsächlich ereigneten Mordserie gestaltete Fliegauf seinen atemberaubenden und beunruhigenden Film mit einer Handkamera, die ihren Figuren wie die Angst dicht folgt. Der Ungar realisierte bisher noch unter dem Vornamen Benedek das Meisterwerk „Womb" (2010) mit Eva Green und den fast experimentellen „Tejút" (Milky Way, 2007).
Mäßiger Wettbewerb - wenig Hollywood, kaum 3D
Mit noch einem offenen Film unter den 18 Konkurrenten um die Edel-Bären zeigt sich der Wettbewerb der 62. Berlinale als einer mit wenigen Höhepunkten. Wieder führte die Oscar-Dramaturgie dazu, dass die großen Majors nichts für Berlin übrig hatten. (Alles Gute musste bis Jahresschluss 2011 starten, um noch bei den Oscars mitzumachen.) So waren nur Soderberghs Edel-Action „Haywire" und „Extrem laut und unglaublich nah" außer Konkurrenz dabei. Billy Bob Thorntons in den Südstaaten angesiedelter Antikriegs-Film „Jayne Mansfield's Car" entstand kurioserweise mit russischem Geld. Die weitgehende Abwesenheit von Hollywood-Produktionen wurde vom Star-Rauschen im Blätterwald durch Angelina Jolie aufgefangen und war auch filmisch zu verschmerzen. Ebenso, dass mit Tsui Harks „Flying Sword at Dragon Gate" nur ein 3D-Film im Hauptprogramm lief. Das asiatische Kino, seit vielen Jahren Trendsetter und Quell hervorragender Filme, wurde durch die Volksrepublik China mit einem staatstragenden Kostümstück („The Flowers of War") und einem nur guten historischen Epos („White Deer Plain") unter Wert vertreten. Immerhin drückt sich das reiche Schaffen dieses Kontinents in der Spannweite vom eigenen Berlinale-Zögling in Form des Indonesiers Edwin („Postcards from the Zoo") bis zum internationalen Wettbewerbs-Star, dem Philippino Mendoza („Captive") aus.
Bei den drei deutschen Beiträgen waren sich bis zu Volkesmeinung im Bus M41 zum Potsdamer Platz alle einig: Petzold („Barbara") weit vor Schmid („Was bleibt") und dann Glasner („Gnade"). „Barbara" mit einer grandiosen Nina Hoss als in der DDR gefangene und schikanierte Ärztin ist weiterhin heißer Kandidat auf den Goldenen Bären. Selbst wenn es nur ein Trost-Bär für Nina Hoss würde, wäre es schade für einen mal zärtlichen Petzold-Film, der ohne Wenn und Aber perfekt ist. Die deutsch-portugiesische Produktion „Tabu" über die letzten Tage einiger Kolonisten muss im Kreis der Favoriten mit der Vorsilbe „Geheim-„ leben.
Nahaufnahme Anton Corbijn
Die Jury, unter anderem mit Präsident Mike Leigh, den Schauspielerinnen Barbara Sukowa und Charlotte Gainsbourg, den Regisseuren Francois Ozon und Asgar Farahdi sowie dem US-Star Jake Gyllenhaal besetzt, wird keine leichte Entscheidung haben, genügend Preisträger zu finden. Wie immer sind diese Sitzungen streng geheim, nichts dringt aus dem Innersten an die Öffentlichkeit, auch im Nachhinein nicht - meistens. Wie es allerdings im Inneren eines der Jury-Mitglieder aussieht, das zeigte die Niederländerin Klaartje Quirijns in ihrer wunderbaren Dokumentation „Anton Corbijn Inside Out", die als Berlinale Special lief. Wir dürfen den berühmten Fotografen von bekannten Musikern wie U2 oder Johnny Cash bei seiner Arbeit, an Orten seiner Kindheit, in der Familie und vor allem beim Sinnieren beobachten. Dass ist um so bemerkenswerter, weil der Sohn eines protestantischen Priesters sich selbst als verschlossen beschreibt und unfähig zu tieferen menschlichen Beziehungen. In einem besonders offenen Moment gesteht Corbijn, er glaubte immer, dass er als Mensch „nicht gut genug sei", deshalb wollte er als Künstler gut sein. Bis der Workaholic nach den Premieren seines zweiten Spielfilms, „The American" mit George Clooney, einen Zusammenbruch erlebt. Ein Filmwunder, das auch überlegen lässt, ob derartiges nicht öfter den Wettbewerb bereichern könnte. Man kann bei der Preisverleihung heute Abend besonders auf Corbijn achten, vielleicht dringt doch noch etwas von inneren (Jury-) Kämpfen nach draußen.
Berlinale 2012 Abschluss Teil 1
Berlin. Gemischte Gefühle gibt es bislang zum Wettbewerb und auch im dritten deutschen Film, der in dieser wichtigsten Sektion der 62. Internationalen Filmfestspiele Berlins lief: „Gnade" von Regisseur Matthias Glasner („Der freie Wille") machte in der von einige Buhrufen begleiteten Pressevorstellung zuerst neidisch auf die perfekten Winterklamotten, die im norwegischen Hammerfest aufgetragen werden. Das hätte man in den letzten Tagen gebraucht, diese norwegischen Spezialitäten. Die deutsche Spezialität „Schuld" ist Thema für ein deutsches Ehepaar (Jürgen Vogel, Birgit Minichmayr), das an den Polarkreis zieht, auch um die nicht mehr gute Ehe zu retten. Als Maria bei einem nächtlichen Unglück ein Mädchen anfährt, stellt die Frage, ob das sich das Paar als unschuldig Schuldige bei den Eltern melden so, die Beziehung auf eine Bewährungsprobe.
Matthias Glasner zeigt vieles in über zwei Stunden, ein paar Varianten des zentralen Themas, Symbole wie einen mächtigen Fels im Meer, von dem man nur die Spitze sieht und anderes, was gestern in intensiven Diskussionen entschlüsselt werden wollte. Diese Wirkung eines Films ist nicht die schlechteste, doch macht es „Gnade" zwar interessant, aber noch nicht richtig gut.
Im zweiten Wettbewerbsfilm des Tages gab es wieder eine Königin, wieder war es kurz vor der Französischen Revolution: Nach dem Eröffnungsfilm „Lebe wohl, meine Königin" sagt die Berlinale Lebewohl mit weiteren Kostümschinken. „Die Königin und der Leibarzt" von Nikolaj Arcel erzählt von Johann Friedrich Struensee, Armenarzt im damals vom dänischen König regierten Altona, der 1768 zum Freund des infantilen Könings Christian VII. und schließlich als Aufklärer zum heimlichen Herrscher wird. Eine Affäre mit der Königin kostet ihm schließlich den Kopf und drückt die Pausetaste in Sachen Fortschritt. Diese zeitlose Vorgang packt jedoch vor allem durch Bond-Bösewicht Mads Mikkelsen als Leibarzt. Wenn man bedenkt, dass auch der Abschlussfilm „Bel Ami" vor allem wegen Robert Pattinson gesehen wird und nicht wegen einem Guy de Maupassant, könnte man sich die Kostüme eigentlich sparen.
A star is born
Gina Carano schlug sich bisher recht gut durchs Leben, als Berühmtheit der nicht unbedingt berühmten Kampfsport-Sparte Mixed-Martial-Arts. Da sah sie schon attraktiv aus, doch dass sie auch schauspielern kann, beweist ihre erste Hauptrolle in Steven Soderberghs Action-Film „Haywire". Neben ganz Großen wie Michael Fassbender, Ewan McGregor, Antonio Banderas und Michael Douglas erinnert Carano daran, wie der geniale Regisseur 1998 auch Jennifer Lopez in „Out of Sight" vom Star zur respektierten Schauspielerin machte. Kurzzeitig. Wie aus seinen Talenten holt Soderbergh, in diesem Film, den er für Gina Carano zwischen seinen vielen anderen Arbeiten drehte, auch das Beste aus dem Action-Genre raus und schenkte dem Festival seinen kurzweiligsten Film.
Auch wenn der dauerneidige Blick an die Côte d'Azur nach Cannes nervt, es geht aufwärts in und mit Berlin. Wenn schon nicht im Wettbewerb, dann doch bei den charakteristischen Tritt- und Aufstiegs-Hilfen, die in Cannes Tag und Nacht bereitstehen. Auch in Berlin stehen nur Leiterchen und Klapptritte das ganze Festival über festgekettet an Laternen und Straßenmöblierung: Hiermit erhöhen Fotografen ihren Standpunkt für einen besseren Blick auf die Prominenz. Noch sind es ungefähr nur ein Zwanzigstel der Leiterchen, welche die Croisette im Mai dekorieren. In Berlin übrigens nicht am Roten Teppich, sondern am Hintereingang des Hyatt-Hotel, wo die Prominenz für Fototermine und Pressekonferenzen angekarrt werden. Der Dienstboten-Eingang ist der Ort für Autogrammjäger. Und morgen wird sich zeigen, welcher Krakel dank eines Goldenen Bären im Wert steigt.
Matthias Glasner zeigt vieles in über zwei Stunden, ein paar Varianten des zentralen Themas, Symbole wie einen mächtigen Fels im Meer, von dem man nur die Spitze sieht und anderes, was gestern in intensiven Diskussionen entschlüsselt werden wollte. Diese Wirkung eines Films ist nicht die schlechteste, doch macht es „Gnade" zwar interessant, aber noch nicht richtig gut.
Im zweiten Wettbewerbsfilm des Tages gab es wieder eine Königin, wieder war es kurz vor der Französischen Revolution: Nach dem Eröffnungsfilm „Lebe wohl, meine Königin" sagt die Berlinale Lebewohl mit weiteren Kostümschinken. „Die Königin und der Leibarzt" von Nikolaj Arcel erzählt von Johann Friedrich Struensee, Armenarzt im damals vom dänischen König regierten Altona, der 1768 zum Freund des infantilen Könings Christian VII. und schließlich als Aufklärer zum heimlichen Herrscher wird. Eine Affäre mit der Königin kostet ihm schließlich den Kopf und drückt die Pausetaste in Sachen Fortschritt. Diese zeitlose Vorgang packt jedoch vor allem durch Bond-Bösewicht Mads Mikkelsen als Leibarzt. Wenn man bedenkt, dass auch der Abschlussfilm „Bel Ami" vor allem wegen Robert Pattinson gesehen wird und nicht wegen einem Guy de Maupassant, könnte man sich die Kostüme eigentlich sparen.
A star is born
Gina Carano schlug sich bisher recht gut durchs Leben, als Berühmtheit der nicht unbedingt berühmten Kampfsport-Sparte Mixed-Martial-Arts. Da sah sie schon attraktiv aus, doch dass sie auch schauspielern kann, beweist ihre erste Hauptrolle in Steven Soderberghs Action-Film „Haywire". Neben ganz Großen wie Michael Fassbender, Ewan McGregor, Antonio Banderas und Michael Douglas erinnert Carano daran, wie der geniale Regisseur 1998 auch Jennifer Lopez in „Out of Sight" vom Star zur respektierten Schauspielerin machte. Kurzzeitig. Wie aus seinen Talenten holt Soderbergh, in diesem Film, den er für Gina Carano zwischen seinen vielen anderen Arbeiten drehte, auch das Beste aus dem Action-Genre raus und schenkte dem Festival seinen kurzweiligsten Film.
Auch wenn der dauerneidige Blick an die Côte d'Azur nach Cannes nervt, es geht aufwärts in und mit Berlin. Wenn schon nicht im Wettbewerb, dann doch bei den charakteristischen Tritt- und Aufstiegs-Hilfen, die in Cannes Tag und Nacht bereitstehen. Auch in Berlin stehen nur Leiterchen und Klapptritte das ganze Festival über festgekettet an Laternen und Straßenmöblierung: Hiermit erhöhen Fotografen ihren Standpunkt für einen besseren Blick auf die Prominenz. Noch sind es ungefähr nur ein Zwanzigstel der Leiterchen, welche die Croisette im Mai dekorieren. In Berlin übrigens nicht am Roten Teppich, sondern am Hintereingang des Hyatt-Hotel, wo die Prominenz für Fototermine und Pressekonferenzen angekarrt werden. Der Dienstboten-Eingang ist der Ort für Autogrammjäger. Und morgen wird sich zeigen, welcher Krakel dank eines Goldenen Bären im Wert steigt.
15.2.12
Berlinale 2012 Film zu verkaufen - der EUROPEAN FILM MARKET
Von Nana A.T. Rebhan
Frierend stehe ich vor der Tür des Martin-Gropius Baus und betrachte die ebenfalls frierenden Raucher, deren Finger von der eisigen Kälte (minus zehn Grad) bereits blau angelaufen sind. Ich warte auf den Fotografen, der meine Mission begleiten wird. Ich bin eine Filmemacherin aus Berlin, habe „Berlin: Hasenheide", einen unabhängigen Independentfilm gedreht, der mehrere Monate lang im ältesten Kino Deutschlands, dem Moviemento zu sehen war. Nun versuche ich, Finanzierung für mein neues Projekt „Welcome Goodbye", aufzutreiben, einen Dokumentarfilm über Tourismus in Berlin, ein gerade heiß diskutiertes Thema der Hauptstadt. Heute werde ich versuchen, auf dem European Film Market weiterzukommen in Sachen Finanzierung.
Schnell rufe ich mir noch mal die Fakten ins Gedächtnis, die ich über den European Film Market weiß: Er wurde 1978 gegründet, zehn Jahre später wurde Beki Probst seine Leiterin. Die resolut charmante Dame benannte die Filmmesse in „European Film Market" um und ließ ihn unter ihrer Führung zu einem der drei wichtigsten Filmmessen weltweit werden, neben Cannes und dem amerikanischen Independentmarkt AFM, der in Hollywood stattfindet. Der European Film Market ist so etwas wie das Barometer der Branche, weil er als erstes im Jahr stattfindet.
Doch mich beschäftigt gerade eher das Thermometer im eisig kalten Berlin. So, endlich drin. Von Berlinalemitarbeitern in seltsam antik anmutenden Capes wird erst mal meine Akkreditierung eingescannt. Ohne irgendeine Akkreditierung kommt man hier gar nicht rein, denn die große Filmfamilie will ja unter sich bleiben. Der Markt ist keine Publikumsveranstaltung.
Das kann man schade finden, denn innerhalb werden hier in neun Tagen über 700 Filme in über 1000 Screenings gezeigt. Diese Filme laufen aber nicht zur Unterhaltung der über 7000 Akkreditierten auf fast 100 Ländern, sondern sie sind Teil des Geschäfts. Hier wird ge- und verkauft, wie auf einem richtigen Markt eben. Die richtig großen Deals werden aber meist nicht auf dem wuselig anmutenden Markt geschlossen, sondern vor oder hinterher. Der Markt selbst ist eher so etwas wie ein Treffpunkt, ein Marktplatz an dem Produzenten, Verkäufer, Verleiher, Einkäufer und Finanziers zusammen kommen. Kommunikation wird da ganz groß geschrieben.
OK, ich bin bereit. Ich werde mich hineinwerfen in den bunten Trubel des Geschehens, und mein Anliegen vorantreiben. Meine erste Anlaufstation ist die runde Infobox im Foyer: Hier sitzen den ganzen Tag lang freundliche Mitarbeiterinnen die alle, wirklich alle Fragen beantworten und sich richtig Mühe geben. Ich frage sie, wie ich als deutsche Filmemacherin Leute finde, die mir bei der Finanzierung meiner Projekte behilflich sein können. Sie drücken mir einen „Exhibitors Guide" in die Hand und schicken mich in die im Prospekt grün markierte Fläche 17, im Erdgeschoss. Dort gibt es einen ganzen Raum, der nur dem deutschen Film gewidmet ist. Er ist riesig. Ich will lieber nicht darüber nachdenken, wie viel Independent Dokumentarfilme man für die Mietkosten drehen könnte, da wird mir schwindlig.
Der Raum ist unterteilt in verschiedene Bereiche, die jeweils ihren eigenen Counter besitzen, einen für Filmförderungen der verschiedenen Bundesländer, einen für German Films, einen für die AG Dok und einen für Kurzfilme. Ich steuere erst mal die Filmförderung an. Da ich in Berlin wohne, werde ich von der freundlichen Frau am Counter an die Mitarbeiterin vom Medienboard Berlin Brandenburg verwiesen. Claudia Sauer erklärt mir, dass es sehr sinnvoll ist, bereits einen Produzenten, ein Treatment oder Exposé zu haben, bevor man mit ihr einen Termin vereinbart. Habe ich eigentlich, aber jetzt nicht dabei, also vereinbaren wir, uns nach der Berlinale zu treffen.
Am Stand von „German Films" spreche ich mit Martin Schering, dem „Projektcoordinator der German Shorts".
German Films vertritt die deutschen Filme im Ausland, insbesondere auf Filmfestivals. Sie geben vierteljährlich "German Films Quarterly" heraus, ein englischsprachiges Magazin, das Überblick gibt über deutschen Filmneuerscheinungen und über Filme, die gerade gedreht werden. 6.000 Exemplare werden vierteljährlich in alle Welt verschickt. Aber da soll nun gespart werden. In Zukunft werden gut 2.000 Exemplare auf Festivals mitgenommen, das wars dann. Interessant, auf jeden Fall, sie zahlen auch Zuschuss für Untertitelung, wenn der Film auf einem Festival eingeladen wird. Sehr schön das, aber erst mal muss meiner gedreht werden...
Ich ziehe weiter zur AG Dok, der Arbeitsgemeinschaft für Dokumentarfilm. Michael Würfel, selbst Dokumentarfilmer betreut den Stand seit einigen Jahren. Er strahlt eine freundliche Solidarität aus, die Mut macht. Jeden Tag schreibt er von seinem Laptop am Stand aus einen Emailnewsletter, den er an alle Mitglieder schickt, erzählt von Projekten die deutsche Koproduktionspartner suchen. Stolz zeigt er mir ein Poster das hinter ihm an der Wand befestigt ist. Der film heißt "The Cuban Waves"- dem Regisseur konnte er 2011 einen deutschen Koproduktionspartner vermitteln.
Er zeigt mir auch einen Flyer von "Oma & Bella", von einem Dokumentarfilm der in der Reihe „Kulinarisches Kino" läuft und der mit Hilfe von Crowdfunding über Kickstarter finanziert wurde. Der Film suchte 18.000 Dollar und bekam über 44.905 $. - eine Erfolgsstory. Er habe der schüchternen Regisseurin ihre Handynummer abgeluchst, erzählt er mir, damit er ihr Kontakte weiterleiten kann. In den letzten beiden Tagen waren schon zwei Filmfestivals an ihrem Film interessiert. Ja, ja hier geht alles um Kommunikation.
