USA 2011 (Mission: Impossible Ghost Protocol) Regie: Brad Bird mit Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg, Paula Patton 139 Min.
Man kann ja wirklich nicht mehr mit Büchsen in der Fußgänger-Zone für Scientology sammeln, deshalb war zu erwarten, dass Tom Cruise als Produzent und Hauptdarsteller noch mal das Konzept „Mission Impossible" bemühen würde. Doch schon der Vorspann stimmt irgendwie nicht, spart er sich doch das Erzählen und klebt wie ein Trailer wahllos Szenen hintereinander. Dann wird der Teaser gleich zweimal erzählt und auch sonst sieht Film 4 der neuen Kino-Serie nicht danach aus, als wenn jemand die auf Action-Terrain zeitweilig bemerkenswerten Vorgänger toppen wollte.
Budapest, Moskau, Dubai, Mumbai und Seattle sind die mäßig attraktiven Stationen, der Kreml fliegt in die Luft und mal wieder versucht ein Schurke (Michael Nyqvist als Kurt Hendricks), den Atomkrieg zu provozieren. Zwischen Pakistan und Indien? Israel attackiert den Iran? Nein, wie gehabt müssen die Russen herhalten. Das ist so altmodisch wie im Großen und Kleinen unglaubwürdig.
Auffällig dagegen, wie zweitrangig das Team an der Seite von Tom Cruise wirkt. Statt Actionhelden gibt es den komischen Techniker Benji Dunn (Simon Pegg) und den albernen Analytiker Brandt (Jeremy Renner), der sein tragisches Dilemma erst später nachgereicht bekommt. Dazu Jane (Paula Patton) fürs gute Aussehen. Nachdem sie ihr Frauenduell - selbstverständlich wegen des Mannes, den die Killerin mit dem Püppchen-Gesicht Moreau (Léa Seydoux) ihr nahm - ausgefochten ist, läuft sie auch nur noch mit. Tom Wilkinson, der in wenigen Minuten beeindruckt, ruft ein Kopfschuss früh aus dem Film ab.
Vor allem wenn Cruise in den Kreml eindringt, wähnt man sich im falschen Film: Wieso untergräbt das Agenten-Groupie Pegg die Spannung, weshalb hat man nicht wenigstens versucht, den alten Cruise mit der Coolness von früher auftreten zu lassen? Ethan Hunt überlässt viel Zeit zu vielen Assistenten, dabei geht erstaunlich viel schief.
Große Szenen - neben sich selbst auflösenden Tonbändern, das Markenzeichen von „Mission Impossible"? Da gäbe es einen Gefängnisaufstand samt -Ausbruch zu Dean Martin-Song. Am höchsten Hotel der Welt muss Hunt mit defekten Spiderman-Handschuhen rumklettern. Aber die Geschwindigkeit im Erzählen und in den Einzelszenen wirkt gebremst. Raffiniert sind ein riskanter Parallel-Deal mit doppeltem Hotelboden und die finale Action in einem futuristischen Parkhaus. Hier flammt kurz der Ideenreichtum asiatischer Action auf, hier denkt man wehmütig an John Woos MI2 zurück.
Für Masken ist keine Zeit, viel Raum bekommen oft gesponserte Technik-Spielereien, eine „enhanced" Kontaktlinse, die direkt alle Facebook-Mitglieder im alltäglichen Gewusel identifiziert, der Navi auf der Windschutz-Scheibe. Das meiste soll futuristisch Werbung machen, nur die Apple-Geräte sind in der aktuellen Version anscheinend cool genug. Irgendwie löst sich dieser Film noch während des Sehens im Nichts auf, wie einst die Tonbänder der alten TV-Serie. Da sehnt man sich tatsächlich nach der souveränen Klarheit der Spionagegeschichte „Dame, König, As, Spion" nach John le Carré. Die startet aber erst im Februar.
12.12.11
Let me in
Großbritannien,USA 2010 (Let Me In) Regie: Matt Reeves mit Chloë Moretz, Kodi Smit-McPhee, Richard Jenkins 116 Min. FSK ab 16
„Wenn ihr uns beißt, bluten wir nicht?" Dieser bekannte Satz aus Shakespeares „Der Vampir von Venedig" kommt einem in den Sinn, wenn man nach all dem blutarmen „Twilight"-Gedöns so einen exzellenten, spannenden Kindervampir-Film sieht. Wohlgemerkt: Nicht Kinder-Vampirfilm! Die beiden Protagonisten, blasse Außenseiter aus unterschiedlichen Gründen, sind zwar erst 12 Jahre alt, doch die drastische Darstellung auch von Jugendgewalt eignet sich mit sinnvoller Freigabe frühestens ab 16. Matt Reeves' eigenständiges Remake des schwedischen Films „So finster die Nacht" - basierend auf einem Roman von John Ajvide Lindqvist („Menschenhafen") - erweist sich als Glücksfall in Sachen Film und als selten gelungene Bearbeitung.