Als ich schon weiterziehen will, kommt ein Amerikaner an den Stand und fragt, wie er Geld von Deutschland bekommen kann. Er hat auf dem Aufsteller vor dem Stand gelesen, dass Deutschland jährlich 520.000.000 Euro in Filme investiert, und dass es 250 Fernsehslots für Filme gibt. Deutschland das Filmparadies? Würfel muss lachen, und klärt auf: auch in Deutschland müssen viele Filmemacher hart darum kämpfen, dass ihre Filme gefördert werden. Würfel selbst kann ein Lied davon singen. Enttäuscht zieht der junge amerikanische Produzent mit schwarzem Hut wieder ab. Das hat er sich anders vorgestellt.
Und was rät Michael Würfel mir? An der Wand gleich neben seinem Laptop hat Würfel einen Zettel mit Test festgeklebt, tägliche Veranstaltungen des EFM (European Film Market) in Zusammenarbeit mit dem EDN (European Documentary Network), die täglich stattfinden. Jeden Tag von 14 bis 15 Uhr gibt es die Gelegenheit, verschiedene Verleiher aus ganz Europa zu treffen, und ihrem Verleihkonzept zu lauschen. Schon gut, aber dazu braucht man erstmal nen fertigen Film.
Was kann ich jetzt noch Sinnvolles auf dem Markt erledigen? Auf der Rückseite des täglichen EFM Screening Schedule finde ich eine Anzeige: EFM Industry Debates. Heute gibt es eine Veranstaltung zum Crowdfunding - wie man die Onlinecommunity dazu bringt, mitzuhelfen, bei der Finanzierung, der Promotion und dem Verleih des Films.
Das klingt gut, da muss ich hin. Moderiert wird die Veranstaltung von Scott Roxborough vom Hollywood Reporter. Seltsam eigentlich, dass Crowdfunding ein Thema für den Hollywoodreporter und überhaupt für den Filmmarkt ist, bei dem Milliardengeschäfte getätigt werden. Bei der Veranstaltung erfahre ich, dass DAS Vorzeigeprojekt für Crowdfunding, „Iron Sky", ein Sciencefiction, der seine Weltpremiere auf der Berlinale feiert nur 200.000 Euro von seinem 10 Mio. Euro Budget über Crowdfunding gesammelt hat.
Rebecca Thomas und Jessica Cadwell, deren Film „Electrick Children" die Sektion Generation eröffnet hat, erzählen, dass sie eigentlich ihren Debütfilm über Crowdfunding für 20.000 $ machen wollten, aber dann ein Produzent auftauchte, ein rettender Prinz auf einem weißen Schimmel, der ihren Film produziert hat. Völlig berauscht und glücklich verschwanden die beiden jungen Amerikanerinnen von ihrem Podiumsplatz zur Premiere.
Ich werde es wohl auch mal mit Crowdfunding versuchen – mal sehen, was da so passiert.
Trailer zu „Welcome Goodbye":
http://www.youtube.com/watch?v=EapH1IV4AgY
Facebookseite Welcome Goodbye:
http://www.facebook.com/welcomegoodbyeberlin
startnext ab März 2012:
www.startnext.de/welcomegoodbye
Schnell rufe ich mir noch mal die Fakten ins Gedächtnis, die ich über den European Film Market weiß: Er wurde 1978 gegründet, zehn Jahre später wurde Beki Probst seine Leiterin. Die resolut charmante Dame benannte die Filmmesse in „European Film Market" um und ließ ihn unter ihrer Führung zu einem der drei wichtigsten Filmmessen weltweit werden, neben Cannes und dem amerikanischen Independentmarkt AFM, der in Hollywood stattfindet. Der European Film Market ist so etwas wie das Barometer der Branche, weil er als erstes im Jahr stattfindet.
Doch mich beschäftigt gerade eher das Thermometer im eisig kalten Berlin. So, endlich drin. Von Berlinalemitarbeitern in seltsam antik anmutenden Capes wird erst mal meine Akkreditierung eingescannt. Ohne irgendeine Akkreditierung kommt man hier gar nicht rein, denn die große Filmfamilie will ja unter sich bleiben. Der Markt ist keine Publikumsveranstaltung.
Das kann man schade finden, denn innerhalb werden hier in neun Tagen über 700 Filme in über 1000 Screenings gezeigt. Diese Filme laufen aber nicht zur Unterhaltung der über 7000 Akkreditierten auf fast 100 Ländern, sondern sie sind Teil des Geschäfts. Hier wird ge- und verkauft, wie auf einem richtigen Markt eben. Die richtig großen Deals werden aber meist nicht auf dem wuselig anmutenden Markt geschlossen, sondern vor oder hinterher. Der Markt selbst ist eher so etwas wie ein Treffpunkt, ein Marktplatz an dem Produzenten, Verkäufer, Verleiher, Einkäufer und Finanziers zusammen kommen. Kommunikation wird da ganz groß geschrieben.
OK, ich bin bereit. Ich werde mich hineinwerfen in den bunten Trubel des Geschehens, und mein Anliegen vorantreiben. Meine erste Anlaufstation ist die runde Infobox im Foyer: Hier sitzen den ganzen Tag lang freundliche Mitarbeiterinnen die alle, wirklich alle Fragen beantworten und sich richtig Mühe geben. Ich frage sie, wie ich als deutsche Filmemacherin Leute finde, die mir bei der Finanzierung meiner Projekte behilflich sein können. Sie drücken mir einen „Exhibitors Guide" in die Hand und schicken mich in die im Prospekt grün markierte Fläche 17, im Erdgeschoss. Dort gibt es einen ganzen Raum, der nur dem deutschen Film gewidmet ist. Er ist riesig. Ich will lieber nicht darüber nachdenken, wie viel Independent Dokumentarfilme man für die Mietkosten drehen könnte, da wird mir schwindlig.
Der Raum ist unterteilt in verschiedene Bereiche, die jeweils ihren eigenen Counter besitzen, einen für Filmförderungen der verschiedenen Bundesländer, einen für German Films, einen für die AG Dok und einen für Kurzfilme. Ich steuere erst mal die Filmförderung an. Da ich in Berlin wohne, werde ich von der freundlichen Frau am Counter an die Mitarbeiterin vom Medienboard Berlin Brandenburg verwiesen. Claudia Sauer erklärt mir, dass es sehr sinnvoll ist, bereits einen Produzenten, ein Treatment oder Exposé zu haben, bevor man mit ihr einen Termin vereinbart. Habe ich eigentlich, aber jetzt nicht dabei, also vereinbaren wir, uns nach der Berlinale zu treffen.
Am Stand von „German Films" spreche ich mit Martin Schering, dem „Projektcoordinator der German Shorts".
German Films vertritt die deutschen Filme im Ausland, insbesondere auf Filmfestivals. Sie geben vierteljährlich "German Films Quarterly" heraus, ein englischsprachiges Magazin, das Überblick gibt über deutschen Filmneuerscheinungen und über Filme, die gerade gedreht werden. 6.000 Exemplare werden vierteljährlich in alle Welt verschickt. Aber da soll nun gespart werden. In Zukunft werden gut 2.000 Exemplare auf Festivals mitgenommen, das wars dann. Interessant, auf jeden Fall, sie zahlen auch Zuschuss für Untertitelung, wenn der Film auf einem Festival eingeladen wird. Sehr schön das, aber erst mal muss meiner gedreht werden...
Ich ziehe weiter zur AG Dok, der Arbeitsgemeinschaft für Dokumentarfilm. Michael Würfel, selbst Dokumentarfilmer betreut den Stand seit einigen Jahren. Er strahlt eine freundliche Solidarität aus, die Mut macht. Jeden Tag schreibt er von seinem Laptop am Stand aus einen Emailnewsletter, den er an alle Mitglieder schickt, erzählt von Projekten die deutsche Koproduktionspartner suchen. Stolz zeigt er mir ein Poster das hinter ihm an der Wand befestigt ist. Der film heißt "The Cuban Waves"- dem Regisseur konnte er 2011 einen deutschen Koproduktionspartner vermitteln.
Er zeigt mir auch einen Flyer von "Oma & Bella", von einem Dokumentarfilm der in der Reihe „Kulinarisches Kino" läuft und der mit Hilfe von Crowdfunding über Kickstarter finanziert wurde. Der Film suchte 18.000 Dollar und bekam über 44.905 $. - eine Erfolgsstory. Er habe der schüchternen Regisseurin ihre Handynummer abgeluchst, erzählt er mir, damit er ihr Kontakte weiterleiten kann. In den letzten beiden Tagen waren schon zwei Filmfestivals an ihrem Film interessiert. Ja, ja hier geht alles um Kommunikation.
Als ich schon weiterziehen will, kommt ein Amerikaner an den Stand und fragt, wie er Geld von Deutschland bekommen kann. Er hat auf dem Aufsteller vor dem Stand gelesen, dass Deutschland jährlich 520.000.000 Euro in Filme investiert, und dass es 250 Fernsehslots für Filme gibt. Deutschland das Filmparadies? Würfel muss lachen, und klärt auf: auch in Deutschland müssen viele Filmemacher hart darum kämpfen, dass ihre Filme gefördert werden. Würfel selbst kann ein Lied davon singen. Enttäuscht zieht der junge amerikanische Produzent mit schwarzem Hut wieder ab. Das hat er sich anders vorgestellt.
Und was rät Michael Würfel mir? An der Wand gleich neben seinem Laptop hat Würfel einen Zettel mit Test festgeklebt, tägliche Veranstaltungen des EFM (European Film Market) in Zusammenarbeit mit dem EDN (European Documentary Network), die täglich stattfinden. Jeden Tag von 14 bis 15 Uhr gibt es die Gelegenheit, verschiedene Verleiher aus ganz Europa zu treffen, und ihrem Verleihkonzept zu lauschen. Schon gut, aber dazu braucht man erstmal nen fertigen Film.
Was kann ich jetzt noch Sinnvolles auf dem Markt erledigen? Auf der Rückseite des täglichen EFM Screening Schedule finde ich eine Anzeige: EFM Industry Debates. Heute gibt es eine Veranstaltung zum Crowdfunding - wie man die Onlinecommunity dazu bringt, mitzuhelfen, bei der Finanzierung, der Promotion und dem Verleih des Films.
Das klingt gut, da muss ich hin. Moderiert wird die Veranstaltung von Scott Roxborough vom Hollywood Reporter. Seltsam eigentlich, dass Crowdfunding ein Thema für den Hollywoodreporter und überhaupt für den Filmmarkt ist, bei dem Milliardengeschäfte getätigt werden. Bei der Veranstaltung erfahre ich, dass DAS Vorzeigeprojekt für Crowdfunding, „Iron Sky", ein Sciencefiction, der seine Weltpremiere auf der Berlinale feiert nur 200.000 Euro von seinem 10 Mio. Euro Budget über Crowdfunding gesammelt hat.
Rebecca Thomas und Jessica Cadwell, deren Film „Electrick Children" die Sektion Generation eröffnet hat, erzählen, dass sie eigentlich ihren Debütfilm über Crowdfunding für 20.000 $ machen wollten, aber dann ein Produzent auftauchte, ein rettender Prinz auf einem weißen Schimmel, der ihren Film produziert hat. Völlig berauscht und glücklich verschwanden die beiden jungen Amerikanerinnen von ihrem Podiumsplatz zur Premiere.
Ich werde es wohl auch mal mit Crowdfunding versuchen – mal sehen, was da so passiert.
Trailer zu „Welcome Goodbye":
http://www.youtube.com/watch?v=EapH1IV4AgY
Facebookseite Welcome Goodbye:
http://www.facebook.com/welcomegoodbyeberlin
startnext ab März 2012:
www.startnext.de/welcomegoodbye
Berlinale 2012 Halbzeit
Kleiner Horizont im Wettbewerb
Berlin. 500 Filme, tausende Medienvertreter, zigtausend Filmbesucher ... die Berlinale ist eine Welt für sich mit Sektionen, Nebenreihen, Sonderveranstaltungen und auch Trittbrettfahrern. Da braucht es schon jemanden mit der Bekanntheit von Angelina Jolie, um ein Thema zu schaffen, das alle beschäftigt. Fast eine Woche war sie mit und ohne ihren Film „Land of Blood and Honey" ein Aufmerksamkeits-Magnet. Der andere ist eine rote Jutetasche. Sogar die „Süddeutsche Zeitung" berichtet von der Berlinale 2012 als „Abstieg in die Jutetaschen-Liga" und jemand scherzte, bei so einem Turnbeutel, könne auch das Festival nichts sein. Hier muss erklärt werden, dass jedes Filmfestival seit Jahrzehnten jeden Teilnehmer, der mittlerweile eine nicht geringe Startgebühr zahlen muss, mit einer mehr oder weniger praktischen Tasche begrüßt. „Für die Festivalunterlagen", die schon mal direkt in den Papierkorb gekippt wurden und mittlerweile sowieso digital sind. Nun schien die Berlinale-Tasche trotz wechselnder Entwürfe immer noch ein Hort deutscher Wertarbeit gewesen zu sein, man sah sie auf allen anderen Festivals, mal in der Boss-Edition, mal als Plastik-Stinker (2006), der über ein Jahr ausgelüftet werden musste, aber dann die perfekt dichte Schwimm-Tasche wurde. Sogar bei Ebay waren die Dinger schnell ausverkauft! Und jetzt: Der rote Jutebeutel! Fast so simpel wie die Papiertaschen Venedigs, die nur Design zusammenhält. Also auch in der Taschen-Kategorisierung weit hinter Cannes? Das passt zu den Filmen, die kleine Dramen präsentieren, aber noch nicht den großen cinematografischen Horizont eröffneten. Die 62. Ausgabe der Berlinale muss noch einen sehr eindrucksvollen Film präsentieren, um nicht das Jahr der Tasche zu werden.
Für die Aufmerksamkeit kann man auch Nazis auf den Mond schicken, so im „Iron Sky" des Finnen Timo Vuorensola, und dazu Udo Kier mitspielen lassen. Der schrägste Kölner Star-Export der Filmgeschichte spielt auch mit herrlich dickem deutschen Akzent neben Isabella Rossellini in dem genial anachronistischen Schwarzweiß-Film „Keyhole". Der Kanadier Guy Maddin präsentiert ein Gangster-Geisterhaus voller toter (und vielleicht) auch einiger lebendiger Familienmitglieder und -Geschichten. Der andere letzte seiner Art, nämlich ein Schwarzweiß-Film der insolventen Firma Kodak, ist übrigens
„Tabu"des Portugiesen Miguel Gomes im Wettbewerb, produziert von der Silberbär-Siegerin Maren Ade („Alle anderen" 2009). Die portugiesische Kolonialfantasie erinnert im ruhigen Ton an den portugiesischen Meister Oliveira und reiht sich bei den Favoriten ein.
Dort bleibt das mit Nina Hoss in der Hauptrolle fein ziselierte DDR-Drama „Barbara" von Petzold ganz oben, wobei man noch hinzurechnen muss, dass wir mit TV- und Kino-Beiträgen dieses genialen Regisseurs verwöhnt sind. Das Ausland reagiert vielleicht noch begeisterter. Neben Billy Bob Thorntons klugem, aber nicht immer ausgewogenen Antikriegsfilm „Jayne Mansfield's Car", in dem Regisseur und Darsteller Thornton mit der Geschichte von drei Generationen Kriegs-Geschädigter an seinen Debüt-Erfolg „Sling Blade" (1996) anknüpft, begeisterte auf stille Weise „L'enfant d'en haut": In Ursula Meiers starkem Wettbewerbs-Beitrag fährt der zwölfjährige Simon (Kacey Mottet Klein) jeden Tag mit dem Lift zur Bergstation, um eifrig und unverfroren Ski und Zubehör zu klauen. Seine Beute verkauft er im Tal eines Ostschweizer Verbier-Wintersportgebiets den Kindern der Gegend. Trotz Hunderter die durch seine Hand gehen, haust Simon mit der etwas älteren Louise (Léa Seydoux), die er auf Englisch „Sister" nennt, in einer kleinen, billigen Wohnung. Als sich ein etwas netterer Typ ernsthaft für Louise interessiert, lässt Simon die Bombe platzen: Sie ist meine Mutter!
Die verdrehte Familiensituation, in der ein frühreifes Kind den Versorger der immer ratlosen Mutter spielt, ist einer der Filme, die in Cannes preisverdächtig sind. Auf jeden Fall wäre damit die Anwartschaft auf den Darstellerinnen-Preis geklärt: Léa Seydoux spielte zurückhaltend und introvertiert in der Eröffnung „Leb wohl, meine Königin". Hier zeigt sie sich als Louise schlampig und ordinär. Kaum wiederzuerkennen und das macht gutes Schauspiel aus!
Berlin. 500 Filme, tausende Medienvertreter, zigtausend Filmbesucher ... die Berlinale ist eine Welt für sich mit Sektionen, Nebenreihen, Sonderveranstaltungen und auch Trittbrettfahrern. Da braucht es schon jemanden mit der Bekanntheit von Angelina Jolie, um ein Thema zu schaffen, das alle beschäftigt. Fast eine Woche war sie mit und ohne ihren Film „Land of Blood and Honey" ein Aufmerksamkeits-Magnet. Der andere ist eine rote Jutetasche. Sogar die „Süddeutsche Zeitung" berichtet von der Berlinale 2012 als „Abstieg in die Jutetaschen-Liga" und jemand scherzte, bei so einem Turnbeutel, könne auch das Festival nichts sein. Hier muss erklärt werden, dass jedes Filmfestival seit Jahrzehnten jeden Teilnehmer, der mittlerweile eine nicht geringe Startgebühr zahlen muss, mit einer mehr oder weniger praktischen Tasche begrüßt. „Für die Festivalunterlagen", die schon mal direkt in den Papierkorb gekippt wurden und mittlerweile sowieso digital sind. Nun schien die Berlinale-Tasche trotz wechselnder Entwürfe immer noch ein Hort deutscher Wertarbeit gewesen zu sein, man sah sie auf allen anderen Festivals, mal in der Boss-Edition, mal als Plastik-Stinker (2006), der über ein Jahr ausgelüftet werden musste, aber dann die perfekt dichte Schwimm-Tasche wurde. Sogar bei Ebay waren die Dinger schnell ausverkauft! Und jetzt: Der rote Jutebeutel! Fast so simpel wie die Papiertaschen Venedigs, die nur Design zusammenhält. Also auch in der Taschen-Kategorisierung weit hinter Cannes? Das passt zu den Filmen, die kleine Dramen präsentieren, aber noch nicht den großen cinematografischen Horizont eröffneten. Die 62. Ausgabe der Berlinale muss noch einen sehr eindrucksvollen Film präsentieren, um nicht das Jahr der Tasche zu werden.
Für die Aufmerksamkeit kann man auch Nazis auf den Mond schicken, so im „Iron Sky" des Finnen Timo Vuorensola, und dazu Udo Kier mitspielen lassen. Der schrägste Kölner Star-Export der Filmgeschichte spielt auch mit herrlich dickem deutschen Akzent neben Isabella Rossellini in dem genial anachronistischen Schwarzweiß-Film „Keyhole". Der Kanadier Guy Maddin präsentiert ein Gangster-Geisterhaus voller toter (und vielleicht) auch einiger lebendiger Familienmitglieder und -Geschichten. Der andere letzte seiner Art, nämlich ein Schwarzweiß-Film der insolventen Firma Kodak, ist übrigens
„Tabu"des Portugiesen Miguel Gomes im Wettbewerb, produziert von der Silberbär-Siegerin Maren Ade („Alle anderen" 2009). Die portugiesische Kolonialfantasie erinnert im ruhigen Ton an den portugiesischen Meister Oliveira und reiht sich bei den Favoriten ein.