Über das Fenster zum Hof beobachtet der zurückgezogene, ängstliche Owen (Kodi Smit-McPhee aus „The Road") seine sexy Nachbarin. Doch wirklich aufregend findet er das Mädchen, das nebenan einzieht: Trotz des Schnees läuft sie barfuß über den Innenhof. Dort werden sich die Gleichaltrigen öfter treffen, obwohl Abby (Chloë Moretz) direkt meint, sie könne nicht seine Freundin werden. Später wird sie dem Jungen, der von Mitschülern brutal misshandelt wird, wichtige Tipps geben. Er leiht ihr seinen Zauberwürfel „Rubik's Cube", von dem sie so fasziniert ist.
Nicht nur der Cube, auch Walk- und Pacman, sowie bekannte Hits und das stimmige Retrodesign machen klar, dass wir uns im winterlichen Los Alamos der Achtziger befinden. In einer Rückblende erlebten wir, wie sich der erwachsene Begleiter Abbys mit horrenden Verätzungen aus dem Krankenhausfenster stürzte. Das mysteriöse Ereignis klärt sich vollständig erst später auf, da sind wir schon völlig gefangen in der ungewöhnlichen Freundschaft zwischen Owen und Abby. Sie betont immer „Ich bin kein Mädchen". Was sich hinter dem ängstlichen, Hilfe geradezu erflehenden Gesicht verbirgt, haben wir schon kurz gesehen. Als ihr alter Helfer zu müde zum Blutbeschaffen wird, muss das Vampirmädchen selber jagen und beides ist nicht schön. Wer vom Twilight-Kitsch kommt, erlebt dass es nicht nett oder romantisch ist, Menschen leer zu saugen. In der faszinierenden Inszenierung vom Cloverfield-Regisseur Matt Reeves wandelt sich die - mehr oder weniger - Zwölfjährige Abby zum Tier mit eckigen Bewegungen, die an Japan-Horror erinnern. Dies ist mal kein Vampirfilm mit der Süßlichkeit von Lillifee!
Spannung wie bei Hitchcock. Das kalte, blaue Licht aus „Cloverfield". Immer wieder sagenhafte, atemberaubende Szenen. „Let me in" lässt das schwedische Original „So finster die Nacht" mit eigenständigen Varianten glatt vergessen - und auch das war schon ein hervorragender Film. Die Geschichte einer ungleichen Freundschaft gibt nicht nur der Nachtigall-Frage von „Romeo und Julia" eine ganz andere Bedeutung. (Wenn es tagt, droht der Vampir zu entflammen!) Exzellent fotografiert, sehr zurückhaltend in der Musik (Michael Giacchino) und von den jungen Darstellern glaubhaft gespielt, ist das Remake wesentlich drastischer in der Gewalt-Darstellung. Nebenbei hat Richard Jenkins einen großen, tragischen Auftritt als Abbys Helfer mit Blutfleck (sic!) und zerbrochenem Brillenglas im Gesicht. Eine TV-Rede von Reagan, die schwarz-weiß und extrem raffiniert in die Handlung reingespiegelt wird, gibt dem Ganzen auch noch eine politische Dimension. Kann Böses in Gutes gewandelt werden und geschieht dies nur auf religiösem Wege? Auf jeden Fall kann ein guter Film zu einem noch besseren werden...
„Wenn ihr uns beißt, bluten wir nicht?" Dieser bekannte Satz aus Shakespeares „Der Vampir von Venedig" kommt einem in den Sinn, wenn man nach all dem blutarmen „Twilight"-Gedöns so einen exzellenten, spannenden Kindervampir-Film sieht. Wohlgemerkt: Nicht Kinder-Vampirfilm! Die beiden Protagonisten, blasse Außenseiter aus unterschiedlichen Gründen, sind zwar erst 12 Jahre alt, doch die drastische Darstellung auch von Jugendgewalt eignet sich mit sinnvoller Freigabe frühestens ab 16. Matt Reeves' eigenständiges Remake des schwedischen Films „So finster die Nacht" - basierend auf einem Roman von John Ajvide Lindqvist („Menschenhafen") - erweist sich als Glücksfall in Sachen Film und als selten gelungene Bearbeitung.
Über das Fenster zum Hof beobachtet der zurückgezogene, ängstliche Owen (Kodi Smit-McPhee aus „The Road") seine sexy Nachbarin. Doch wirklich aufregend findet er das Mädchen, das nebenan einzieht: Trotz des Schnees läuft sie barfuß über den Innenhof. Dort werden sich die Gleichaltrigen öfter treffen, obwohl Abby (Chloë Moretz) direkt meint, sie könne nicht seine Freundin werden. Später wird sie dem Jungen, der von Mitschülern brutal misshandelt wird, wichtige Tipps geben. Er leiht ihr seinen Zauberwürfel „Rubik's Cube", von dem sie so fasziniert ist.
Nicht nur der Cube, auch Walk- und Pacman, sowie bekannte Hits und das stimmige Retrodesign machen klar, dass wir uns im winterlichen Los Alamos der Achtziger befinden. In einer Rückblende erlebten wir, wie sich der erwachsene Begleiter Abbys mit horrenden Verätzungen aus dem Krankenhausfenster stürzte. Das mysteriöse Ereignis klärt sich vollständig erst später auf, da sind wir schon völlig gefangen in der ungewöhnlichen Freundschaft zwischen Owen und Abby. Sie betont immer „Ich bin kein Mädchen". Was sich hinter dem ängstlichen, Hilfe geradezu erflehenden Gesicht verbirgt, haben wir schon kurz gesehen. Als ihr alter Helfer zu müde zum Blutbeschaffen wird, muss das Vampirmädchen selber jagen und beides ist nicht schön. Wer vom Twilight-Kitsch kommt, erlebt dass es nicht nett oder romantisch ist, Menschen leer zu saugen. In der faszinierenden Inszenierung vom Cloverfield-Regisseur Matt Reeves wandelt sich die - mehr oder weniger - Zwölfjährige Abby zum Tier mit eckigen Bewegungen, die an Japan-Horror erinnern. Dies ist mal kein Vampirfilm mit der Süßlichkeit von Lillifee!
Spannung wie bei Hitchcock. Das kalte, blaue Licht aus „Cloverfield". Immer wieder sagenhafte, atemberaubende Szenen. „Let me in" lässt das schwedische Original „So finster die Nacht" mit eigenständigen Varianten glatt vergessen - und auch das war schon ein hervorragender Film. Die Geschichte einer ungleichen Freundschaft gibt nicht nur der Nachtigall-Frage von „Romeo und Julia" eine ganz andere Bedeutung. (Wenn es tagt, droht der Vampir zu entflammen!) Exzellent fotografiert, sehr zurückhaltend in der Musik (Michael Giacchino) und von den jungen Darstellern glaubhaft gespielt, ist das Remake wesentlich drastischer in der Gewalt-Darstellung. Nebenbei hat Richard Jenkins einen großen, tragischen Auftritt als Abbys Helfer mit Blutfleck (sic!) und zerbrochenem Brillenglas im Gesicht. Eine TV-Rede von Reagan, die schwarz-weiß und extrem raffiniert in die Handlung reingespiegelt wird, gibt dem Ganzen auch noch eine politische Dimension. Kann Böses in Gutes gewandelt werden und geschieht dies nur auf religiösem Wege? Auf jeden Fall kann ein guter Film zu einem noch besseren werden...
6.12.11
Michel Petrucciani - Leben gegen die Zeit
Frankreich, Italien, BRD 2011 (Michel Petrucciani) Regie: Michael Radford 103 Min. FSK: o.A.
Auch wer nicht mit der Jazz-Szene vertraut ist, hat in vielleicht mal bei Roger Willemsen in dessen Sendung gesehen: Michel Petrucciani (1962 - 1999) war ein genialer Pianist, der auf Pierre Lachaise neben Chopin begraben liegt. Obwohl er mit der Glasknochenkrankheit geboren wurde und nicht einmal ein Meter groß war, wollte er ein großer Pianist werden. Das Spielzeugpiano, das ihm der Vater, ein Musik- und Jazz-Fan, schenkte, zerschmetterte das Kind wütend. Er brach sich dauernd alle möglichen Knochen, auch später während seiner Konzerte, aber machte und spielte immer weiter.
Petrucciani wollte nie Zeit verlieren, in seiner Karriere, bei den Frauen und auch im ausschweifenden Genuss. Der Franzose lernte schnell Englisch, hatte mit 13 seinen ersten Auftritt, spielte mit dem berühmten Trompeter Clark Terry und zog 1982 nach Kalifornien zu Charles Lloyd. Die Karriere ist unvergleichlich, der Mensch dahinter faszinierend ambivalent. Selbstsicher bis zur Arroganz, jähzornig, eigenwillig, frauenverschleißend und genial. „My foolish Thing" wäre er als Jazz-Standard, meint er selbst. Vor seinem frühen Tod, an dem er selbst kräftig mitarbeitete, äußerte er seinen größten Wunsch: Am Strand spazieren mit einer Frau neben ihm!
Diese faszinierende Dokumentation über einen unglaublichen Menschen stammt von „Postino"-Regisseur Michael Radford. Roger Willemsen, den wir oft bei Interviews und als Freund sehen, hatte hinter den Kulissen auch großen Anteil an diesem sehr sehenswerten Film.
Habemus Papam - Ein Papst büxt aus
Italien, Frankreich 2011 (Habemus Papam) Regie: Nanni Moretti mit Michel Piccoli, Jerzy Stuhr, Ulrich von Dobschütz, Nanni Moretti, Margherita Buy 104 Min. FSK o.A.
Wer Nanni Moretti, den Regisseur von „Der Italiener" (2006), „Das Zimmer meines Sohnes" (2001), „Aprile" (1998) und „Liebes Tagebuch..." (1993) kennt und mag, erwartet beim Thema Papst bitterböse Satire. Doch vielleicht ist Moretti zu sehr Italiener, vielleicht wollte er nicht wieder Erwartungen bedienen. Sein „Habemus Papam" fiel in Sachen aufgeklärter Kritik an der prähistorischen Institution Papst geradezu niedlich aus. Aber es ist trotzdem ein guter Film, nämlich im persönlichen Kampf des von Michel Piccoli gespielten Kandidaten um seinen Platz in der Welt.