Dort bleibt das mit Nina Hoss in der Hauptrolle fein ziselierte DDR-Drama „Barbara" von Petzold ganz oben, wobei man noch hinzurechnen muss, dass wir mit TV- und Kino-Beiträgen dieses genialen Regisseurs verwöhnt sind. Das Ausland reagiert vielleicht noch begeisterter. Neben Billy Bob Thorntons klugem, aber nicht immer ausgewogenen Antikriegsfilm „Jayne Mansfield's Car", in dem Regisseur und Darsteller Thornton mit der Geschichte von drei Generationen Kriegs-Geschädigter an seinen Debüt-Erfolg „Sling Blade" (1996) anknüpft, begeisterte auf stille Weise „L'enfant d'en haut": In Ursula Meiers starkem Wettbewerbs-Beitrag fährt der zwölfjährige Simon (Kacey Mottet Klein) jeden Tag mit dem Lift zur Bergstation, um eifrig und unverfroren Ski und Zubehör zu klauen. Seine Beute verkauft er im Tal eines Ostschweizer Verbier-Wintersportgebiets den Kindern der Gegend. Trotz Hunderter die durch seine Hand gehen, haust Simon mit der etwas älteren Louise (Léa Seydoux), die er auf Englisch „Sister" nennt, in einer kleinen, billigen Wohnung. Als sich ein etwas netterer Typ ernsthaft für Louise interessiert, lässt Simon die Bombe platzen: Sie ist meine Mutter!
Die verdrehte Familiensituation, in der ein frühreifes Kind den Versorger der immer ratlosen Mutter spielt, ist einer der Filme, die in Cannes preisverdächtig sind. Auf jeden Fall wäre damit die Anwartschaft auf den Darstellerinnen-Preis geklärt: Léa Seydoux spielte zurückhaltend und introvertiert in der Eröffnung „Leb wohl, meine Königin". Hier zeigt sie sich als Louise schlampig und ordinär. Kaum wiederzuerkennen und das macht gutes Schauspiel aus!
Berlinale 2012 Glück (Doris Dörrie)
BRD 2011 R: Doris Dörrie mit Alba Rohrwacher, Vinzenz Kiefer, Matthias Brandt, Oliver Nägele 112 Min.
Pünktlich zum Valentinstag beantwortete Doris Dörrie mit ihrem Neuen „Glück" die Frage „Was ist Liebe?" auf einmalige Weise: Als Vegetarier einen Menschen fachmännisch und blutig ausweiden, weil man glaubt, die Liebste hätte ihn umgebracht - das ist Liebe, die jeden Blumenstrauß verwelken lässt. Und einige Zuschauerinnen wurden auch blass bei der ansonsten süß romantischen Liebe zwischen dem Kriegsflüchtling Irina und dem Punk Kalle in Berlin. „Glück" nach einer Kurzgeschichte des Bestseller schreibenden Juristen Ferdinand von Schirach („Verbrechen") hat ganz starke Momente, einige Längen und kommt in zwei Wochen ins Kino.
Pünktlich zum Valentinstag beantwortete Doris Dörrie mit ihrem Neuen „Glück" die Frage „Was ist Liebe?" auf einmalige Weise: Als Vegetarier einen Menschen fachmännisch und blutig ausweiden, weil man glaubt, die Liebste hätte ihn umgebracht - das ist Liebe, die jeden Blumenstrauß verwelken lässt. Und einige Zuschauerinnen wurden auch blass bei der ansonsten süß romantischen Liebe zwischen dem Kriegsflüchtling Irina und dem Punk Kalle in Berlin. „Glück" nach einer Kurzgeschichte des Bestseller schreibenden Juristen Ferdinand von Schirach („Verbrechen") hat ganz starke Momente, einige Längen und kommt in zwei Wochen ins Kino.
Berlinale 2012 La chispa de la vida (Álex de la Iglesia)
Spanien, Frankreich 2011 R: Álex de la Iglesia mit Salma Hayek, José Mota, Fernando Tejero, Blanca Portillo, Juan Luis Galiardo 98 Min.
Salma Hayek macht mal auf komisch in der spanischen Medien-Satire „La chispa de la vida" von Álex de la Iglesia („Perdita Durango"). Gleichzeitig zeigt der arbeitslose Werbefuzzi Roberto, was wirklicher Durchhaltewille in der Krise bedeutet: Nach einer absurden Verkettung von Ereignissen stürzt er in einem frisch restaurierten Amphitheater ab und eine Eisenstange bohrt sich in seinen Kopf. Bei vollem Bewusstsein und im Fokus der nationalen Medien macht Roberto erst mal einen Vertrag mit einem Agenten, um die vielleicht tödliche Situation wenigstens zu vermarkten. Die zum Ende hin immer krudere Medienkritik ist zwischen rasanter Inszenierung und sarkastischem Humor zu unausgewogen. Aber zumindest Hayek kommt als aufrechte Ehefrau gut weg.
Salma Hayek macht mal auf komisch in der spanischen Medien-Satire „La chispa de la vida" von Álex de la Iglesia („Perdita Durango"). Gleichzeitig zeigt der arbeitslose Werbefuzzi Roberto, was wirklicher Durchhaltewille in der Krise bedeutet: Nach einer absurden Verkettung von Ereignissen stürzt er in einem frisch restaurierten Amphitheater ab und eine Eisenstange bohrt sich in seinen Kopf. Bei vollem Bewusstsein und im Fokus der nationalen Medien macht Roberto erst mal einen Vertrag mit einem Agenten, um die vielleicht tödliche Situation wenigstens zu vermarkten. Die zum Ende hin immer krudere Medienkritik ist zwischen rasanter Inszenierung und sarkastischem Humor zu unausgewogen. Aber zumindest Hayek kommt als aufrechte Ehefrau gut weg.
Berlinale 2012 Death for Sale (Faouzi Bensaïdi)
Frankreich, Belgien, Marokko 2011 Regie: Faouzi Bensaïdi mit Faouzi Bensaïdi, Fehd Benchemsi, Imane Elmechrafi, Fouad Labied, Mouhcine Malzi 117 Min.
Der arabische Frühling ist in Dokumentationen, Diskussionen, in der Jury - der algerische Preisträger Friedensbuch-Preisträger Boualem Sansal - und ersten fiktionalen Ansätzen in allen Sektionen stark auf dieser Berlinale vertreten. Der Marokkaner Faouzi Bensaïdi fügt nach seinem Meisterwerk „WWW - What a wonderful world" mit dem Panorama-Beitrag „Death for Sale" eine wiederum faszinierende Stellungnahme hinzu: In einem mit großen Panoramen fotografieren Küstenort planen drei junge Freunde einen Raub, aus unterschiedlichen Gründen. Malik braucht das Geld für seine große Liebe, eine Prostituierte. Allal will groß beim Drogenhandel mitmachen und Soufiane will nur den christlichen Juwelier umbringen und nichts von der Beute abhaben. Zuvor haben Islamisten den Taschendieb vor einem Lynchmob gerettet. Faouzi Bensaidi erlaubt in dem, von der Kölner Heimatfilm koproduzierten Film, wieder mit großer Filmkunst einen nuancierten Einblick in marokkanisches Leben.
Der arabische Frühling ist in Dokumentationen, Diskussionen, in der Jury - der algerische Preisträger Friedensbuch-Preisträger Boualem Sansal - und ersten fiktionalen Ansätzen in allen Sektionen stark auf dieser Berlinale vertreten. Der Marokkaner Faouzi Bensaïdi fügt nach seinem Meisterwerk „WWW - What a wonderful world" mit dem Panorama-Beitrag „Death for Sale" eine wiederum faszinierende Stellungnahme hinzu: In einem mit großen Panoramen fotografieren Küstenort planen drei junge Freunde einen Raub, aus unterschiedlichen Gründen. Malik braucht das Geld für seine große Liebe, eine Prostituierte. Allal will groß beim Drogenhandel mitmachen und Soufiane will nur den christlichen Juwelier umbringen und nichts von der Beute abhaben. Zuvor haben Islamisten den Taschendieb vor einem Lynchmob gerettet. Faouzi Bensaidi erlaubt in dem, von der Kölner Heimatfilm koproduzierten Film, wieder mit großer Filmkunst einen nuancierten Einblick in marokkanisches Leben.
Berlinale 2012 Was bleibt
BRD 2012 R: Hans-Christian Schmid mit Lars Eidinger, Corinna Harfouch, Sebastian Zimmler, Ernst Stötzner, Picco von Groote 84 Min.
Szenenapplaus ernteten Lars Eidinger und Corinna Harfouch als Sohn und Mutter beim Familienwochenende für ihre Version von Aznavours "Du lässt dich geh'n". Dabei ist das Problem in Hans-Christian Schmids („Crazy", „Requiem", „Sturm") Wettbewerbsbeitrag „Was bleibt" eher dass die Mutter (Harfouch) nach dreißig Jahren das Medikament gegen ihre manisch-depressiven Schübe abgesetzt hat und die anderen Familienmitglieder unpassenderweise auspacken, was in ihrem Leben alles schief läuft. Toll gespielt und gut inszeniert, doch Familien-Allerlei aus dem Bergischen ist noch kein großes Weltkino.
Szenenapplaus ernteten Lars Eidinger und Corinna Harfouch als Sohn und Mutter beim Familienwochenende für ihre Version von Aznavours "Du lässt dich geh'n". Dabei ist das Problem in Hans-Christian Schmids („Crazy", „Requiem", „Sturm") Wettbewerbsbeitrag „Was bleibt" eher dass die Mutter (Harfouch) nach dreißig Jahren das Medikament gegen ihre manisch-depressiven Schübe abgesetzt hat und die anderen Familienmitglieder unpassenderweise auspacken, was in ihrem Leben alles schief läuft. Toll gespielt und gut inszeniert, doch Familien-Allerlei aus dem Bergischen ist noch kein großes Weltkino.
14.2.12
Berlinale 2012 L'enfant d'en haut | Sister (Ursula Meier)
Schweiz, Frankreich 2011 Regie: Ursula Meier mit Léa Seydoux, Kacey Mottet Klein, Martin Compston, Gillian Anderson 97 Min.
Falls sie letztlich das Gefühl hatten, im Schweiz-Urlaub ausgenommen zu werden, könnte das andere Gründe als den extrem starken Schweizer Franken haben: In Ursula Meiers starkem Wettbewerbs-Beitrag „L'enfant d'en haut" (Sister) fährt der zwölfjährige Simon (Kacey Mottet Klein) jeden Tag mit dem Lift zur Bergstation, um eifrig und unverfroren Ski und Zubehör zu klauen. Seine Beute verkauft er im Tal eines Ostschweizer Verbier-Wintersportgebiets den Kindern der Gegend. Trotz Hunderter die durch seine Hand gehen, haust Simon mit der etwas älteren Louise (Léa Seydoux), die er auf Englisch „Sister" nennt, in einer kleinen, billigen Wohnung. Auch die „Schwester" sieht mit kurzem Rock billig aus. Mit Männern stellt sie sich dämlich an, was ein und blaues Auge belegt, ansonsten auch. Simon, körperlich noch ein Hänfling, lässt derweil den Macker raushängen. Bei der Schwester und einer englischen Touristin (Gillian Anderson). Als sich ein etwas netterer Typ ernsthaft für Louise interessiert, lässt Simon die Bombe platzen: Sie ist meine Mutter!
Die verdrehte Familiensituation, in der ein frühreifes Kind den Versorger der immer ratlosen Mutter spielt, ist einer der Filme, die in Cannes preisverdächtig sind. Gönnen würde man es ihm auch hier, doch in Sachen Favorit bleiben wir Petzolds „Barbara" treu. „L'enfant d'en haut" (Der Junge von oben) beginnt nicht nur seinen Titel mit dem „L'enfant" (Das Kind) der Dardennes, Simon ist tatsächlich eine Schweizer Variante der Lütticher „Rosetta": Irgendwie durchs soziale Netz gefallen, was in der reichen Schweiz schwer vorstellbar ist, und auch im Sozialverhalten deutlich neben der Spur. Die Wohnung dieser „Familie" liegt wieder neben einer Schnellstraße. Genau wie in „Home" dem französisch-schweizer Vorgänger von Ursula Meier, in dem eine Familie im surrealen Kampf mit einer Autobahn zerbricht. Isabelle Huppert spielte dort die Hauptrolle, sie disqualifizierte sich übrigens mit viel Geschrei als Dschungel-Geisel in „Captive" für den Darstellerinnen-Preis. (Auch Gillian „Scully" Anderson hat nach „Shadow Dancer" hier ihren zweiten Auftritt in einer Nebenrolle.) Damit wäre auch die Anwartschaft auf den Darstellerinnen-Preis geklärt: Léa Seydoux spielte zurückhaltend und introvertiert in der Eröffnung „Leb wohl, meine Königin". Hier zeigt sie sich als Louise schlampig und ordinär. Kaum wiederzuerkennen und das macht gutes Schauspiel aus!
Falls sie letztlich das Gefühl hatten, im Schweiz-Urlaub ausgenommen zu werden, könnte das andere Gründe als den extrem starken Schweizer Franken haben: In Ursula Meiers starkem Wettbewerbs-Beitrag „L'enfant d'en haut" (Sister) fährt der zwölfjährige Simon (Kacey Mottet Klein) jeden Tag mit dem Lift zur Bergstation, um eifrig und unverfroren Ski und Zubehör zu klauen. Seine Beute verkauft er im Tal eines Ostschweizer Verbier-Wintersportgebiets den Kindern der Gegend. Trotz Hunderter die durch seine Hand gehen, haust Simon mit der etwas älteren Louise (Léa Seydoux), die er auf Englisch „Sister" nennt, in einer kleinen, billigen Wohnung. Auch die „Schwester" sieht mit kurzem Rock billig aus. Mit Männern stellt sie sich dämlich an, was ein und blaues Auge belegt, ansonsten auch. Simon, körperlich noch ein Hänfling, lässt derweil den Macker raushängen. Bei der Schwester und einer englischen Touristin (Gillian Anderson). Als sich ein etwas netterer Typ ernsthaft für Louise interessiert, lässt Simon die Bombe platzen: Sie ist meine Mutter!
Die verdrehte Familiensituation, in der ein frühreifes Kind den Versorger der immer ratlosen Mutter spielt, ist einer der Filme, die in Cannes preisverdächtig sind. Gönnen würde man es ihm auch hier, doch in Sachen Favorit bleiben wir Petzolds „Barbara" treu. „L'enfant d'en haut" (Der Junge von oben) beginnt nicht nur seinen Titel mit dem „L'enfant" (Das Kind) der Dardennes, Simon ist tatsächlich eine Schweizer Variante der Lütticher „Rosetta": Irgendwie durchs soziale Netz gefallen, was in der reichen Schweiz schwer vorstellbar ist, und auch im Sozialverhalten deutlich neben der Spur. Die Wohnung dieser „Familie" liegt wieder neben einer Schnellstraße. Genau wie in „Home" dem französisch-schweizer Vorgänger von Ursula Meier, in dem eine Familie im surrealen Kampf mit einer Autobahn zerbricht. Isabelle Huppert spielte dort die Hauptrolle, sie disqualifizierte sich übrigens mit viel Geschrei als Dschungel-Geisel in „Captive" für den Darstellerinnen-Preis. (Auch Gillian „Scully" Anderson hat nach „Shadow Dancer" hier ihren zweiten Auftritt in einer Nebenrolle.) Damit wäre auch die Anwartschaft auf den Darstellerinnen-Preis geklärt: Léa Seydoux spielte zurückhaltend und introvertiert in der Eröffnung „Leb wohl, meine Königin". Hier zeigt sie sich als Louise schlampig und ordinär. Kaum wiederzuerkennen und das macht gutes Schauspiel aus!
Extrem laut und unglaublich nah
USA, 2011 (Extremely loud and incredibly close) Regie: Stephan Daltry mit Tom Hanks, Sandra Bullock, Thomas Horn, Max von Sydow 129 Min.
Schlüsselkinder
Ein Knaller am Anfang ist „Extrem laut und unglaublich nah", die Verfilmung des gleichnamigen Romans von Jonathan Safran Foer („Alles ist erleuchtet"). Ein scheinbar endlos vom Himmel fallender Mann, ein Begräbnis mit leerem Sarg und zurück bleiben ein verstörter Junge sowie seine schweigsame Mutter (Sandra Bullock). Der neunjährige Oskar Schell (Thomas Horn) setzt nach dem Tod seines Vaters (Tom Hanks) die gemeinsamen Rätsel-Expeditionen fort. Nun sucht der ängstliche Junge allerdings nicht mehr das, wie Atlantis verschollene, sechste der traditionellen Viertel New Yorks. Auf der Spur eines geheimnisvollen Schlüssels macht sich das Kind daran, alle 425 Personen mit dem Namen Black in der Stadt aufzusuchen, weil Black auf dem Umschlag stand, in dem sich der Schlüssel fand. Oskars ebenso akribische wie fantasiereiche Vorgehensweise mit Karten, Notizen, bunten Ordnungssystemen und Fotos von jedem Kandidaten kennen wir aus den Erinnerungen an den witzigen Vater, der immer gerne Hinweise im Central Park versteckte. Ganz schön schräg und sehr schön, genau wie die Situation, einen Schlüssel zu haben und das passende Schloss dazu zu suchen. Langsam wird aus Oskars Erzählung klar, dass es der 11. September 2001 ist. Der „schlimmste Tag" nennt er ihn.
Regisseur Stephan Daltry („Billy Elliot") und der erstaunlich gute, junge Hauptdarsteller Thomas Horn sorgen für eine rührend und erheiternde Odyssee, die New York nach den traumatisierenden Anschlägen auf das World Trade Center als freundliche Gemeinschaft unterschiedlichster Menschen zeigt. Horn, der in einer Gameshow entdeckt wurde und erstmals in einem Kinofilm auftritt, hält in seiner ersten Kinofilm-Rolle locker mit schauspielerischem Urgestein wie Max von Sydow mit. Der alte Schwede spielt ohne Worte einen geheimnisvollen und stummen Mitbewohner von Oskars Oma, der ihn auf der Suche nach dem richtigen Schloss begleitet.
Die Umsetzung des gleichnamigen Romans „Extrem laut und unglaublich nah"
von Jonathan Safran Foer ist nach „Alles ist erleuchtet" die zweite Verfilmung eines Foer-Stoffes. Der jüdische Autor hat selbst die Holocaust-Erfahrungen in seiner Familie, die in den Romanen auftauchen. Im November 2009 erschien Foers erstes Sachbuch, das sich unter dem Titel Eating Animals (dt: Tiere essen) mit den Problemen der industrialisierten Tierproduktion auseinandersetzt.