Fast wie eine Dokumentation werden der Tod des Papstes und der Einzug der Kardinäle ins Konklave dargeboten. Die Berichterstattung übereifriger Society-Journalisten vom Roten Teppich wie bei den Oscars irritiert zwar etwas, doch dies deutet nur die seltsamen Einblicke an, die uns Moretti in die Welt der Konklave erlaubt. Wir dürfen beispielsweise bei den Wahlgängen in die Köpfe der Kirchenmänner horchen - keiner will es werden und bei allen bis auf einem hilft das Beten tatsächlich. Der französische Kardinal Melville (Michel Piccoli), ein stiller, freundlicher Herr wird es und ist völlig geschockt. Wie in Trance lässt er sich ins Ornat hüllen, doch zur Rede an das jubelnde Volk auf dem Balkon reicht es nicht mehr. Ein verzweifelter Schrei lässt die Stadt und das Erdenrund erstarren. Melville weiß nicht, ob er dieser Aufgabe gewachsen ist. Nun holt der umtriebige Pressesprecher (Jerzy Stuhr) Nanni Moretti als Psychologen ran, der den stellvertretenden Patienten sehr vertraulich unter den Augen aller immer noch im Konklave eingesperrten pinken Priester behandeln soll.
Zwar interpretiert der Atheist ihnen gewitzt die Bibel und Zeichen einer Depression. Doch Seele und Unbewusstes erweisen sich hartnäckig als unvereinbare Konzepte, der Papst nutzt einen Ausflug ausgerechnet zur geschiedenen Gattin und Kollegin des Psychologen zur Flucht und Nanni Moretti organisiert als Gefangener des Vatikans das Freizeitprogramm der Geistlichen. Samt Volleyball-WM für Kardinäle! Während die Scherzchen im Konklave, das Menscheln der von der Flucht ahnungslosen Soutanen-Träger zum niedlich netten Charakter des Films beitragen, spielt sich in den Gassen Roms ein wahres Charakterdrama ab. Tief verzweifelt trifft Melville auf eine wilde Theatertruppe, die Tschechows „Die Möwe" inszeniert, und findet in einer irren Wendung zu seinem Jugendtraum, dem Theaterspiel zurück. Doch während Melville auf der Bühne sein Glück findet, kommt der Klerus auf seine Spur...
Der hochintelligente linke Kritiker und Komödiant Nanni Moretti scheint auf den ersten Blick zahm geworden. Doch die Geschichte eines Menschen, der nicht weiß, welche Rolle er spielen soll, ist ungeheuer universal und darin vielleicht wichtiger als leicht gefundene Religionskritik. Michel Piccoli spielt großartig im Komischen und Verzweifelten, ist glaubhaft verzagt und schwach. Dafür dass Moretti seine Clownereien derweil im Vatikan einsperrt, darf man ihm zusätzlich dankbar sein.
Wer Nanni Moretti, den Regisseur von „Der Italiener" (2006), „Das Zimmer meines Sohnes" (2001), „Aprile" (1998) und „Liebes Tagebuch..." (1993) kennt und mag, erwartet beim Thema Papst bitterböse Satire. Doch vielleicht ist Moretti zu sehr Italiener, vielleicht wollte er nicht wieder Erwartungen bedienen. Sein „Habemus Papam" fiel in Sachen aufgeklärter Kritik an der prähistorischen Institution Papst geradezu niedlich aus. Aber es ist trotzdem ein guter Film, nämlich im persönlichen Kampf des von Michel Piccoli gespielten Kandidaten um seinen Platz in der Welt.
Fast wie eine Dokumentation werden der Tod des Papstes und der Einzug der Kardinäle ins Konklave dargeboten. Die Berichterstattung übereifriger Society-Journalisten vom Roten Teppich wie bei den Oscars irritiert zwar etwas, doch dies deutet nur die seltsamen Einblicke an, die uns Moretti in die Welt der Konklave erlaubt. Wir dürfen beispielsweise bei den Wahlgängen in die Köpfe der Kirchenmänner horchen - keiner will es werden und bei allen bis auf einem hilft das Beten tatsächlich. Der französische Kardinal Melville (Michel Piccoli), ein stiller, freundlicher Herr wird es und ist völlig geschockt. Wie in Trance lässt er sich ins Ornat hüllen, doch zur Rede an das jubelnde Volk auf dem Balkon reicht es nicht mehr. Ein verzweifelter Schrei lässt die Stadt und das Erdenrund erstarren. Melville weiß nicht, ob er dieser Aufgabe gewachsen ist. Nun holt der umtriebige Pressesprecher (Jerzy Stuhr) Nanni Moretti als Psychologen ran, der den stellvertretenden Patienten sehr vertraulich unter den Augen aller immer noch im Konklave eingesperrten pinken Priester behandeln soll.
Zwar interpretiert der Atheist ihnen gewitzt die Bibel und Zeichen einer Depression. Doch Seele und Unbewusstes erweisen sich hartnäckig als unvereinbare Konzepte, der Papst nutzt einen Ausflug ausgerechnet zur geschiedenen Gattin und Kollegin des Psychologen zur Flucht und Nanni Moretti organisiert als Gefangener des Vatikans das Freizeitprogramm der Geistlichen. Samt Volleyball-WM für Kardinäle! Während die Scherzchen im Konklave, das Menscheln der von der Flucht ahnungslosen Soutanen-Träger zum niedlich netten Charakter des Films beitragen, spielt sich in den Gassen Roms ein wahres Charakterdrama ab. Tief verzweifelt trifft Melville auf eine wilde Theatertruppe, die Tschechows „Die Möwe" inszeniert, und findet in einer irren Wendung zu seinem Jugendtraum, dem Theaterspiel zurück. Doch während Melville auf der Bühne sein Glück findet, kommt der Klerus auf seine Spur...
Der hochintelligente linke Kritiker und Komödiant Nanni Moretti scheint auf den ersten Blick zahm geworden. Doch die Geschichte eines Menschen, der nicht weiß, welche Rolle er spielen soll, ist ungeheuer universal und darin vielleicht wichtiger als leicht gefundene Religionskritik. Michel Piccoli spielt großartig im Komischen und Verzweifelten, ist glaubhaft verzagt und schwach. Dafür dass Moretti seine Clownereien derweil im Vatikan einsperrt, darf man ihm zusätzlich dankbar sein.
5.12.11
Der Weihnachtsmuffel
Großbritannien, 2009 (Nativity!) Regie: Debbie Isitt mit Martin Freeman, Marc Wootton, Jason Watkins, Ashley Jensen 105 Min. FSK o.A.
Ein frustrierter englischer Grundschullehrer, der eigentlich Schauspieler sein wollte, hat traumatische Erinnerungen an seine ehemalige Weihnachtsspieltruppe, weil ein Kollege an der Elite-Schule immer bessere Kritiken in der Lokalzeitung bekommt. Obwohl Weihnachtshasser, muss er noch mal mit unglaublich unfähigen Kindern ein Weihnachtsspiel inszenieren. Vor seinem Konkurrenten gibt er beim Weihnachtsbaum-Kauf an, Hollywood würde das Laientheater in 3D verfilmen. Die Geschichte verselbständigt sich und die Lüge animiert alle, über sich selbst hinauszuwachsen. Bis zum großen Finale, das tatsächlich 20 Minuten Krippenspiel-Musical über uns ausbreitet und einen Stern am Himmel erscheinen lässt: Den Helikopter aus Hollywood.
„Der Weihnachtsmuffel" ist ein verstaubter britischer Fernsehfilm, der in völlig unerklärlichem Mangel an tannennadel-verseuchten Themen vom Pandastorm-Verleih auf den Markt geworfen wurde. Weltweit ist das BBC-Filmchen nur an deutsche Kinos verkauft worden, DVD-Ausgaben erlebten nur Ungarn und die Niederlande. Sagt das was über die Qualität? Ja! Hier ist ein in Lumpen gehülltes, ärmliches Thema, dass auf den Erlöser auf Hollywood wartet.
Ein frustrierter englischer Grundschullehrer, der eigentlich Schauspieler sein wollte, hat traumatische Erinnerungen an seine ehemalige Weihnachtsspieltruppe, weil ein Kollege an der Elite-Schule immer bessere Kritiken in der Lokalzeitung bekommt. Obwohl Weihnachtshasser, muss er noch mal mit unglaublich unfähigen Kindern ein Weihnachtsspiel inszenieren. Vor seinem Konkurrenten gibt er beim Weihnachtsbaum-Kauf an, Hollywood würde das Laientheater in 3D verfilmen. Die Geschichte verselbständigt sich und die Lüge animiert alle, über sich selbst hinauszuwachsen. Bis zum großen Finale, das tatsächlich 20 Minuten Krippenspiel-Musical über uns ausbreitet und einen Stern am Himmel erscheinen lässt: Den Helikopter aus Hollywood.
„Der Weihnachtsmuffel" ist ein verstaubter britischer Fernsehfilm, der in völlig unerklärlichem Mangel an tannennadel-verseuchten Themen vom Pandastorm-Verleih auf den Markt geworfen wurde. Weltweit ist das BBC-Filmchen nur an deutsche Kinos verkauft worden, DVD-Ausgaben erlebten nur Ungarn und die Niederlande. Sagt das was über die Qualität? Ja! Hier ist ein in Lumpen gehülltes, ärmliches Thema, dass auf den Erlöser auf Hollywood wartet.
The Help
USA, Indien, Vereinigte Arabische Emirate 2011 (The Help) Regie: Tate Taylor mit Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain, Sissy Spacek 146 Minuten FSK o.A.