„Extrem laut und unglaublich nah" begeistert mit vielen fantastischen Ideen und schafft es, trotz des schwierigen Themas traumatischer Verluste, mit Leichtigkeit zu erzählen und Hoffnung zu wecken. New York ist hier kein gefährliches Pflaster, Foer zeigt das Bild einer großen, im Schmerz verbundenen Gemeinschaft, die sich gegenseitig über die Verletzung hinweg hilft. Der unamerikanisch mit „k" geschriebene Name Oskar (dort schreibt man auch die Filmpreise mit „c", liebe Kollegen) könnte ein Verweis auf Oskar Matzerath sein: Statt der Grass'schen Blechtrommel trägt er sein Tamburin mit herum, um über seine Ängste hinwegzukommen. Das gelingt schließlich ebenso so schön und rührend wie der ganze Film gelungen ist.
Schlüsselkinder
Ein Knaller am Anfang ist „Extrem laut und unglaublich nah", die Verfilmung des gleichnamigen Romans von Jonathan Safran Foer („Alles ist erleuchtet"). Ein scheinbar endlos vom Himmel fallender Mann, ein Begräbnis mit leerem Sarg und zurück bleiben ein verstörter Junge sowie seine schweigsame Mutter (Sandra Bullock). Der neunjährige Oskar Schell (Thomas Horn) setzt nach dem Tod seines Vaters (Tom Hanks) die gemeinsamen Rätsel-Expeditionen fort. Nun sucht der ängstliche Junge allerdings nicht mehr das, wie Atlantis verschollene, sechste der traditionellen Viertel New Yorks. Auf der Spur eines geheimnisvollen Schlüssels macht sich das Kind daran, alle 425 Personen mit dem Namen Black in der Stadt aufzusuchen, weil Black auf dem Umschlag stand, in dem sich der Schlüssel fand. Oskars ebenso akribische wie fantasiereiche Vorgehensweise mit Karten, Notizen, bunten Ordnungssystemen und Fotos von jedem Kandidaten kennen wir aus den Erinnerungen an den witzigen Vater, der immer gerne Hinweise im Central Park versteckte. Ganz schön schräg und sehr schön, genau wie die Situation, einen Schlüssel zu haben und das passende Schloss dazu zu suchen. Langsam wird aus Oskars Erzählung klar, dass es der 11. September 2001 ist. Der „schlimmste Tag" nennt er ihn.
Regisseur Stephan Daltry („Billy Elliot") und der erstaunlich gute, junge Hauptdarsteller Thomas Horn sorgen für eine rührend und erheiternde Odyssee, die New York nach den traumatisierenden Anschlägen auf das World Trade Center als freundliche Gemeinschaft unterschiedlichster Menschen zeigt. Horn, der in einer Gameshow entdeckt wurde und erstmals in einem Kinofilm auftritt, hält in seiner ersten Kinofilm-Rolle locker mit schauspielerischem Urgestein wie Max von Sydow mit. Der alte Schwede spielt ohne Worte einen geheimnisvollen und stummen Mitbewohner von Oskars Oma, der ihn auf der Suche nach dem richtigen Schloss begleitet.
Die Umsetzung des gleichnamigen Romans „Extrem laut und unglaublich nah"
von Jonathan Safran Foer ist nach „Alles ist erleuchtet" die zweite Verfilmung eines Foer-Stoffes. Der jüdische Autor hat selbst die Holocaust-Erfahrungen in seiner Familie, die in den Romanen auftauchen. Im November 2009 erschien Foers erstes Sachbuch, das sich unter dem Titel Eating Animals (dt: Tiere essen) mit den Problemen der industrialisierten Tierproduktion auseinandersetzt.
„Extrem laut und unglaublich nah" begeistert mit vielen fantastischen Ideen und schafft es, trotz des schwierigen Themas traumatischer Verluste, mit Leichtigkeit zu erzählen und Hoffnung zu wecken. New York ist hier kein gefährliches Pflaster, Foer zeigt das Bild einer großen, im Schmerz verbundenen Gemeinschaft, die sich gegenseitig über die Verletzung hinweg hilft. Der unamerikanisch mit „k" geschriebene Name Oskar (dort schreibt man auch die Filmpreise mit „c", liebe Kollegen) könnte ein Verweis auf Oskar Matzerath sein: Statt der Grass'schen Blechtrommel trägt er sein Tamburin mit herum, um über seine Ängste hinwegzukommen. Das gelingt schließlich ebenso so schön und rührend wie der ganze Film gelungen ist.
Berlinale 2012 Der Rote Jutebeutel
500 Filme, tausende Medienvertreter, zigtausend Filmbesucher ... die Berlinale ist eine Welt für sich mit Sektionen, Nebenreihen, Sonderveranstaltungen und auch Trittbrettfahrern. Da braucht es schon jemanden mit der Bekanntheit von Angelina Jolie, um ein Thema zu schaffen, das alle beschäftigt. Oder eine rote Jutetasche. Da berichtet sogar die „Süddeutsche Zeitung" vom „Abstieg in die Jutetaschen-Liga" und jemand scherzte, bei so einem Turnbeutel, könne auch das Festival nichts sein. Dazu muss erklärt werden, dass jedes Filmfestival seit Jahrzehnten jeden Teilnehmer, der mittlerweile eine nicht geringe Startgebühr zahlen muss, mit einer mehr oder weniger praktischen Tasche begrüßt. „Für die Festivalunterlagen", die schon mal direkt in den Papierkorb gekippt wurden und mittlerweile sowieso digital sind. Nun schien die Berlinale-Tasche trotz wechselnder Entwürfe immer noch ein Hort deutscher Wertarbeit gewesen zu sein, man sah sie auf allen anderen Festivals, mal in der Boss-Edition, mal als Plastik-Stinker (2006), der über ein Jahr ausgelüftet werden musste, aber dann die perfekt dichte Schwimm-Tasche wurde. Sogar bei Ebay waren die Dinger schnell ausverkauft! Und jetzt: Der rote Jutebeutel! Fast so simpel wie die Papiertaschen Venedigs, die nur Design zusammenhält. Nun auch in der Taschen-Kategorisierung weit hinter Cannes. Die 62. Ausgabe der Berlinale muss noch einen sehr eindrucksvollen Film präsentieren, um nicht das Jahr der Tasche zu werden.
13.2.12
Don - The King Is Back
Indien, BRD 2011 (Don - The King Is Back) Regie: Farhan Akhtar mit Shah Rukh Khan, Priyanka Chopra, Boman Irani, Om Puri, Lara Dutta 140 Min.
Er ist wieder da: Nicht King sondern Khan, was in Indien wesentlich höher rangiert! Der Mega-Star Shah Rukh Khan kehrte nach seiner Berlinale-Festivalwelle im letzten Jahr mit dem politischen und anspruchsvollen Melodram „My Name is Khan" zu Dreharbeiten nach Berlin zurück. Wie man in „Don" nicht übersehen kann, suchen sich indische Produktionen nicht nur immer wieder neue „exotische" Landschaften (Schweiz!) sondern auch „fremde" Städte. Doch die Hauptsache ist Khan, der mit „Don - The King is back" wieder im Action-Genre zurück ist. „Don" ist ein Gangster-Film, der das erfolgreiche Remake eines 70er-Films fortsetzt.
Khan spielt einen Gangsterboss, der Druckplatten der „Deutschen Zentral Bank" rauben will. Witzige sind dabei sowohl die indischen Blicke auf Berlin-Mitte, wo die meisten Szenen gedreht wurden, als auch die unverhohlenen Anleihen bei „Mission Impossible" oder den Bond-Filmen. Dabei ist die immer mit einem ironischen Kniff präsentierte Action-Spielerei oft in Witz oder Raffiniertheit den wesentlich teureren Prestige-Objekten des Westens voraus. Schade nur, dass Khan den wirklich schmierigen Drogenhändler nicht noch etwas länger durchhält. Ihn in einem reizvollen Kampf mit der typisch attraktiven Kommissarin zu sehen, überrascht nicht. Ein paar Wendungen des Drehbuches schon. Auf visitberlin.de gibt es übrigens einen Stadtplan mit den Drehorten dieser gelungenen Berlin-Werbung.
Er ist wieder da: Nicht King sondern Khan, was in Indien wesentlich höher rangiert! Der Mega-Star Shah Rukh Khan kehrte nach seiner Berlinale-Festivalwelle im letzten Jahr mit dem politischen und anspruchsvollen Melodram „My Name is Khan" zu Dreharbeiten nach Berlin zurück. Wie man in „Don" nicht übersehen kann, suchen sich indische Produktionen nicht nur immer wieder neue „exotische" Landschaften (Schweiz!) sondern auch „fremde" Städte. Doch die Hauptsache ist Khan, der mit „Don - The King is back" wieder im Action-Genre zurück ist. „Don" ist ein Gangster-Film, der das erfolgreiche Remake eines 70er-Films fortsetzt.
Khan spielt einen Gangsterboss, der Druckplatten der „Deutschen Zentral Bank" rauben will. Witzige sind dabei sowohl die indischen Blicke auf Berlin-Mitte, wo die meisten Szenen gedreht wurden, als auch die unverhohlenen Anleihen bei „Mission Impossible" oder den Bond-Filmen. Dabei ist die immer mit einem ironischen Kniff präsentierte Action-Spielerei oft in Witz oder Raffiniertheit den wesentlich teureren Prestige-Objekten des Westens voraus. Schade nur, dass Khan den wirklich schmierigen Drogenhändler nicht noch etwas länger durchhält. Ihn in einem reizvollen Kampf mit der typisch attraktiven Kommissarin zu sehen, überrascht nicht. Ein paar Wendungen des Drehbuches schon. Auf visitberlin.de gibt es übrigens einen Stadtplan mit den Drehorten dieser gelungenen Berlin-Werbung.
Berlinale 2012 Young Adult (Jason Reitman)
USA 2011 Regie: Jason Reitman mit Charlize Theron, Patton Oswalt, Patrick Wilson, Elizabeth Reaser 94 Min.
Charlize Theron („Monster") stellt in Berlin wieder eine der „unschönen" Rollen vor, die sich das Ex-Model gerne aussucht: In „Young Adult" spielt sie Marvis, die zweitrangige Ghostwriterin einer ehemals erfolgreiche Jugendserie, mitten in einer Lebenskrise. Deshalb zum alten, verhassten Heimatort auf, um sich wie ein dummer Teenager an den verheirateten Ex-Freund ranzumachen, der gerade ein Kind bekommen hat. „Young Adult" ist thematisch deutlich ein Film von Jason Reitman, im Stile seiner emotional klugen Erfolge „Thank you for smoking" (2005), „Juno" (2007) und „Up in the Air" (2007). Als Berlinale-Special eine nette Bereicherung des Festivals.
Charlize Theron („Monster") stellt in Berlin wieder eine der „unschönen" Rollen vor, die sich das Ex-Model gerne aussucht: In „Young Adult" spielt sie Marvis, die zweitrangige Ghostwriterin einer ehemals erfolgreiche Jugendserie, mitten in einer Lebenskrise. Deshalb zum alten, verhassten Heimatort auf, um sich wie ein dummer Teenager an den verheirateten Ex-Freund ranzumachen, der gerade ein Kind bekommen hat. „Young Adult" ist thematisch deutlich ein Film von Jason Reitman, im Stile seiner emotional klugen Erfolge „Thank you for smoking" (2005), „Juno" (2007) und „Up in the Air" (2007). Als Berlinale-Special eine nette Bereicherung des Festivals.
Berlinale 2012 Jayne Mansfield's Car (Billy Bob Thornton)
Russische Föderation, USA 2011 R: Billy Bob Thornton mit Billy Bob Thornton, Robert Duvall, John Hurt, Kevin Bacon, Robert Patrick 122 Min.
Rivalen
Die Vorstellung, dass sich auf dieser Berlinale der aktuelle (Brad Pitt) und der Ex (Billy Bob Thornton) von Angelina Jolie nachts auf einem dunklen Hotelgang begegnen, ist reizvoll. Denn nach der großen Jolie-Welle darf nun auch ihr Ex-Mann Thornton ran. Im Wettbewerb erzählt er mit „Jayne Mansfield's Car" von zwei alten Rivalen, die nach zwanzig Jahren zusammenkommen, um die Frau zu begraben, die mit beiden verheiratet war. Diese delikate Zufälligkeit dieser Berlinale ist jedoch nur Fußnote eines ebenso witzigen, bewegenden wie klugen Antikriegsfilms. (Und damit in einigen Punkten besser als Jolies „Land of Blood and Honey") Wenn 1969 im verknöcherten Südstaat Alabama die englische Familie des zweiten Gatten (John Hurt) auf die sehr seltsame, reiche Familie des ersten (Robert Duvall) trifft, sind auch drei Generationen US-Krieg dabei und Kevin Bacon spielt den Hippie-Außenseiter, der mit anderen bekifften Freunden gegen den Vietnamkrieg protestiert. Regisseur und Darsteller Thornton knüpft mit dieser satten Ladung Film an seinen Debüt-Erfolg „Sling Blade" (1996) an und reiht sich in die ersten Favoriten ein.
Rivalen
Die Vorstellung, dass sich auf dieser Berlinale der aktuelle (Brad Pitt) und der Ex (Billy Bob Thornton) von Angelina Jolie nachts auf einem dunklen Hotelgang begegnen, ist reizvoll. Denn nach der großen Jolie-Welle darf nun auch ihr Ex-Mann Thornton ran. Im Wettbewerb erzählt er mit „Jayne Mansfield's Car" von zwei alten Rivalen, die nach zwanzig Jahren zusammenkommen, um die Frau zu begraben, die mit beiden verheiratet war. Diese delikate Zufälligkeit dieser Berlinale ist jedoch nur Fußnote eines ebenso witzigen, bewegenden wie klugen Antikriegsfilms. (Und damit in einigen Punkten besser als Jolies „Land of Blood and Honey") Wenn 1969 im verknöcherten Südstaat Alabama die englische Familie des zweiten Gatten (John Hurt) auf die sehr seltsame, reiche Familie des ersten (Robert Duvall) trifft, sind auch drei Generationen US-Krieg dabei und Kevin Bacon spielt den Hippie-Außenseiter, der mit anderen bekifften Freunden gegen den Vietnamkrieg protestiert. Regisseur und Darsteller Thornton knüpft mit dieser satten Ladung Film an seinen Debüt-Erfolg „Sling Blade" (1996) an und reiht sich in die ersten Favoriten ein.
Berlinale 2012 Die Blumen des Krieges (R: Zhang Yimou)
Volksrepublik China 2011 (Jin líng Shi San Chai | The Flowers Of War) R: Zhang Yimou mit Christian Bale, Ni Ni, Atsuro Watabe 141 Min.
Christian Bale („Batman") ist das westliche Aushängeschild in einem chinesisch staatstragenden Epos von Zhang Yimou, früher angesehener Regisseur für künstlerische Filme wie „Rotes Kornfeld" oder „Die Rote Laterne". Sein neuer, aufwendig produzierter Beitrag (außer Konkurrenz) ist so verquer wie der Titel „Die Blumen des Krieges": Bei der japanischen Besetzung Nankings im Jahre 1937, die 200.000 Leben forderte werden in einer Kirche sowohl chinesische Missions-Schülerinnen als auch eine Gruppe Prostituierter eingeschlossen. Ein amerikanischer Abenteurer (Bale), der eigentlich nur auf Geld, Suff und Sex aus ist, entwickelt sich zum heldenhaften Retter der gemischten Truppe. Das kennt der deutsche Kinogänger vielleicht von „John Rabe", einem ebensolchen Heldenepos in der gleichen historischen Situation mit seltsamen Schwerpunkten (ein Nazi als Retter der Stadt). Zhang Yimou setzt das mit berauschender Ästhetik um, Blutstropfen fliegen in Superzeitlupe herum. Wie jedoch der Schrecken des Krieges problemlos für lustige oder emotionale Momente abgestellt werden kann, wirkt eher geschmacklos. Das hervorragende Kunsthandwerk bei diesem für den Export nett eingepackten Stück Nationalmythos kann dies nicht übertünchen.
Christian Bale („Batman") ist das westliche Aushängeschild in einem chinesisch staatstragenden Epos von Zhang Yimou, früher angesehener Regisseur für künstlerische Filme wie „Rotes Kornfeld" oder „Die Rote Laterne". Sein neuer, aufwendig produzierter Beitrag (außer Konkurrenz) ist so verquer wie der Titel „Die Blumen des Krieges": Bei der japanischen Besetzung Nankings im Jahre 1937, die 200.000 Leben forderte werden in einer Kirche sowohl chinesische Missions-Schülerinnen als auch eine Gruppe Prostituierter eingeschlossen. Ein amerikanischer Abenteurer (Bale), der eigentlich nur auf Geld, Suff und Sex aus ist, entwickelt sich zum heldenhaften Retter der gemischten Truppe. Das kennt der deutsche Kinogänger vielleicht von „John Rabe", einem ebensolchen Heldenepos in der gleichen historischen Situation mit seltsamen Schwerpunkten (ein Nazi als Retter der Stadt). Zhang Yimou setzt das mit berauschender Ästhetik um, Blutstropfen fliegen in Superzeitlupe herum. Wie jedoch der Schrecken des Krieges problemlos für lustige oder emotionale Momente abgestellt werden kann, wirkt eher geschmacklos. Das hervorragende Kunsthandwerk bei diesem für den Export nett eingepackten Stück Nationalmythos kann dies nicht übertünchen.
Gefährten
USA, 2011 (War Horse) Regie: Steven Spielberg mit Emily Watson (Rosie Narracott), David Thewlis (Lyons), Peter Mullan (Ted Narracott), Niels Arestrup 147 Min. FSK ab 12
Unter Pferden geht der Spruch, man habe schon Kritiker kotzen gesehen. Nun wollen wir nicht polemisch werden - oder vielleicht doch... Steven Spielbergs neuer Film kommt anfangs als irische Pferde-Oper ohne viele Worte angetrabt. Emily Watson ist die resolute Mutter auf der kleinen Farm, deren Miete bald nicht mehr bezahlt werden kann. (Und die öfters sehr künstlich nach Studio aussieht.) Noch beim Zähmen des im alten Streit zwischen Reich und Arm für viel zu viel ersteigerten Gauls springt ein Gedanke aus dem Bild: Das ist langweilig! Trotz scheckisch lustiger Einsprengsel wie dem besoffenen Hinkebein und Farmbesitzer Ted (Peter Mullan), der sich mit einer Gans sowie der Peter & der Wolf-Musik auseinander setzen muss. Bei so viel Muße und Spaß wundert es nicht, dass Geld für die Pacht fehlt. Doch bald kulminiert der Sozialkampf zwischen dem fiesen reichen Landbesitzer (David Thewlis), der Auto fährt und die Armen verspottet, in einer Wette: Des Farmers Sohn und bester Freund des Joey genannten Pferdes sichert den Erhalt des Hauses beim fristgerechten Pflügen eines extrem steinigen Ackers.