„The Help" erzählt die Erfolgsgeschichte eines Buches und ist gleichzeitig bewegender Lebensbericht. Der Ort: Jackson, Mississippi, die Stadt vom Cash-Song tief im Süden der USA. Die Zeit, 60er-Jahre, als man noch Zigaretten Kette rauchte und zu glauben wusste, dass "Schwarze andere Krankheiten übertragen". Die junge, rebellische Eugenia „Skeeter" Phelan (Emma Stone) will Autorin werden und findet in den Haushaltshilfen der reichen Weißen das ideale Sujet - nach Meinung der New Yorker Redakteurin. Vorerst bestreitet Skeeter in der lokalen Zeitung die Kolumne mit den Haushaltstipps, was auch eine gute Tarnung ist. Denn die Rassengesetze sind harsch und werden auf beiden Seiten ängstlich befolgt.
So gibt Aibileen (Viola Davis) anscheinend Tipps, traut sich aber immer mehr von ihrem Schicksal zu erzählen. Aber erst als die aufmüpfige, alte Minny Jackson die Erniedrigungen nicht mehr aushält, kommen genügend Geschichten zusammen. Die Emanzipation der rothaarig-wilden Skeeter als Tochter und Autorin ist Triebfeder in der Verfilmung des Romans „The Help" („Gute Geister") von Kathryn Stockett. Das satt gezeichnete Sittengemälde ist gleichzeitig ein entlarvendes Porträt der dekadenten weißen Gesellschaft. Da ist die Mutter ohne Interesse am eigenen Kind, denn gesellschaftliche Ereignisse wie die Bridge-Runden mit ihren Freundinnen sind wichtiger. Aber auch Hilly Holbrook (Bryce Dallas Howard), die rassistische, angepasste Altersgenossin Skeeters, die sich ausgerechnet als Wohltäterin aufspielen will. Sie ist der Teufel dieser Geschichten, in ihr sammelt sich der Rassismus, gegen sie wendet sich der Widerstand der unterdrückten Haushaltshilfen. Mal mit einer ekeligen Attacke, mal mit folgenreichen Druckfehlern bei einem Wohltätigkeits-Aufruft und vor allem mit der Anklage durch Skeeters Buch.
Im Herzen dieses - bei allem Unrecht - Wohlfühlfilms liegen die Schicksale der schwarzen Frauen, etwa das von Aibileen, die ihren Sohn verloren hat. Und da ist auch noch Skeeters eigenes, altes Kindermädchen Constantine, die nach 29 Jahren Dienst plötzlich verschwand. Sie hatte Eugenia großgezogen und ihr viele wichtige Dinge über das Leben beigebracht. Dann wurde die sehr weise Frau von Mutter Charlotte kaltherzig abgeschoben, weil sie einen snobistischen Hausfrauenverein („Töchter Amerikas"!) echauffiert hat. Sie gönnt Constantine nicht mal die Gnade, bis zum Lebensende weiter zu arbeiten. (Was selbst uns bald wieder per Gesetz garantiert wird.) Doch auch darüber lügt oder schweigt man, wie über vieles andere.
Was „The Help" vom Rassismus zeigt, ist traurig: Die Angestellten dürfen nicht auf die Toilette der Herrschaft im Haus, selbst wenn draußen vor ihrer Garten-Toilette ein Tornado wütet. Auch eine brutale Verhaftung mit den Schlägen der Polizei erschreckt. Alle Schwarzen erzählen von ihrer Angst vor dem Kuklux-Clan, der an ihre Häuser Feuer legt. Aber was wirklich und ungeschönt in dieser Zeit passierte, zeigt eher ab nächste Woche die Doku-Kompilation „The Black Power Mixtape 1965 - 1973" im Kino. „The Help" ist eine schön, eine hervorragend erzählte Geschichte, in der alles gut ausgeht. So wurde sie auch heftig als Schönfärberei angegriffen. Wer sich drauf einlässt, kann sich über exzellente Bilder, eine (im Original) reizvolle Sprache und tolle Schauspieler freuen. Sissy Spacek als Skeeters Großmutter ist eine böse, bissige Lachnummer. Jessica Chastain fällt schon wieder ganz anders positiv auf: Als Celia Foote ist sie die vom Zirkel frustrierter Hausfrauen Ausgestoßene, nicht besonders intelligente, die allerdings als einzige Hausherrin ein natürlich menschliches Verhältnis zum Personal zeigt.
„The Help" erzählt die Erfolgsgeschichte eines Buches und ist gleichzeitig bewegender Lebensbericht. Der Ort: Jackson, Mississippi, die Stadt vom Cash-Song tief im Süden der USA. Die Zeit, 60er-Jahre, als man noch Zigaretten Kette rauchte und zu glauben wusste, dass "Schwarze andere Krankheiten übertragen". Die junge, rebellische Eugenia „Skeeter" Phelan (Emma Stone) will Autorin werden und findet in den Haushaltshilfen der reichen Weißen das ideale Sujet - nach Meinung der New Yorker Redakteurin. Vorerst bestreitet Skeeter in der lokalen Zeitung die Kolumne mit den Haushaltstipps, was auch eine gute Tarnung ist. Denn die Rassengesetze sind harsch und werden auf beiden Seiten ängstlich befolgt.