Wie es auf der kleinen Farm weitergeht, wissen wir nicht, denn „Gefährten" ist die Geschichte des Pferdes, die im gleichnamigen Roman von Michael Morpurgo tatsächlich vom Pferd erzählt wird. Ja, und auch im Theaterstück, das es später gab. So kassiert mit Ausbruch des 1. Weltkrieges die Armee den Gaul ein, freudige Reitersleute bereiten sich in fescher Uniform auf sportlichen Spaß vor und werden brutal niedergemetzelt. Nicht so wie in Spielbergs „Private Ryan", denn dies ist ein Film für Fohlen ab 12 gemäß FSK (Fohlen-Schutz-Kommission). Hier fallen Gegner wie Indianer im Western - ohne einen Tropfen Blut. Die Falle schnappt trotzdem zu, das Pferd gerät in Kriegsgefangenschaft, zusammen mit neuer Liebe, dem schwarzen Reittier des Truppenführers. Jetzt wäre ein guter Zeitpunkt zu desertieren - aus diesem Film. Doch bei Resistance und Kollaboration erleben sie auf acht Hufen so Einiges im immer mehr kriegszerfurchten Europa. Die Menschen auf oder an ihnen bleiben meist auf der Strecke, unter anderem auch David Kross als deutscher Soldat Gunter. Dabei kommt Spaß wieder nicht zu kurz, wenn dieser bei der Rettung seines kleinen Bruders eine ganze Marschkolonne umkegelt. War doch nicht alles schlecht damals...
Dass Spielberg dieses lauwarme Hufeisen angefasst hat, kann man sich nur erklären, weil dieser Gaul irgendwie wie E.T. ist: Nach Hause galoppieren... Denn eindeutig liegt der Fokus falsch. Man bangt nicht wirklich um die Pferde, und währenddessen gehen bei der Schindmähren-Odyssee die menschlichen Protagonisten verloren. Verkörpert von großartigen Schauspielern, die wegen eines Pferdes zu kurz kommen. Aber man lernt, Pferde sind eindeutig die besseren Menschen. Nur eine Szene vermittelt eine Ahnung vom Wahnsinn auch dieses Krieges, ein unglaublicher und schmerzlicher Ritt durch Laufgräben, über Panzer und durch Stacheldraht. Eine große und grausame Szene, die Spielberg würdig ist. Doch das reicht nicht. Vor allem weil gleich danach im üblen Kitsch das als Stacheldraht-Roulade eingewickelte Pferd zur Völkerverständigung zwischen den Schützengräben dient. Dann finden sich alle wieder und sind so ergriffen, dass man den Waffenstillstand von Compiègne beschloss. Albert und Joey pflügten glücklich bis an ihr Lebensende. Am Ende ist das Abendrot künstlich wie bei amerikanischen oder irischen Western von John Ford. „Megakitsch" denkt sich das Pferd und aus Trotz umarmt es als einziger niemand anders.
Unter Pferden geht der Spruch, man habe schon Kritiker kotzen gesehen. Nun wollen wir nicht polemisch werden - oder vielleicht doch... Steven Spielbergs neuer Film kommt anfangs als irische Pferde-Oper ohne viele Worte angetrabt. Emily Watson ist die resolute Mutter auf der kleinen Farm, deren Miete bald nicht mehr bezahlt werden kann. (Und die öfters sehr künstlich nach Studio aussieht.) Noch beim Zähmen des im alten Streit zwischen Reich und Arm für viel zu viel ersteigerten Gauls springt ein Gedanke aus dem Bild: Das ist langweilig! Trotz scheckisch lustiger Einsprengsel wie dem besoffenen Hinkebein und Farmbesitzer Ted (Peter Mullan), der sich mit einer Gans sowie der Peter & der Wolf-Musik auseinander setzen muss. Bei so viel Muße und Spaß wundert es nicht, dass Geld für die Pacht fehlt. Doch bald kulminiert der Sozialkampf zwischen dem fiesen reichen Landbesitzer (David Thewlis), der Auto fährt und die Armen verspottet, in einer Wette: Des Farmers Sohn und bester Freund des Joey genannten Pferdes sichert den Erhalt des Hauses beim fristgerechten Pflügen eines extrem steinigen Ackers.
Wie es auf der kleinen Farm weitergeht, wissen wir nicht, denn „Gefährten" ist die Geschichte des Pferdes, die im gleichnamigen Roman von Michael Morpurgo tatsächlich vom Pferd erzählt wird. Ja, und auch im Theaterstück, das es später gab. So kassiert mit Ausbruch des 1. Weltkrieges die Armee den Gaul ein, freudige Reitersleute bereiten sich in fescher Uniform auf sportlichen Spaß vor und werden brutal niedergemetzelt. Nicht so wie in Spielbergs „Private Ryan", denn dies ist ein Film für Fohlen ab 12 gemäß FSK (Fohlen-Schutz-Kommission). Hier fallen Gegner wie Indianer im Western - ohne einen Tropfen Blut. Die Falle schnappt trotzdem zu, das Pferd gerät in Kriegsgefangenschaft, zusammen mit neuer Liebe, dem schwarzen Reittier des Truppenführers. Jetzt wäre ein guter Zeitpunkt zu desertieren - aus diesem Film. Doch bei Resistance und Kollaboration erleben sie auf acht Hufen so Einiges im immer mehr kriegszerfurchten Europa. Die Menschen auf oder an ihnen bleiben meist auf der Strecke, unter anderem auch David Kross als deutscher Soldat Gunter. Dabei kommt Spaß wieder nicht zu kurz, wenn dieser bei der Rettung seines kleinen Bruders eine ganze Marschkolonne umkegelt. War doch nicht alles schlecht damals...
Dass Spielberg dieses lauwarme Hufeisen angefasst hat, kann man sich nur erklären, weil dieser Gaul irgendwie wie E.T. ist: Nach Hause galoppieren... Denn eindeutig liegt der Fokus falsch. Man bangt nicht wirklich um die Pferde, und währenddessen gehen bei der Schindmähren-Odyssee die menschlichen Protagonisten verloren. Verkörpert von großartigen Schauspielern, die wegen eines Pferdes zu kurz kommen. Aber man lernt, Pferde sind eindeutig die besseren Menschen. Nur eine Szene vermittelt eine Ahnung vom Wahnsinn auch dieses Krieges, ein unglaublicher und schmerzlicher Ritt durch Laufgräben, über Panzer und durch Stacheldraht. Eine große und grausame Szene, die Spielberg würdig ist. Doch das reicht nicht. Vor allem weil gleich danach im üblen Kitsch das als Stacheldraht-Roulade eingewickelte Pferd zur Völkerverständigung zwischen den Schützengräben dient. Dann finden sich alle wieder und sind so ergriffen, dass man den Waffenstillstand von Compiègne beschloss. Albert und Joey pflügten glücklich bis an ihr Lebensende. Am Ende ist das Abendrot künstlich wie bei amerikanischen oder irischen Western von John Ford. „Megakitsch" denkt sich das Pferd und aus Trotz umarmt es als einziger niemand anders.
12.2.12
Berlinale 2012 Shadow Dancer
Großbritannien, Irland 2012 R: James Marsh mit Clive Owen, Andrea Riseborough, Gillian Anderson, Aidan Gillem 100 Min.
Da fragte doch ein Kollege, was er mit dieser Geschichte von V-Frauen und Verrätern anfangen solle, die 1993 in Belfast, in der Endphase des nordirischen Widerstands gegen die britischen Besatzer spielt. Vielleicht wird sich in 20 Jahren, wenn ein Spielfilm die Hintergründe der Zwickauer Zelle und die Beteiligung vom Verfassungsschutz ausleuchtet, zeigen, das wohl alle diese Geheim- und Sicherheits-Dienste skrupellose mit Menschen spielen und sie auch ohne Zögern opfern. Der spannende und raffinierte Thriller „Shadow Dancer" setzt nebenbei die Berlinale-Reihe von Macht- und Zwangsverhältnissen zwischen Männer und Frauen (nach „Land of Blood and Honey" und „Barbara") fort, lässt allerdings jemand anders am Ende den letzten Zug machen. Ach ja, und endlich wissen wir auch, das Scully das FBI verlassen hat, weil Clive Owen bei den britischen Kollegen frischer aussieht als Duchovny.
Im Belfast des Jahres 1973 ist schnell klar, das wird keine nette Geschichte. Und das Rauchen tödlich ist: Der Vater schickt Collette zum Zigaretten holen, sie leitet den ungeliebten Auftrag an den Bruder weiter, der kurz darauf erschossen in die Wohnung zurück getragen wird. Alltag im sogenannten „Bürgerkrieg" der englischen Armee gegen IRA und die katholische Bevölkerung Nordirlands. Zwanzig Jahre später wird Collette (Andrea Riseborough) erwischt, als sie in der London Tube eine Bombe platzieren will. Ein sehr verständnisvoller Agent namens Mac (Clive Owen) bietet ihr an, den nicht zum Waffenstillstand bereiten IRA-Kämpfer Gerry auszuspionieren. Ansonsten drohe ihr Knast und Trennung von dem kleinen Sohn. Und außerdem hätte sie die Bombe ja gar nicht scharf gemacht, das würde viel verraten. Die junge Frau nimmt an, obwohl es ihr Todesurteil sein kann. Und tatsächlich scheint sie mit dem ersten Verrat, der ein Attentat verhindert, von den Engländern zum Abschuss freigegeben zu sein. Auch Mac wurde von seiner Chefin („Scully" Gillian Anderson) verraten und versucht, „seine" Spionin zu retten. Nach einem Kuss von Collette gibt er ihr alles preis....
Es gibt nicht nur ein Wiedersehen mit einer blondierten Gillian Anderson, eindrucksvoller ist der Auftritt von Andrea Riseborough, die als Wally in Madonnas „W.E." einen guten Auftritt in unglücklicher Umgebung hatte (der Film ist wirklich nicht gelungen). Nicht mehr glamourös, sondern verschlossen und getrieben kann sie mit ihrem Gesicht die Zwänge der mehrfachen Zwickmühle widerspiegeln. Während Collette jeden Moment der Freude bei ihrem Sohn genießt (den ihr Bruder nicht mehr haben konnte!), kapieren all die Männer nicht, dass es etwas anderes gibt als den Job, zu morden. Doch der Sicherheits-Chef dieser IRA-Abteilung (Henker kann man nicht sagen, da hier alle Blut an den Händen haben) verdächtigt sie, die Plastikplane ist beim Verhör schon ausgelegt und in einer spannenden Parallel-Suche recherchiert Mac in den bürokratisch korrekten Gehaltsabrechnungen nach dem einen Verräter, dessen Entdeckung die Entdeckung von Collette in einem großen Bluff verhindern soll. Dies ist allerdings nicht die letzte Volte des raffinierten Drehbuchs.
Da fragte doch ein Kollege, was er mit dieser Geschichte von V-Frauen und Verrätern anfangen solle, die 1993 in Belfast, in der Endphase des nordirischen Widerstands gegen die britischen Besatzer spielt. Vielleicht wird sich in 20 Jahren, wenn ein Spielfilm die Hintergründe der Zwickauer Zelle und die Beteiligung vom Verfassungsschutz ausleuchtet, zeigen, das wohl alle diese Geheim- und Sicherheits-Dienste skrupellose mit Menschen spielen und sie auch ohne Zögern opfern. Der spannende und raffinierte Thriller „Shadow Dancer" setzt nebenbei die Berlinale-Reihe von Macht- und Zwangsverhältnissen zwischen Männer und Frauen (nach „Land of Blood and Honey" und „Barbara") fort, lässt allerdings jemand anders am Ende den letzten Zug machen. Ach ja, und endlich wissen wir auch, das Scully das FBI verlassen hat, weil Clive Owen bei den britischen Kollegen frischer aussieht als Duchovny.
Im Belfast des Jahres 1973 ist schnell klar, das wird keine nette Geschichte. Und das Rauchen tödlich ist: Der Vater schickt Collette zum Zigaretten holen, sie leitet den ungeliebten Auftrag an den Bruder weiter, der kurz darauf erschossen in die Wohnung zurück getragen wird. Alltag im sogenannten „Bürgerkrieg" der englischen Armee gegen IRA und die katholische Bevölkerung Nordirlands. Zwanzig Jahre später wird Collette (Andrea Riseborough) erwischt, als sie in der London Tube eine Bombe platzieren will. Ein sehr verständnisvoller Agent namens Mac (Clive Owen) bietet ihr an, den nicht zum Waffenstillstand bereiten IRA-Kämpfer Gerry auszuspionieren. Ansonsten drohe ihr Knast und Trennung von dem kleinen Sohn. Und außerdem hätte sie die Bombe ja gar nicht scharf gemacht, das würde viel verraten. Die junge Frau nimmt an, obwohl es ihr Todesurteil sein kann. Und tatsächlich scheint sie mit dem ersten Verrat, der ein Attentat verhindert, von den Engländern zum Abschuss freigegeben zu sein. Auch Mac wurde von seiner Chefin („Scully" Gillian Anderson) verraten und versucht, „seine" Spionin zu retten. Nach einem Kuss von Collette gibt er ihr alles preis....
Es gibt nicht nur ein Wiedersehen mit einer blondierten Gillian Anderson, eindrucksvoller ist der Auftritt von Andrea Riseborough, die als Wally in Madonnas „W.E." einen guten Auftritt in unglücklicher Umgebung hatte (der Film ist wirklich nicht gelungen). Nicht mehr glamourös, sondern verschlossen und getrieben kann sie mit ihrem Gesicht die Zwänge der mehrfachen Zwickmühle widerspiegeln. Während Collette jeden Moment der Freude bei ihrem Sohn genießt (den ihr Bruder nicht mehr haben konnte!), kapieren all die Männer nicht, dass es etwas anderes gibt als den Job, zu morden. Doch der Sicherheits-Chef dieser IRA-Abteilung (Henker kann man nicht sagen, da hier alle Blut an den Händen haben) verdächtigt sie, die Plastikplane ist beim Verhör schon ausgelegt und in einer spannenden Parallel-Suche recherchiert Mac in den bürokratisch korrekten Gehaltsabrechnungen nach dem einen Verräter, dessen Entdeckung die Entdeckung von Collette in einem großen Bluff verhindern soll. Dies ist allerdings nicht die letzte Volte des raffinierten Drehbuchs.
Berlinale 2012 I, Anna (Barnaby Southcombe)
Großbritannien, BRD, Frankreich 2012 Regie: Barnaby Southcombe mit Charlotte Rampling, Gabriel Byrne, Hayley Atwell, Eddie Marsan 93 Min.
Kann man sich Charlotte Rampling auf einem Single-Treff vorstellen? Ja, das ehemalige Model traut sich eine nicht vorteilhafte Alters-Rolle zu und ermöglich in dem atmosphärisch dichten Thriller „I, Anna" eine gute Überraschung.
Verwirrt sieht die elegante Dame in der Telefonzelle aus. Der fast ausgestorbene Kommunikations-Kubus sorgt seinerseits für Irritation bei der zeitlichen Einordnung der Szene. Später wird Anna am Ende einer bewegten Nacht in einem Hochhaus auf einen müden Polizist treffen. Es juckt sie etwas unter dem Gipsarm und im Gewissen. Insgesamt gibt es einen Toten und drei Menschen, die ein schlechtes Gewissen haben sowie den schlaflosen Londoner Kommissar, der erst mal seinen Trieben folgt, dabei aber doch auf der richtigen Spur ist.
Dabei schwelgt der Film mit exzellenter Kamera in Einsamkeit, blassen Gesichtern, einem kalten London. Gabriel Byrne ist als Kommissar sehr glaubwürdig unsicher. Still ohne jedes Machogehabe, das macht ihn reizvoll für die Frauen.
Ein netter Genrefilm, aber keine Festival-Sensation. „I, Anna" hat einen deutschen Verleih, aber noch keine Starttermin. Irgendwas hat die Filmförderung Schleswig-Holstein auch dazu getan, sehen tut man es nicht.
Kann man sich Charlotte Rampling auf einem Single-Treff vorstellen? Ja, das ehemalige Model traut sich eine nicht vorteilhafte Alters-Rolle zu und ermöglich in dem atmosphärisch dichten Thriller „I, Anna" eine gute Überraschung.
Verwirrt sieht die elegante Dame in der Telefonzelle aus. Der fast ausgestorbene Kommunikations-Kubus sorgt seinerseits für Irritation bei der zeitlichen Einordnung der Szene. Später wird Anna am Ende einer bewegten Nacht in einem Hochhaus auf einen müden Polizist treffen. Es juckt sie etwas unter dem Gipsarm und im Gewissen. Insgesamt gibt es einen Toten und drei Menschen, die ein schlechtes Gewissen haben sowie den schlaflosen Londoner Kommissar, der erst mal seinen Trieben folgt, dabei aber doch auf der richtigen Spur ist.
Dabei schwelgt der Film mit exzellenter Kamera in Einsamkeit, blassen Gesichtern, einem kalten London. Gabriel Byrne ist als Kommissar sehr glaubwürdig unsicher. Still ohne jedes Machogehabe, das macht ihn reizvoll für die Frauen.
Ein netter Genrefilm, aber keine Festival-Sensation. „I, Anna" hat einen deutschen Verleih, aber noch keine Starttermin. Irgendwas hat die Filmförderung Schleswig-Holstein auch dazu getan, sehen tut man es nicht.
Berlinale 2012 Der Briefkasten
Ein lang Abwesender darf endlich wieder auf der Berlinale sein: Der Briefkasten vor der Berlinale-Palast! In den vergangenen Jahren klaffte an seiner Stelle nur Leere. Auch der Müll fand rund um den Roten Teppich seine Tonne nicht mehr - aus Sicherheitsgründen. Während in diesem Jahr hauptsächlich Besucher mit Absperrungen zu langen Wanderungen bewegt werden, freut man sich trotzdem über dies Zeichen von Normalität. „9/11" taucht zwar noch in Filmen wie „Captive" oder „Extrem laut und unglaublich nah" auf, doch auch wenn Berlinale ist, darf man nun wieder Briefe verschicken!
Berlinale 2012 Captive (Brillante Mendoza)
Frankreich, Philippinen, BRD, Großbritannien 2011 mit Isabelle Huppert, Katherine Mulville, Marc Zanetta, Maria Isabel Lopez, Rustica Carpio 120 Min.
Die Huppert schreit im Dschungel rum
Die Huppert schreit im Dschungel rum
Der französische Star Isabelle Huppert spielt in dem Geiseldrama „Captive" von Brillante Mendoza eine Missionarin, die mit anderen Ausländern und Philippinos über ein Jahr lang von der islamistischen Abu Sayyaf-Widerstandsgruppe gefangen gehalten wurde. Dabei ist die dauernd schreiende und kreischende Huppert eine anstrengende Fehlbesetzung in dem ausgewogen gestalteten Wettbewerbs-Drama, das nicht auf Spannung sondern auf viele kleine Details während der konstanten Flucht durch den Dschungel setzt.
Der Philippine Brillante Mendoza macht seinem Vornamen alle Ehre und gehört zu den angesagtesten Regisseuren der Welt. 2009 erhielt sein erschreckend brutaler Film „Kinatay" den Preis für Beste Regie Best in Cannes.
Berlinale 2012 Cesare deve morire (Paolo und Vittorio Taviani)
Die Tavianis und die „Schweren Jungs"
Eine Menge Lebenswerk-Begeisterung ernteten im Berlinale-Palast die italienischen Regie-Brüder Taviani, die man nach Welterfolgen wie „Kaos" in den Siebzigern und Achtzigern eher im Filmmuseum als im Festivalalltag vermutet. Die über 80-jährigen Paolo und Vittorio zeigten im Wettbewerb mit „Cesare deve morire" ein klassisches Stück Agitprop: Italienische Schwerverbrecher inszenieren im Hochsicherheitstrakt der römischen Strafanstalt Rebibbia Shakespeares „Julius Cäsar" und spielen sich selbst, während sie sich selber spielen. Durch die eindrucksvollen Physiognomien der groben Kerle mit ihren regionalen Dialekten ist diese altmodische „scripted reality" nett anzusehen, aber sie bleibt inszeniert und nur kurze Seitenblicke auf vier fehlende Finger an einer Hand lassen schaurig ahnen, was für monströse Geschichten diese oft zu lebenslänglich verurteilten Kerle wirklich erzählen könnten.
Berlinale 2012 Marley
Marley
Großbritannien, USA 2011 R: Kevin Macdonald 144 Min.
Der Schotte Kevin Macdonald erzählt in mehr als zwei packenden Stunden das Leben der Reggea-Legende Bob Marley. Obwohl aus Marleys Jugend in ärmsten Verhältnissen auf Jamaika kaum Dokumente existieren, schafft es der Regisseur vom „Last King of Scotland" und Cutter der You-Tube-Kompilation „Life in a Day" mit vielen originellen Geschichten ein ambivalentes Bild des weltweit verehrten Musikers zu zeichnen. Dabei müssen die Hits wie „One Love" oder „No woman, no cry" gar nicht ausgespielt werden, ebenso faszinierend wie der musikalische Siegeszug eines von allen Seiten verachteten Mischlings - „German Boy" nannte man den Weißhäutigen - ist die religiöse Komponente des Rastafari und die persönliche eines Mannes, der immer behauptete, keinen Ehrgeiz zu haben, aber seine elf Kinder von sieben Frauen beim Wettrennen immer schlagen musste.
Macdonald feiert die Premiere des Films in Berlin während seine Frau Tatiana am gleichen Abend in London den Britischen Filmpreis für das beste Produktions-Design erhält.
Großbritannien, USA 2011 R: Kevin Macdonald 144 Min.
Der Schotte Kevin Macdonald erzählt in mehr als zwei packenden Stunden das Leben der Reggea-Legende Bob Marley. Obwohl aus Marleys Jugend in ärmsten Verhältnissen auf Jamaika kaum Dokumente existieren, schafft es der Regisseur vom „Last King of Scotland" und Cutter der You-Tube-Kompilation „Life in a Day" mit vielen originellen Geschichten ein ambivalentes Bild des weltweit verehrten Musikers zu zeichnen. Dabei müssen die Hits wie „One Love" oder „No woman, no cry" gar nicht ausgespielt werden, ebenso faszinierend wie der musikalische Siegeszug eines von allen Seiten verachteten Mischlings - „German Boy" nannte man den Weißhäutigen - ist die religiöse Komponente des Rastafari und die persönliche eines Mannes, der immer behauptete, keinen Ehrgeiz zu haben, aber seine elf Kinder von sieben Frauen beim Wettrennen immer schlagen musste.
Macdonald feiert die Premiere des Films in Berlin während seine Frau Tatiana am gleichen Abend in London den Britischen Filmpreis für das beste Produktions-Design erhält.
11.2.12
Berlinale 2012 - Barbara
BRD 2012 Regie: Christian Petzold mit Nina Hoss, Ronald Zehrfeld, Rainer Bock, Christiana Hecke 105 Min.
Christian Petzold ist wieder im Wettbewerb und mehr als je zuvor kann er mit seiner exakten Erzählweise fesseln. Nina Hoss spielt wieder die Hauptrolle, diesmal als „Barabara", eine hervorragende ostdeutsche Ärztin, die Anfang der 80er aus Berlin in die Provinz strafversetzt wird, weil sie einen Ausreiseantrag gestellt hat.
Dabei ist nicht die Spannung, ob Barbara die Westflucht schafft, das Fesselnde. Den DDR-Zustand von Überwachung und Erniedrigung zu beobachten, ist so packend, dass man Barbara gar nicht unbedingt wünscht, sie könne dem Stasi-Regime entkommen.
Der Klinik-Chef Dr. Reiser (André ist sein Vorname, aber man darf bei Petzold sicher auch Anton Reiser denken) beobachtet sie seit ihrer Ankunft amüsiert und interessiert. Sie schmollt eigensinnig, die neue Ärztin aus der Berliner Vorzeige-Klinik Charité. Darf sie auch und es wäre komisch, wenn dieser Staatsterror nicht so mörderisch ernst wäre: Barabara Wolf (heißt ironischerweise wie eine heilige Märthyrerin und wie der Geheimdienst-Chef Markus Wolf) ist in die Provinz versetzt worden, weil sie einen Ausreiseantrag gestellt hat. Haft gab es vorher, die Arbeiter und Bauern hätten ihr ja schließlich das Studium bezahlt, jetzt solle sie sich in der DDR dafür revangieren.
Mit einer enormen Detailgenauigkeit haben Petzold und sein Team die DDR rekonstruiert, auch die besonders schäbige Wohnung, die der Staat Barbara zugewiesen hat. Sie selbst mit ihrem roten Schminkkoffer fällt aus der farblosen Tristesse heraus, ganz wie ihre Strümpfe und die Zigaretten aus dem Westen, das Auftreten, das sicher nicht nur in der Provinz als arrogant gesehen werden kann. Die langen Beine, die sie gern zeigt und die Dr. Reiser nicht entgehen.
Die Sprache ist im Sezieren der Verhältnisse extrem exakt: Im Gespräch mit Dr. Reiser in dessen Auto – ihr Verdacht, er beobachte sie für die Stasi ist immer dabei – wundert Barabara sich über die Morphium-Spritze für die tödlich am Krebs erkrankte Frau des Stasi-Offiziers: „Machen sie das öfter?" „Das Sterben erleichtern?" „Arschlöchern helfen?" „ Wenn sie krank sind, ja."
Knapper kann man nicht zusammenfassen, wieso sich Reiser in seiner kleinen privaten Zelle mit Gartenkräutern arrangiert hat. Dagegen steht das Entsetzen als Barabaras Liebhaber aus Westdeutschland meint, er würde für sie auch in den Osten ziehen: „Hier kann man nicht glücklich werden!"
Barbara sucht auch hier die eigene Freiheit m dem Fahrrad, doch immer wenn sie der Kontrolle der Stasi und den Blicken der Nachbarn oder Kollegen entkommt, folgt eine brutale Wohnungsdurchsuchung bis in den Intimbereich der Körperöffnungen. Systematisch soll die Ausbreitung einer Persönlichkeit zerstört werden, bis zu den Fahrradreifen, die Barbara zerstochen auffindet. Der so erzwungene Marsch macht ihr die schicken hohen Schuhe zur blutigen Qual.
In einem zufälligen Treffen mit einer anderen Geliebten eines Westlers, wird die emotionale Beziehung typisch Petzold auf die reine Ökonomie reduziert: Die abschreckende Steffi mit der dicken Warze im Gesicht ist nur auf Bezahlung aus und sucht sich im Katalog den passenden Schmuck.
Verschiedene Kunstwerke spiegeln die Situation Barbaras: Rembrandts „Die Anatomie des Dr. Tulp" erzählt etwas über die Perspektive auf das und vom Mitleid mit dem Opfer. (Der Film zeigt fast ausschließtlich Barabara Sicht.) Die von Reiser zusammengefasste Erzählung „Der Kreisarzt" des russischen Schriftstellers Iwan Sergejewitsch Turgenjew (aus der Sammlung von Erzählungen „Aufzeichnungen eines Jägers") bringt die Idee eines Opfers für ein todgeweihtes Mädchen ins Spiel.
Denn mit der aus dem Jugendlager Thorgau entflohenen und in die Klinik eingewiesenen Stella, die rebellisch wie Barbara ist, versteckt sich noch jemand in der Natur. Durch Stella meldet sich später die Dramaturgie etwas lauter im Film zurück und verlangt eine Entscheidung Leben gegen Leben. Bis zum offenen Ende – immerhin noch in der Provinz. Barbara macht ihrem Namen alle Ehre. Die Band Chic kommentiert „At last I am free" (endlich bin ich frei) beim Abspann.
7.2.12
Star Wars: Episode 1 - Die dunkle Bedrohung 3D
USA 1999 (Star Wars - Episode 1 - The Phantom Menace) Regie: George Lucas mit Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman 133 Min. FSK ab 6
„Star Wars" wieder- oder ganz aufgeregt zum ersten Mal sehen? Das ist hier die entscheidende Frage, weniger 3D oder Nicht-3D. Die doppelte „Star Wars"-Trilogie wurde erstmals 1977-1983 (Episoden IV-VI) und 1999-2005 (Episoden I-III) gezeigt. Das Sixpack für Science Fiction-Anhänger geht nun in eine neue Verwertungsrunde in 3D, neu für die Kids, die seit 2003 mit den animierten „Clone Wars" im TV-Programm aufwuchsen. Die Altersgrenze für den Film wurde sehr optimistisch auf 6 runtergeschraubt. Spätestens bei der „Episode 3 3D" in wahrscheinlich zwei Jahren würde das viele Traumata verursachen, wenn Anakin grausam und ausführlich zu Darth Vader verkohlt. Außerdem ist fraglich, ob diese Fixierung auf 3D gerade bei jungem Publikum sinnvoll ist, da gerade diese Klientel über Probleme mit 3D klagt und immer mehr Kinderfilme deshalb auch in 2D angeboten werden.
Die Handlung bietet also keine Überraschung: Die Jedi-Ritter Qui-Gon Jinn (Liam Neeson) und Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) sollen bei einer Blockade vermitteln, die eine geldgierige Handelsföderation gegen den Planeten Naboo mit Gewalt aufrecht erhält. Doch ehe es zu Gesprächen kommt, bricht die Invasion über den Planeten mit seinen bescheiden bewaffneten Bewohnern herein. Den Jedi, die sich auf dem Planeten durchschlagen, nervt und hilft das seltsame Wesen Jar Jar Binks, ein Esel auf zwei Beinen, ein wibbeliger Pechvogel, der auch mit seinem rudimentären Sprachvermögen für Spaß sorgt. Gegen eine Übermacht von Pappkameraden aus Blech kann die Gemeinschaft nur die besorgte Herrscherin Amidala (Natalie Portman) in ein Raumschiff retten. Die Not- und Zwischenlandung auf Tatooine führt zu einer überraschenden Entdeckung, deren Folgen sich erst in den nächsten Episoden zeigen. Anakin Skywalker (Jake Lloyd), der kleine Sklave eines Schrotthändlers zeigt nicht nur technisch erstaunliche Fähigkeiten. Allen ist ziemlich schnell klar, dass hier jemand "die Macht" in sich trägt.
Bei den Filmen der zweiten „Star Wars"-Serie war schon immer das Videogame, sprich: Computerspiel, mitgedacht worden. Von dort aus ist es ein kleiner Schritt, die (Tiefen-) Effekte, des zur Spielvorlage verkommenen Spielfilms auch tatsächlich in dem schon vorgefühlten 3D zu realisieren. Ein kleiner Schritt für die Visionen von Lucas, aber viel Arbeit für die Rechner der Skywalker Ranch, dem Studio des dunklen Herrschers über dieses Film-Imperium. Bild für Bild wurde die 3D-Illusion von Industrial Light & Magic (ILM) geschaffen, der Technik-Schmiede, die schon viele Innovationen für den Film entwickelte. Dabei entschied sich Lucas dafür, nicht auf Gimmicks sondern auf realistische Raumtiefe zu setzen. Die größten Probleme machten dabei durchsichtige Objekte wie Lichtschwerter oder Hologramme. Überraschenderweise hatte der Film-Zauberer Lucas nicht mehr die digitalen Daten, mit denen 1999 die Tricks im digitalisieren Filmmaterial ausgeführt wurden. Jetzt musste alles also rekonstruiert werden.
Mehr als solche Details oder die bekannte Trivial-Handlung interessiert der Mechanismus der Wiederverwertung. Denn Star Wars (TM) ist nach der Bibel die größte Geldmaschine auf Basis einer Trivialstory. Die Werbetexte der Vermarkter sind vor lauter (TM) zwischen den Worten nicht lesbar. (TM) bedeutet Trademark, also Warenzeichen, Dollarzeichen hätte man auch hinmachen können. George Lucas, mit „THX 1138" und „American Graffiti" einst revolutionärer, junger Filmemacher recycelt seine drei original „Star Wars"-Filme nun seit Jahrzehnten, verlängerte sie mit den Episoden 1-3 in die Vergangenheit der Figuren und klebte mit den „Clone Wars" und den Lego-Versionen animierte Klone an sein SW-Universum, damit auch die Jüngsten Teil seines Imperiums werden. Ob jetzt 3D, die komplette Digitalisierung wie beim letzten Mal oder ein anderer technischer Schnickschnack als Grund der Wiederholung propagiert wird, bleibt dabei nebensächlich. Lustig wird es, wenn in zehn Jahren die Originalversion in echtem 2D die Sensation sein wird.
„Star Wars" wieder- oder ganz aufgeregt zum ersten Mal sehen? Das ist hier die entscheidende Frage, weniger 3D oder Nicht-3D. Die doppelte „Star Wars"-Trilogie wurde erstmals 1977-1983 (Episoden IV-VI) und 1999-2005 (Episoden I-III) gezeigt. Das Sixpack für Science Fiction-Anhänger geht nun in eine neue Verwertungsrunde in 3D, neu für die Kids, die seit 2003 mit den animierten „Clone Wars" im TV-Programm aufwuchsen. Die Altersgrenze für den Film wurde sehr optimistisch auf 6 runtergeschraubt. Spätestens bei der „Episode 3 3D" in wahrscheinlich zwei Jahren würde das viele Traumata verursachen, wenn Anakin grausam und ausführlich zu Darth Vader verkohlt. Außerdem ist fraglich, ob diese Fixierung auf 3D gerade bei jungem Publikum sinnvoll ist, da gerade diese Klientel über Probleme mit 3D klagt und immer mehr Kinderfilme deshalb auch in 2D angeboten werden.
Die Handlung bietet also keine Überraschung: Die Jedi-Ritter Qui-Gon Jinn (Liam Neeson) und Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) sollen bei einer Blockade vermitteln, die eine geldgierige Handelsföderation gegen den Planeten Naboo mit Gewalt aufrecht erhält. Doch ehe es zu Gesprächen kommt, bricht die Invasion über den Planeten mit seinen bescheiden bewaffneten Bewohnern herein. Den Jedi, die sich auf dem Planeten durchschlagen, nervt und hilft das seltsame Wesen Jar Jar Binks, ein Esel auf zwei Beinen, ein wibbeliger Pechvogel, der auch mit seinem rudimentären Sprachvermögen für Spaß sorgt. Gegen eine Übermacht von Pappkameraden aus Blech kann die Gemeinschaft nur die besorgte Herrscherin Amidala (Natalie Portman) in ein Raumschiff retten. Die Not- und Zwischenlandung auf Tatooine führt zu einer überraschenden Entdeckung, deren Folgen sich erst in den nächsten Episoden zeigen. Anakin Skywalker (Jake Lloyd), der kleine Sklave eines Schrotthändlers zeigt nicht nur technisch erstaunliche Fähigkeiten. Allen ist ziemlich schnell klar, dass hier jemand "die Macht" in sich trägt.
Bei den Filmen der zweiten „Star Wars"-Serie war schon immer das Videogame, sprich: Computerspiel, mitgedacht worden. Von dort aus ist es ein kleiner Schritt, die (Tiefen-) Effekte, des zur Spielvorlage verkommenen Spielfilms auch tatsächlich in dem schon vorgefühlten 3D zu realisieren. Ein kleiner Schritt für die Visionen von Lucas, aber viel Arbeit für die Rechner der Skywalker Ranch, dem Studio des dunklen Herrschers über dieses Film-Imperium. Bild für Bild wurde die 3D-Illusion von Industrial Light & Magic (ILM) geschaffen, der Technik-Schmiede, die schon viele Innovationen für den Film entwickelte. Dabei entschied sich Lucas dafür, nicht auf Gimmicks sondern auf realistische Raumtiefe zu setzen. Die größten Probleme machten dabei durchsichtige Objekte wie Lichtschwerter oder Hologramme. Überraschenderweise hatte der Film-Zauberer Lucas nicht mehr die digitalen Daten, mit denen 1999 die Tricks im digitalisieren Filmmaterial ausgeführt wurden. Jetzt musste alles also rekonstruiert werden.
Mehr als solche Details oder die bekannte Trivial-Handlung interessiert der Mechanismus der Wiederverwertung. Denn Star Wars (TM) ist nach der Bibel die größte Geldmaschine auf Basis einer Trivialstory. Die Werbetexte der Vermarkter sind vor lauter (TM) zwischen den Worten nicht lesbar. (TM) bedeutet Trademark, also Warenzeichen, Dollarzeichen hätte man auch hinmachen können. George Lucas, mit „THX 1138" und „American Graffiti" einst revolutionärer, junger Filmemacher recycelt seine drei original „Star Wars"-Filme nun seit Jahrzehnten, verlängerte sie mit den Episoden 1-3 in die Vergangenheit der Figuren und klebte mit den „Clone Wars" und den Lego-Versionen animierte Klone an sein SW-Universum, damit auch die Jüngsten Teil seines Imperiums werden. Ob jetzt 3D, die komplette Digitalisierung wie beim letzten Mal oder ein anderer technischer Schnickschnack als Grund der Wiederholung propagiert wird, bleibt dabei nebensächlich. Lustig wird es, wenn in zehn Jahren die Originalversion in echtem 2D die Sensation sein wird.
6.2.12
Hugo Cabret
USA 2011 (Hugo) Regie: Martin Scorsese mit Asa Butterfield, Sacha Baron Cohen, Ben Kingsley, Jude Law, Chloë Grace Moretz, Christopher Lee, Emily Mortimer, Ray Winstone, Helen McCrory 126 Min. FSK ab 6
Scorsese goes Amelie
Was für ein Magier! Unter dem Deckmantel einer wunderbar romantischen und sehr spannenden Kinder-Geschichte entführt uns der Zauberer Scorsese in die Zeit des Stummfilms und entdeckt den alten Meister George Méliès wieder, der tatsächlich bereits zu Lebzeiten vergessen wurde. So liegt die Verfilmung des Comic-Romans „Die Entdeckung des Hugo Cabret" von Brian Selznick voll im Trend von Cannes-Sieger „The Artist" und dem neuen Air-Album und „Le Voyage dans la Lune".