So gibt Aibileen (Viola Davis) anscheinend Tipps, traut sich aber immer mehr von ihrem Schicksal zu erzählen. Aber erst als die aufmüpfige, alte Minny Jackson die Erniedrigungen nicht mehr aushält, kommen genügend Geschichten zusammen. Die Emanzipation der rothaarig-wilden Skeeter als Tochter und Autorin ist Triebfeder in der Verfilmung des Romans „The Help" („Gute Geister") von Kathryn Stockett. Das satt gezeichnete Sittengemälde ist gleichzeitig ein entlarvendes Porträt der dekadenten weißen Gesellschaft. Da ist die Mutter ohne Interesse am eigenen Kind, denn gesellschaftliche Ereignisse wie die Bridge-Runden mit ihren Freundinnen sind wichtiger. Aber auch Hilly Holbrook (Bryce Dallas Howard), die rassistische, angepasste Altersgenossin Skeeters, die sich ausgerechnet als Wohltäterin aufspielen will. Sie ist der Teufel dieser Geschichten, in ihr sammelt sich der Rassismus, gegen sie wendet sich der Widerstand der unterdrückten Haushaltshilfen. Mal mit einer ekeligen Attacke, mal mit folgenreichen Druckfehlern bei einem Wohltätigkeits-Aufruft und vor allem mit der Anklage durch Skeeters Buch.
Im Herzen dieses - bei allem Unrecht - Wohlfühlfilms liegen die Schicksale der schwarzen Frauen, etwa das von Aibileen, die ihren Sohn verloren hat. Und da ist auch noch Skeeters eigenes, altes Kindermädchen Constantine, die nach 29 Jahren Dienst plötzlich verschwand. Sie hatte Eugenia großgezogen und ihr viele wichtige Dinge über das Leben beigebracht. Dann wurde die sehr weise Frau von Mutter Charlotte kaltherzig abgeschoben, weil sie einen snobistischen Hausfrauenverein („Töchter Amerikas"!) echauffiert hat. Sie gönnt Constantine nicht mal die Gnade, bis zum Lebensende weiter zu arbeiten. (Was selbst uns bald wieder per Gesetz garantiert wird.) Doch auch darüber lügt oder schweigt man, wie über vieles andere.
Was „The Help" vom Rassismus zeigt, ist traurig: Die Angestellten dürfen nicht auf die Toilette der Herrschaft im Haus, selbst wenn draußen vor ihrer Garten-Toilette ein Tornado wütet. Auch eine brutale Verhaftung mit den Schlägen der Polizei erschreckt. Alle Schwarzen erzählen von ihrer Angst vor dem Kuklux-Clan, der an ihre Häuser Feuer legt. Aber was wirklich und ungeschönt in dieser Zeit passierte, zeigt eher ab nächste Woche die Doku-Kompilation „The Black Power Mixtape 1965 - 1973" im Kino. „The Help" ist eine schön, eine hervorragend erzählte Geschichte, in der alles gut ausgeht. So wurde sie auch heftig als Schönfärberei angegriffen. Wer sich drauf einlässt, kann sich über exzellente Bilder, eine (im Original) reizvolle Sprache und tolle Schauspieler freuen. Sissy Spacek als Skeeters Großmutter ist eine böse, bissige Lachnummer. Jessica Chastain fällt schon wieder ganz anders positiv auf: Als Celia Foote ist sie die vom Zirkel frustrierter Hausfrauen Ausgestoßene, nicht besonders intelligente, die allerdings als einzige Hausherrin ein natürlich menschliches Verhältnis zum Personal zeigt.
Der gestiefelte Kater (2011)
USA, 2011 (Puss in Boots) Regie: Chris Miller 90 Min. FSK o.A.
Kater entlaufen! Braunes Fell, Stiefel, Schwert und Hut. Bitte abzugeben bei Familie Shrek im Wald. Er ist klein und wird verlacht. Der gestiefelte Kater gilt als Ein- und Herzensbrecher, wird auch Katernova genannt. Rasant rasiert er seine Gegner mit dem Degen, seine Milch schlürft er noch schneller. Mitten im Westernland Mexiko reitet dieser einsame Räuber immer auf der Suche nach Gold. Als er die Zauberbohnen der schrecklichen Menschen Herr und Frau Jack und Jill klauen will, trifft er auf einen mysteriösen Gegner. Grandios das Duell mit dieser „Catwomen", die zuerst in mexikanischer Wrestling-Verkleidung auftritt. Die rasante die Verfolgungsrutscherei auf den Dächern des Dorfes endet in einem heißen Flamenco-Battle, das sehr an „West Side Story" erinnert.
Doch wie in großen Filmen erweist sich auch in diesem Zeichentrick für Kinder alles als abgekatertes Spiel: Hinter den legendären Zauberbohnen, die zur Gans mit den goldenen Eiern führt, steckt Katers Jugendfreund Humpty Alexander Dumpty! (Schon 1922 verkörpert von Stan Laurel, im Original gesprochen von Billy Bob Thornton, deutsch von einem nachnamenlosen Elton.)