Der junge Waise Hugo (Asa Butterfield) repariert und lebt im temporären Räderwerk des emsigen Treibens zahlloser Menschen im Bahnhof Montparnasse der Dreißiger Jahre. Eigentlich hatte sein Onkel diesen Job, doch als der Trunkenbold verschwand, übernahm Hugo heimlich die Frickelarbeit, versteckt in den Lüftungskanälen und auf dem Dachboden, immer auf der Flucht vor dem hinkenden Bahnhofsaufseher (Sacha Baron „Borat" Cohen). Von seinem verunfallten Vater (Jude Law), dem Uhrmacher, übernahm der Junge auch einen Automaton, eine Mensch-Maschine wie E.T.A. Hoffmanns Olimpia oder wie Spielbergs Gigolo Joe (Jude Law) aus „A.I." - nur leider völlig verrostet. Bei der Restaurierung hilft ein altes Notizbuch, das eines Tages in die Hände des strengen Herrn vom Spielzeugladen (Ben Kingsley) fällt. Das Heft mit den Konstruktionszeichnungen enthält ein Geheimnis und ist ein Schlüssel, genau wie der darin abgebildete, herzförmige, der den Automaton zum Leben erwecken soll. Behilflich bei der Suche und bei den rasanten Fluchten vor dem Aufseher ist Isabelle (Chloë Grace Moretz, der Vampir aus „Let me in"!), die Geheimnisse wie Bücher liebt und den alten Mann vom Spielzeugladen Onkel nennt.
In dem herrlich romantischen und verspielten Kosmos des Bahnhofs gäbe es noch unzählige Menschen und Details zu entdecken. Wenn Hugo wieder einmal mit Taschen voller Unruhen und Zahnräder durch die Gänge rast und die Prothese von „Borat" klemmt, spielt nebenbei im Cafe Django Reinhardt den passend rasanten Gitarrenlauf. Solch Slapstick begleiten magische Momente und verliebte Paare überall, warm gezeichnete Blicke auf den Eifelturm, bei denen sich in Hugos Gesicht eine große Sehnsucht spiegelt.
Doch das Herz des Films über einen Jungen, dessen Bestimmung es ist, Dinge und Menschen zu reparieren, wird geschickt durch die Seitentür des längst schon traumhaften Filmglücks eingeschmuggelt: Hugos Entdeckung führt zu einer Liebeserklärung an das Stummfilm-Kino des Georges Méliès (1861 - 1938) und an alle Paris-Klischees. Raffiniert wird das Publikum entführt und darf dann hemmungslos in alten Szenen und deren, mit vielen modernen Tricks nachgestellten Entstehung schwelgen. So erleben wir mit dem Erfinder des filmischen Science-Fiction noch einmal „Die Reise zum Mond", diese berühmte Film-Ikone. Und wenn man völlig gefesselt und gerührt zuschaut, wie Kino-Träume gemacht werden, ist 3D als Fortsetzung der technischen Experimente vom Genie Méliès endlich mal sinnvoll. Das Traumland hinter der Bahnhofsuhr mit Rutschen und Leitern, hinter dem liebevollen Anstrich, der „Amelie" und „Micmacs" verbindet, führt in virtuelle Welten mit fantastischen Perspektiven. Bis zum Finale, in dem Hugo selbst wie Harold Lloyd in „Ausgerechnet Wolkenkratzer" (1923) in schwindelnder Höhe an den Zeigern einer Uhr hängt.
Apropos schwindelnd - während die Brüder Lumiere als Dokumentaristen gelten, ist Méliès der Fantastische - und Scorsese, den man getrost in dieser Reihe nennen darf, macht meisterlich beides. Er toppt „Ankunft eines Zuges in La Ciotat" (1895) von Lumiere in einer atemberaubenden Traumszene und ermöglicht den spannendsten und sicherlich erfolgreichsten Ausflug in die Filmgeschichte der Filmgeschichte. „Hugo Cabret" zeigt Scorsese selbst als Fotograf und ganz anders als in seinen Mafia-oder New York-Filmen. Aber wenn sich Hugo und Isabelle langsam dem Schlüssel dieses Rätsels nähern, wird klar, dass eigentlich nur Scorsese diese Hymne auf die Magie der ersten Filmjahre realisieren konnte.
Scorsese goes Amelie
Was für ein Magier! Unter dem Deckmantel einer wunderbar romantischen und sehr spannenden Kinder-Geschichte entführt uns der Zauberer Scorsese in die Zeit des Stummfilms und entdeckt den alten Meister George Méliès wieder, der tatsächlich bereits zu Lebzeiten vergessen wurde. So liegt die Verfilmung des Comic-Romans „Die Entdeckung des Hugo Cabret" von Brian Selznick voll im Trend von Cannes-Sieger „The Artist" und dem neuen Air-Album und „Le Voyage dans la Lune".
Der junge Waise Hugo (Asa Butterfield) repariert und lebt im temporären Räderwerk des emsigen Treibens zahlloser Menschen im Bahnhof Montparnasse der Dreißiger Jahre. Eigentlich hatte sein Onkel diesen Job, doch als der Trunkenbold verschwand, übernahm Hugo heimlich die Frickelarbeit, versteckt in den Lüftungskanälen und auf dem Dachboden, immer auf der Flucht vor dem hinkenden Bahnhofsaufseher (Sacha Baron „Borat" Cohen). Von seinem verunfallten Vater (Jude Law), dem Uhrmacher, übernahm der Junge auch einen Automaton, eine Mensch-Maschine wie E.T.A. Hoffmanns Olimpia oder wie Spielbergs Gigolo Joe (Jude Law) aus „A.I." - nur leider völlig verrostet. Bei der Restaurierung hilft ein altes Notizbuch, das eines Tages in die Hände des strengen Herrn vom Spielzeugladen (Ben Kingsley) fällt. Das Heft mit den Konstruktionszeichnungen enthält ein Geheimnis und ist ein Schlüssel, genau wie der darin abgebildete, herzförmige, der den Automaton zum Leben erwecken soll. Behilflich bei der Suche und bei den rasanten Fluchten vor dem Aufseher ist Isabelle (Chloë Grace Moretz, der Vampir aus „Let me in"!), die Geheimnisse wie Bücher liebt und den alten Mann vom Spielzeugladen Onkel nennt.
In dem herrlich romantischen und verspielten Kosmos des Bahnhofs gäbe es noch unzählige Menschen und Details zu entdecken. Wenn Hugo wieder einmal mit Taschen voller Unruhen und Zahnräder durch die Gänge rast und die Prothese von „Borat" klemmt, spielt nebenbei im Cafe Django Reinhardt den passend rasanten Gitarrenlauf. Solch Slapstick begleiten magische Momente und verliebte Paare überall, warm gezeichnete Blicke auf den Eifelturm, bei denen sich in Hugos Gesicht eine große Sehnsucht spiegelt.
Doch das Herz des Films über einen Jungen, dessen Bestimmung es ist, Dinge und Menschen zu reparieren, wird geschickt durch die Seitentür des längst schon traumhaften Filmglücks eingeschmuggelt: Hugos Entdeckung führt zu einer Liebeserklärung an das Stummfilm-Kino des Georges Méliès (1861 - 1938) und an alle Paris-Klischees. Raffiniert wird das Publikum entführt und darf dann hemmungslos in alten Szenen und deren, mit vielen modernen Tricks nachgestellten Entstehung schwelgen. So erleben wir mit dem Erfinder des filmischen Science-Fiction noch einmal „Die Reise zum Mond", diese berühmte Film-Ikone. Und wenn man völlig gefesselt und gerührt zuschaut, wie Kino-Träume gemacht werden, ist 3D als Fortsetzung der technischen Experimente vom Genie Méliès endlich mal sinnvoll. Das Traumland hinter der Bahnhofsuhr mit Rutschen und Leitern, hinter dem liebevollen Anstrich, der „Amelie" und „Micmacs" verbindet, führt in virtuelle Welten mit fantastischen Perspektiven. Bis zum Finale, in dem Hugo selbst wie Harold Lloyd in „Ausgerechnet Wolkenkratzer" (1923) in schwindelnder Höhe an den Zeigern einer Uhr hängt.
Apropos schwindelnd - während die Brüder Lumiere als Dokumentaristen gelten, ist Méliès der Fantastische - und Scorsese, den man getrost in dieser Reihe nennen darf, macht meisterlich beides. Er toppt „Ankunft eines Zuges in La Ciotat" (1895) von Lumiere in einer atemberaubenden Traumszene und ermöglicht den spannendsten und sicherlich erfolgreichsten Ausflug in die Filmgeschichte der Filmgeschichte. „Hugo Cabret" zeigt Scorsese selbst als Fotograf und ganz anders als in seinen Mafia-oder New York-Filmen. Aber wenn sich Hugo und Isabelle langsam dem Schlüssel dieses Rätsels nähern, wird klar, dass eigentlich nur Scorsese diese Hymne auf die Magie der ersten Filmjahre realisieren konnte.
Die Summe meiner einzelnen Teile
BRD 2011 Regie: Hans Weingartner mit Peter Schneider, Henrike von Kuick, Timur Massold 120 Min. FSK ab 12
Regisseur Hans Weingartner studierte Gehirnforschung und macht es mit seinen Filmen immer noch. So entstand 2001 sein enges und beängstigendes Psychogramm „Das weiße Rauschen" mit Daniel Brühl als Schizophrenem. Dann lief 2004 in Cannes die Kapitalismuskritik „Die fetten Jahre sind vorbei" doch mit der Aufmerksamkeit für Weingartner war es bei der Mediensatire „Free Rainer - Dein Fernseher lügt" 2007 tatsächlich vorbei.
Nun kommt Weingartner mit „Die Summe meiner einzelnen Teile" wieder zu einer psychischen Extremsituation, zu Martin (Peter Schneider), der nach Klinikaufenthalt den alten Job als nicht mehr bekommt, weil der Personalchef den gesetzlichen Krankenschutz ignoriert. Unbestimmte Zeit später verfolgt der verwahrloste Martin, der seine Pillen nicht mehr nimmt, völlig verwirrt wie seine Sozial-Wohnung im Marzahner Hochhaus-Getto gepfändet wird. Auf der Straße lebend, hilft er einem zehnjährigen Waisen und fortan sammeln sie gemeinsam Leergut. Obwohl der Deutsche und der Ukrainer Viktor (Timur Massold) nicht die gleiche Sprache sprechen, helfen sich gegenseitig, verziehen sich vor schlagenden Rechten „Into the wild", in eine Waldhütte, die mit unglaublich leicht gefundenem Material ruckzuck gebaut ist. Die Naturidylle wird spätestens albern, als nach der Begegnung mit einem Wolf auch die Musik zu heulen beginnt. Obwohl wir Martin hier erstmals glücklich sehen, geht es wieder Richtung Zivilisation, als er den Spuren einer Zahnarzt-Helferin folgt. Dann sitzt Martin im Baum einer Berliner Geschäftsstraße und beobachtet diese Lena.
Im kalten Look der Digitalkamera ist die Distanz Martins zu seiner Umgebung spürbar. Wenn man von den gesellschaftskritischen Zielen absieht, die das Pressematerial marktschreierisch verbreitet („Was passiert mit jemandem, der nicht fit genug ist für die neue Arbeitswelt."), kann „Die Summe meiner einzelnen Teile" tatsächlich packen und im letzten Drittel stellt sich die spannende Frage, ob Viktor tatsächlich existiert oder nur eine Einbildung Martins ist. Neben dem guten Spiel von Peter Schneider und Timur Massold erfreuen auch humorvolle und schöne Momente des ungewöhnlichen Paares in einem ungewöhnlichen, aber sympathischen Film.
Regisseur Hans Weingartner studierte Gehirnforschung und macht es mit seinen Filmen immer noch. So entstand 2001 sein enges und beängstigendes Psychogramm „Das weiße Rauschen" mit Daniel Brühl als Schizophrenem. Dann lief 2004 in Cannes die Kapitalismuskritik „Die fetten Jahre sind vorbei" doch mit der Aufmerksamkeit für Weingartner war es bei der Mediensatire „Free Rainer - Dein Fernseher lügt" 2007 tatsächlich vorbei.
Nun kommt Weingartner mit „Die Summe meiner einzelnen Teile" wieder zu einer psychischen Extremsituation, zu Martin (Peter Schneider), der nach Klinikaufenthalt den alten Job als nicht mehr bekommt, weil der Personalchef den gesetzlichen Krankenschutz ignoriert. Unbestimmte Zeit später verfolgt der verwahrloste Martin, der seine Pillen nicht mehr nimmt, völlig verwirrt wie seine Sozial-Wohnung im Marzahner Hochhaus-Getto gepfändet wird. Auf der Straße lebend, hilft er einem zehnjährigen Waisen und fortan sammeln sie gemeinsam Leergut. Obwohl der Deutsche und der Ukrainer Viktor (Timur Massold) nicht die gleiche Sprache sprechen, helfen sich gegenseitig, verziehen sich vor schlagenden Rechten „Into the wild", in eine Waldhütte, die mit unglaublich leicht gefundenem Material ruckzuck gebaut ist. Die Naturidylle wird spätestens albern, als nach der Begegnung mit einem Wolf auch die Musik zu heulen beginnt. Obwohl wir Martin hier erstmals glücklich sehen, geht es wieder Richtung Zivilisation, als er den Spuren einer Zahnarzt-Helferin folgt. Dann sitzt Martin im Baum einer Berliner Geschäftsstraße und beobachtet diese Lena.
Im kalten Look der Digitalkamera ist die Distanz Martins zu seiner Umgebung spürbar. Wenn man von den gesellschaftskritischen Zielen absieht, die das Pressematerial marktschreierisch verbreitet („Was passiert mit jemandem, der nicht fit genug ist für die neue Arbeitswelt."), kann „Die Summe meiner einzelnen Teile" tatsächlich packen und im letzten Drittel stellt sich die spannende Frage, ob Viktor tatsächlich existiert oder nur eine Einbildung Martins ist. Neben dem guten Spiel von Peter Schneider und Timur Massold erfreuen auch humorvolle und schöne Momente des ungewöhnlichen Paares in einem ungewöhnlichen, aber sympathischen Film.
5.2.12
Berlinale 2012 Die eiserne Lady
Frankreich, Großbritannien 2011 (The Iron Lady) Regie: Phyllida Lloyd mit Meryl Streep, Jim Broadbent, Susan Brown 104 Min.
Don't buy british
Eine alte Dame kommt beim Kaufen der Milch nicht mehr in einer rücksichtslosen Welt zurecht. Eine einfache Szene mit vielen Widerhaken, denn dass Magaret Thatcher, Tochter eines Lebensmittelhändlers, selbst wegen des Wegkürzens der Schulmilch, als „Milch-Diebin" verschrien war, ist nur eine pikante Note dafür, dass sie diese rücksichtslose Welt als Premierministerin selbst geschaffen hat. Doch so treffend wie in seiner Anfangsszene wird „Die eiserne Lady" später nie mehr. Großartig von Meryl Streep gespielt, bekommt eine der furchtbarsten und mörderischsten Politiker der Nachkriegszeit ein sentimental jämmerliches Denkmal.
Die verwirrte Frau, die vom Personal als Lady Thatcher angesprochen wird und die mit ihrem Mann Denis (Jim Broabent) frühstückt, der nicht mehr lebt, schweift in Erinnerungen ab zu ihrer Jugend, als sie mutig in den Bombennächten die Butter rettete, zum Treffen mit ihrer großen Liebe Denis und zu den politischen Anfängen. Es vermischen sich ein Diner vom Anfang ihrer Karriere mit dem am Ende ihres Lebens. Die romantischen Zeiten mit einem Mann, der sie genau so emanzipiert und ihrer Zeit voraus wollte, wie sie als Tochter eines Lebensmittelhändlers und als Oxford-Absolventin war, kontrastieren die Bemühungen ihrer Tochter, endlich die alten Sachen des verstorbenen Denis raus zu werfen.
Neben diesem unter dicker Maske bewegend gespieltem Privatteil taucht im Zeitraffer die Politik auf, für die Thatcher ihre Familie vernachlässigt hat. Da sind von Anfang an furchtbare markt-liberale Thesen, die nur noch von einer extremistischen Splitterpartei wie der FDP konserviert werden. Dazu kommt als Tiefpunkt ein absurder und für moderne Demokratien längst überwunden gedachter Krieg - für ein paar Schafweiden auf den Falklands gegen Argentinien. Die Eiserne Lady spielt hier Schiffe Versenken mit echten Menschen - hunderten von ihnen. Doch selbst hier macht der Film eher Punkte für die Kriegstreiberin anstatt sie von den Geistern tausender Tote verfolgen zu lassen. Meryl Streeps Können hilft hierbei hervorragend: „Die Eiserne Lady" ist ein Schauspiel-Film wie vor wenigen Jahren „The Queen". Die Streep ist kaum zu erkennen, hingegen direkt die extrem hohe, sich überschlagende Stimme, die furchtbaren Kostüme der verhassten Politikerin. Sollte man Streep dafür nicht eher eine politisch motivierte Goldene Himbeere anstelle eines Goldenen Ehrenbären verleihen? Dem politischen Kino, das die Berlinale immer auf ihre Fahnen schrieb, erfüllt man damit einen Bärendienst.
Denn Phyllida Lloyd, die Regisseurin von „Mamma Mia!" erzählt in ihrem sentimentalen Stückchen wenig analytisch und gibt keine biographische Erklärung für die eiskalten Kürzungen, die ein Land in Elend gestürzten. Fast glaubt man anfangs noch den verdrehten Tatsachen, mit denen Thatcher die Gewerkschaften zerschlug, die soziale Fürsorge brutal unter das Existenzminimum kürzte und öffentliche Betriebe zur Bereicherung weniger privatisierte. Eine der innen- und außenpolitischen größten Katastrophen europäischer Nachkriegs-Demokratien filmisch so zu verharmlosen, kann wohl nur mit einer exzellenten Schauspielerin funktionieren, bleibt aber eine Dreistigkeit, die man an der Kinokasse ignorieren sollte. Nebenbei ist diese „Iron Lady" auch langweilig und schwer erträglich jämmerlich.
Don't buy british
Eine alte Dame kommt beim Kaufen der Milch nicht mehr in einer rücksichtslosen Welt zurecht. Eine einfache Szene mit vielen Widerhaken, denn dass Magaret Thatcher, Tochter eines Lebensmittelhändlers, selbst wegen des Wegkürzens der Schulmilch, als „Milch-Diebin" verschrien war, ist nur eine pikante Note dafür, dass sie diese rücksichtslose Welt als Premierministerin selbst geschaffen hat. Doch so treffend wie in seiner Anfangsszene wird „Die eiserne Lady" später nie mehr. Großartig von Meryl Streep gespielt, bekommt eine der furchtbarsten und mörderischsten Politiker der Nachkriegszeit ein sentimental jämmerliches Denkmal.
Die verwirrte Frau, die vom Personal als Lady Thatcher angesprochen wird und die mit ihrem Mann Denis (Jim Broabent) frühstückt, der nicht mehr lebt, schweift in Erinnerungen ab zu ihrer Jugend, als sie mutig in den Bombennächten die Butter rettete, zum Treffen mit ihrer großen Liebe Denis und zu den politischen Anfängen. Es vermischen sich ein Diner vom Anfang ihrer Karriere mit dem am Ende ihres Lebens. Die romantischen Zeiten mit einem Mann, der sie genau so emanzipiert und ihrer Zeit voraus wollte, wie sie als Tochter eines Lebensmittelhändlers und als Oxford-Absolventin war, kontrastieren die Bemühungen ihrer Tochter, endlich die alten Sachen des verstorbenen Denis raus zu werfen.
Neben diesem unter dicker Maske bewegend gespieltem Privatteil taucht im Zeitraffer die Politik auf, für die Thatcher ihre Familie vernachlässigt hat. Da sind von Anfang an furchtbare markt-liberale Thesen, die nur noch von einer extremistischen Splitterpartei wie der FDP konserviert werden. Dazu kommt als Tiefpunkt ein absurder und für moderne Demokratien längst überwunden gedachter Krieg - für ein paar Schafweiden auf den Falklands gegen Argentinien. Die Eiserne Lady spielt hier Schiffe Versenken mit echten Menschen - hunderten von ihnen. Doch selbst hier macht der Film eher Punkte für die Kriegstreiberin anstatt sie von den Geistern tausender Tote verfolgen zu lassen. Meryl Streeps Können hilft hierbei hervorragend: „Die Eiserne Lady" ist ein Schauspiel-Film wie vor wenigen Jahren „The Queen". Die Streep ist kaum zu erkennen, hingegen direkt die extrem hohe, sich überschlagende Stimme, die furchtbaren Kostüme der verhassten Politikerin. Sollte man Streep dafür nicht eher eine politisch motivierte Goldene Himbeere anstelle eines Goldenen Ehrenbären verleihen? Dem politischen Kino, das die Berlinale immer auf ihre Fahnen schrieb, erfüllt man damit einen Bärendienst.
Denn Phyllida Lloyd, die Regisseurin von „Mamma Mia!" erzählt in ihrem sentimentalen Stückchen wenig analytisch und gibt keine biographische Erklärung für die eiskalten Kürzungen, die ein Land in Elend gestürzten. Fast glaubt man anfangs noch den verdrehten Tatsachen, mit denen Thatcher die Gewerkschaften zerschlug, die soziale Fürsorge brutal unter das Existenzminimum kürzte und öffentliche Betriebe zur Bereicherung weniger privatisierte. Eine der innen- und außenpolitischen größten Katastrophen europäischer Nachkriegs-Demokratien filmisch so zu verharmlosen, kann wohl nur mit einer exzellenten Schauspielerin funktionieren, bleibt aber eine Dreistigkeit, die man an der Kinokasse ignorieren sollte. Nebenbei ist diese „Iron Lady" auch langweilig und schwer erträglich jämmerlich.
Der Junge mit dem Fahrrad
Belgien/Frankreich/Italien, 2011 (Le gamin au vélo) Regie: Jean-Pierre Dardenne , Luc Dardenne mit Thomas Doret, Cécile de France, Jérémie Renier, Fabrizio Rongione 87 Min.
In „Fahrraddiebe", dem Klassiker des Neo-Realismus, treibt die Suche nach einem gestohlenen Rad das soziale Drama an. Viele Jahrzehnte später sucht „Der Junge mit dem Fahrrad" seinen überlebenswichtigen Drahtesel, doch auch wenn die Brüder Dardenne immer ein Auge für die soziale Situation ihrer Heimat Lüttich haben, ist das Rad diesmal Hilfsmittel auf dem bewegenden Weg des Jungen in seine emotionale Freiheit.
Der offenste und luftigste Film der wallonischen Cannes-Seriensieger erzählt vom zwölfjährigen Cyril (Thomas Doret), der immer wieder aus dem Heim abhaut, um seinen Vater zu suchen. Doch die alte Wohnung ist leer und Cyrils Fahrrad hat jetzt ein anderer. Der Junge wird immer rabiater und man befürchtet schon die unabwendbare Abwärtsspirale eines tragischen Sozialdramas, da klammert sich Cyril zufällig bei einem seiner Fluchten an die Friseurin Samantha (Cécile de France), die ihn daraufhin nicht mehr loslässt und seine Pflegemutter werden will. Sie geht souverän mit cholerischen Anfällen um und versteht auch schnell, dass nur das Fahrrad Cyril aus seinem Versteck, aus seiner emotionalen Blockade locken kann. Samantha treibt es auf und zwingt auch den Vater Guy (Jérémie Renier, der Hauptdarsteller aus „L'enfant") seinem Kind die Wahrheit zu sagen: Er will ihn nicht mehr großziehen und sehen. Doch dann nutzt ein jugendlicher Krimineller Cyrils Verzweiflung aus und verführt den Jungen zu einem Verbrechen.
„Der Junge mit dem Fahrrad" erzählt wieder eine packende Geschichte von echten Menschen, gedreht in und um Lüttich, mit authentischen Schauplätzen, vielen Laien und nur einer Handvoll Profi-Schauspieler. Klar, direkt, glaubhaft, gut - so ist auch dieser Filme der Dardennes. Er ist etwas hoffnungsvoller als die Cannes-Sieger „Rosetta" und „L'enfant" und gradliniger als der Vorgänger „Lornas Schweigen". Mit Absicht. Jean-Pierre Dardenne sagte, sie hätten erstmals im Sommer gedreht, das würde sich zeigen. Vor allem bei den Ausflügen entlang der Maas, beim Picknick mit Samantha, das einen strahlenden Jungen zeigt. Der Star Cécile de France nimmt sich in dieser Rolle gekonnt zurück, auch wenn die Figur Samanthas fast märchenhaft funktioniert, ist die Friseuse doch überzeugend bodenständig und resolut. Doch weder Inszenierung noch Handlungsverlauf folgenden den ausgetretenen Radwegen ähnlich klingender Geschichten. Vor allem im Finale legen die Brüder Dardenne eine moralische Volte hin, die lange nachdenken lässt.
Das neue Kunststück der Brüder Dardenne, mit inszenatorischer Reduktion die Fülle des Lebens ehrlicher einzufangen als die meisten anderen Filmemacher, gewann auf den Filmfestspielen in Cannes den Großen Preis der Jury und wurde soeben mit dem Europäischen Filmpreis für das beste Drehbuch ausgezeichnet. „Der Junge mit dem Fahrrad" ist das Mitfahren unbedingt wert.
In „Fahrraddiebe", dem Klassiker des Neo-Realismus, treibt die Suche nach einem gestohlenen Rad das soziale Drama an. Viele Jahrzehnte später sucht „Der Junge mit dem Fahrrad" seinen überlebenswichtigen Drahtesel, doch auch wenn die Brüder Dardenne immer ein Auge für die soziale Situation ihrer Heimat Lüttich haben, ist das Rad diesmal Hilfsmittel auf dem bewegenden Weg des Jungen in seine emotionale Freiheit.
Der offenste und luftigste Film der wallonischen Cannes-Seriensieger erzählt vom zwölfjährigen Cyril (Thomas Doret), der immer wieder aus dem Heim abhaut, um seinen Vater zu suchen. Doch die alte Wohnung ist leer und Cyrils Fahrrad hat jetzt ein anderer. Der Junge wird immer rabiater und man befürchtet schon die unabwendbare Abwärtsspirale eines tragischen Sozialdramas, da klammert sich Cyril zufällig bei einem seiner Fluchten an die Friseurin Samantha (Cécile de France), die ihn daraufhin nicht mehr loslässt und seine Pflegemutter werden will. Sie geht souverän mit cholerischen Anfällen um und versteht auch schnell, dass nur das Fahrrad Cyril aus seinem Versteck, aus seiner emotionalen Blockade locken kann. Samantha treibt es auf und zwingt auch den Vater Guy (Jérémie Renier, der Hauptdarsteller aus „L'enfant") seinem Kind die Wahrheit zu sagen: Er will ihn nicht mehr großziehen und sehen. Doch dann nutzt ein jugendlicher Krimineller Cyrils Verzweiflung aus und verführt den Jungen zu einem Verbrechen.
„Der Junge mit dem Fahrrad" erzählt wieder eine packende Geschichte von echten Menschen, gedreht in und um Lüttich, mit authentischen Schauplätzen, vielen Laien und nur einer Handvoll Profi-Schauspieler. Klar, direkt, glaubhaft, gut - so ist auch dieser Filme der Dardennes. Er ist etwas hoffnungsvoller als die Cannes-Sieger „Rosetta" und „L'enfant" und gradliniger als der Vorgänger „Lornas Schweigen". Mit Absicht. Jean-Pierre Dardenne sagte, sie hätten erstmals im Sommer gedreht, das würde sich zeigen. Vor allem bei den Ausflügen entlang der Maas, beim Picknick mit Samantha, das einen strahlenden Jungen zeigt. Der Star Cécile de France nimmt sich in dieser Rolle gekonnt zurück, auch wenn die Figur Samanthas fast märchenhaft funktioniert, ist die Friseuse doch überzeugend bodenständig und resolut. Doch weder Inszenierung noch Handlungsverlauf folgenden den ausgetretenen Radwegen ähnlich klingender Geschichten. Vor allem im Finale legen die Brüder Dardenne eine moralische Volte hin, die lange nachdenken lässt.
Das neue Kunststück der Brüder Dardenne, mit inszenatorischer Reduktion die Fülle des Lebens ehrlicher einzufangen als die meisten anderen Filmemacher, gewann auf den Filmfestspielen in Cannes den Großen Preis der Jury und wurde soeben mit dem Europäischen Filmpreis für das beste Drehbuch ausgezeichnet. „Der Junge mit dem Fahrrad" ist das Mitfahren unbedingt wert.
2.2.12
Black Gold
Katar, Frankreich 2011 (Or noir) Regie: Jean-Jacques Annaud mit Tahar Rahim, Antonio Banderas, Mark Strong, Freida Pinto 130 Min.
Aqaba! Unvergesslich dieser Schlachtruf des „Lawrence von Arabien" vor einem halben Jahrhundert auf der ganz großen Leinwand (70mm mit Ouvertüre bei geschlossenem Vorhang)! Nun müssen wir Regie-Legende David Lean gegen Jean-Jacques Annaud („Am Anfang war das Feuer", „Der Name der Rose", „Sieben Jahre in Tibet") eintauschen und Aqaba gegen Doha, der Hauptstadt von Katar. Denn obwohl die Handlung ganz ernsthaft „Irgendwo in Arabien" angesiedelt ist, erzählt das teuerste und vom „Doha Film Institute" kräftig mitfinanzierte arabische Projekt seit „Lawrence" vor allem vom Selbstverständnis „moderner" Staaten am Golf. Habgier und Islamismus stehen sich gegenüber bis ein Messias alle Stämme versöhnen kann. Selbstverständlich scheppert es dabei kräftig in der Wüste und eine Armee von Kamelen bewältigt einen unmachbar erachteten Ritt - nach Aqaba!
Kamelleichen pflastern die Wüste als die beiden verfeindeten Stammesfürsten Nessib, Emir von Hobeika (Antonio Banderas), und Amar, Sultan von Salmaah (Mark Strong) den Frieden mit einem Pakt besiegeln: Zwischen ihren beiden Territorien soll der Gelbe Gürtel Niemandsland sein und Amars Söhne Saleeh und Auda leben als Geiseln an Nessibs Hof. Als eine Texanische Ölgesellschaft jedoch genau dort fündig wird, tauscht Nessib das Schwarze Gold gegen Wohlstand, Straßen und Elektrizität.
Das alles wächst in einer altmodischen Montage der Moderne, während des Emirs Gesandte auf dem Weg zum Scheich sind. Dieser studierte nach dem Tod seiner Frau den Koran und will weder für Geld noch für die Rückkehr seiner Söhne die Bohrungen in der entmilitarisierten Zone tolerieren. Während Bücherwurm Auda (Tahar Rahim) inzwischen Prinzessin Leyla (Freida Pinto), die Tochter seines Geiselnehmers heiratete, ermordet man Saleeh auf der Flucht. Nun soll Auda, auch „Sohn zweier Väter", bei dem leiblichen einen Frieden verhandeln. Die nicht wirklich schwierige Annäherung von Vater und Sohn, sowie die höchstens lächerliche Auseinandersetzung mit albern karikierten, fortschrittsfeindlichen Koran-Gelehrten führt zu einem verrückten Plan: Auda soll mit einer Armee aus Gefangenen 15 Tage lang ohne Wasser die Wüste durchqueren und Nessibs moderne Truppe ablenken, während der Sultan dessen Hauptstadt direkt angreift. Widerwillig folgt der brave Sohn dem Scheinmanöver, er brauche ja nicht wirklich zu kämpfen, solle sich nur zeigen. Doch als der chaotische Haufen angegriffen wird, erweist sich der Bibliothekar als raffinierter Guerilla-Streiter und schließlich als einender Führer der Wüsten-Stämme.
Dieses bemühte Wüsten-Epos sieht so aus wie es klingt: Einfache Dialoge machen klar, was nicht immer logisch ist. Schön kitschig die Bilder, schön trivial die internationale Besetzung. Was der Film zwischen all den sonnigen Aufnahmen nicht kann, ist den Reformer Auda als Sohn von Verwestlichung und fortschrittsfeindlichem Islam zum idealen Araber zu machen. Obwohl schon der Westen als netter Kerl vereinfacht wird sowie weit und breit kein Gaddafi zu sehen ist. Diese Mär klappte sogar bei „Metropolis" besser. Hier muss sich Doha vielleicht noch etwas Schlüssigeres als Staatslegende einkaufen. Kurios dabei, dass sich die Dreharbeiten in Tunesien nicht von der parallel stattfindenden echten Revolution haben stören lassen.
Der aus den Niederlanden stammende Drehbuchautor Menno Meyjes, der selten, aber dann eindrucksvoll mit „Ausnahmezustand" (1998) oder „Die Farbe Lila" (1985) im Abspann auftaucht, ist diesem Falle weniger interessant, als der Roman-Autor von „Der schwarze Durst", der Schweizer Hans Ruesch (1913 - 2007). Als Rennfahrer gewann Ruesch mehrere Grand Prix und als Journalist, der rechtzeitig den Nazi nach New York entkam, war er mit seiner Aufdeckung von Tierversuchen in „Nackte Herrscherin. Entkleidung der medizinischen Wissenschaft" schon Mitte der Siebziger Jahre seiner Zeit weit voraus.
Aqaba! Unvergesslich dieser Schlachtruf des „Lawrence von Arabien" vor einem halben Jahrhundert auf der ganz großen Leinwand (70mm mit Ouvertüre bei geschlossenem Vorhang)! Nun müssen wir Regie-Legende David Lean gegen Jean-Jacques Annaud („Am Anfang war das Feuer", „Der Name der Rose", „Sieben Jahre in Tibet") eintauschen und Aqaba gegen Doha, der Hauptstadt von Katar. Denn obwohl die Handlung ganz ernsthaft „Irgendwo in Arabien" angesiedelt ist, erzählt das teuerste und vom „Doha Film Institute" kräftig mitfinanzierte arabische Projekt seit „Lawrence" vor allem vom Selbstverständnis „moderner" Staaten am Golf. Habgier und Islamismus stehen sich gegenüber bis ein Messias alle Stämme versöhnen kann. Selbstverständlich scheppert es dabei kräftig in der Wüste und eine Armee von Kamelen bewältigt einen unmachbar erachteten Ritt - nach Aqaba!
Kamelleichen pflastern die Wüste als die beiden verfeindeten Stammesfürsten Nessib, Emir von Hobeika (Antonio Banderas), und Amar, Sultan von Salmaah (Mark Strong) den Frieden mit einem Pakt besiegeln: Zwischen ihren beiden Territorien soll der Gelbe Gürtel Niemandsland sein und Amars Söhne Saleeh und Auda leben als Geiseln an Nessibs Hof. Als eine Texanische Ölgesellschaft jedoch genau dort fündig wird, tauscht Nessib das Schwarze Gold gegen Wohlstand, Straßen und Elektrizität.
Das alles wächst in einer altmodischen Montage der Moderne, während des Emirs Gesandte auf dem Weg zum Scheich sind. Dieser studierte nach dem Tod seiner Frau den Koran und will weder für Geld noch für die Rückkehr seiner Söhne die Bohrungen in der entmilitarisierten Zone tolerieren. Während Bücherwurm Auda (Tahar Rahim) inzwischen Prinzessin Leyla (Freida Pinto), die Tochter seines Geiselnehmers heiratete, ermordet man Saleeh auf der Flucht. Nun soll Auda, auch „Sohn zweier Väter", bei dem leiblichen einen Frieden verhandeln. Die nicht wirklich schwierige Annäherung von Vater und Sohn, sowie die höchstens lächerliche Auseinandersetzung mit albern karikierten, fortschrittsfeindlichen Koran-Gelehrten führt zu einem verrückten Plan: Auda soll mit einer Armee aus Gefangenen 15 Tage lang ohne Wasser die Wüste durchqueren und Nessibs moderne Truppe ablenken, während der Sultan dessen Hauptstadt direkt angreift. Widerwillig folgt der brave Sohn dem Scheinmanöver, er brauche ja nicht wirklich zu kämpfen, solle sich nur zeigen. Doch als der chaotische Haufen angegriffen wird, erweist sich der Bibliothekar als raffinierter Guerilla-Streiter und schließlich als einender Führer der Wüsten-Stämme.
Dieses bemühte Wüsten-Epos sieht so aus wie es klingt: Einfache Dialoge machen klar, was nicht immer logisch ist. Schön kitschig die Bilder, schön trivial die internationale Besetzung. Was der Film zwischen all den sonnigen Aufnahmen nicht kann, ist den Reformer Auda als Sohn von Verwestlichung und fortschrittsfeindlichem Islam zum idealen Araber zu machen. Obwohl schon der Westen als netter Kerl vereinfacht wird sowie weit und breit kein Gaddafi zu sehen ist. Diese Mär klappte sogar bei „Metropolis" besser. Hier muss sich Doha vielleicht noch etwas Schlüssigeres als Staatslegende einkaufen. Kurios dabei, dass sich die Dreharbeiten in Tunesien nicht von der parallel stattfindenden echten Revolution haben stören lassen.
Der aus den Niederlanden stammende Drehbuchautor Menno Meyjes, der selten, aber dann eindrucksvoll mit „Ausnahmezustand" (1998) oder „Die Farbe Lila" (1985) im Abspann auftaucht, ist diesem Falle weniger interessant, als der Roman-Autor von „Der schwarze Durst", der Schweizer Hans Ruesch (1913 - 2007). Als Rennfahrer gewann Ruesch mehrere Grand Prix und als Journalist, der rechtzeitig den Nazi nach New York entkam, war er mit seiner Aufdeckung von Tierversuchen in „Nackte Herrscherin. Entkleidung der medizinischen Wissenschaft" schon Mitte der Siebziger Jahre seiner Zeit weit voraus.
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