Seiner verführerischen Konkurrentin erzählt der Gestiefelte die alte Geschichte von der gemeinsamen Kindheit im Waisenhaus. Damals schon war Kater ein furchtloser Kämpfer und Held. Humpty dagegen kam auf die schiefe Bahn, was schlecht ist, wenn man eine dünne Schale und darunter viel wabbeligen Eidotter hat. Beider Wege trennten sich, doch jetzt vereint sie die Suche. Wie der heilige Gral sollen die Goldenen Eier wieder alle(s) gut machen, zudem liefern sie noch einen Haufen deftiger Wortwitze für Erwachsene. Humptys geniale Erfindungen müssen es dabei mit einer futuristischen, von Wildschweinen gezogenen und mit Kanonen aufgerüsteten Kutsche aufnehmen.
Der Sidekick, die lustige Nebenfigur, bekommt einen eigenen Film - das kennt man, das passiert bestimmt auch noch mit Scat aus „Ice Age". Für den Kater aus „Shrek" ist dies ein „Prequel", wir erfahren, was vor seinem sensationellen Auftritt bei den grünen Riesen geschah. Die Rückblenden zu einer Kindheit im Waisenhaus von San Ricardo sind nicht wirklich so langweilig, dass man wie Kitty Softpaws einschläft.
Sie suchten Ärger und haben ihn oft gefunden - solch lässige Sprüche charakterisieren vor allem den Helden dieses gut gezeichneten Western, in dem die Tiere viel Charakter haben und Menschen die Klischees abbekommen. Einem Mieze-Zorro angemessen, erschüttern Mariachi-Melodien die Weite der Prärie. Im Stile Tarantinos zerschneiden Splitscreens das Bild wie Katers Degen die Unterhosen seiner Gegner. Während der komische spanis-lisspelnde Dialekt des Katers nicht an seine Originalstimme Antonio Banderas herankommt, wirkt Humpty über Elton sehr ver- und gleichzeitig angeschlagen.
Der erste Osterfilm der Saison bietet neben vielen Eier-Scherzen eine unterhaltsame, witzige Spielerei. Der anarchische Humor von Shrek ist völlig weg, der nicht nur mit seiner unwiderstehlichen Augennummer einschmeichelnde Kater legt alles Rebellische schnell ab. Das 3D läuft ohne beeindruckende Effekte ab. Die negative Folge ist, dass vor allem die Innenszenen sehr dunkel bleiben - die unbequemen Brillen fordern ihren Preis nicht nur an der Kasse. Auf der Basis der Märchen von Charles Perrault und der Brüder Grimm zeigt sich „Der gestiefelte Kater" fantastisch wenn auch nicht wirklich märchenhaft. Trotzdem ist es mit originellen Charakteren, mit viel Trick und Akrobatik ein großer Film für einen kleinen Kater.
Kater entlaufen! Braunes Fell, Stiefel, Schwert und Hut. Bitte abzugeben bei Familie Shrek im Wald. Er ist klein und wird verlacht. Der gestiefelte Kater gilt als Ein- und Herzensbrecher, wird auch Katernova genannt. Rasant rasiert er seine Gegner mit dem Degen, seine Milch schlürft er noch schneller. Mitten im Westernland Mexiko reitet dieser einsame Räuber immer auf der Suche nach Gold. Als er die Zauberbohnen der schrecklichen Menschen Herr und Frau Jack und Jill klauen will, trifft er auf einen mysteriösen Gegner. Grandios das Duell mit dieser „Catwomen", die zuerst in mexikanischer Wrestling-Verkleidung auftritt. Die rasante die Verfolgungsrutscherei auf den Dächern des Dorfes endet in einem heißen Flamenco-Battle, das sehr an „West Side Story" erinnert.
Doch wie in großen Filmen erweist sich auch in diesem Zeichentrick für Kinder alles als abgekatertes Spiel: Hinter den legendären Zauberbohnen, die zur Gans mit den goldenen Eiern führt, steckt Katers Jugendfreund Humpty Alexander Dumpty! (Schon 1922 verkörpert von Stan Laurel, im Original gesprochen von Billy Bob Thornton, deutsch von einem nachnamenlosen Elton.)
Seiner verführerischen Konkurrentin erzählt der Gestiefelte die alte Geschichte von der gemeinsamen Kindheit im Waisenhaus. Damals schon war Kater ein furchtloser Kämpfer und Held. Humpty dagegen kam auf die schiefe Bahn, was schlecht ist, wenn man eine dünne Schale und darunter viel wabbeligen Eidotter hat. Beider Wege trennten sich, doch jetzt vereint sie die Suche. Wie der heilige Gral sollen die Goldenen Eier wieder alle(s) gut machen, zudem liefern sie noch einen Haufen deftiger Wortwitze für Erwachsene. Humptys geniale Erfindungen müssen es dabei mit einer futuristischen, von Wildschweinen gezogenen und mit Kanonen aufgerüsteten Kutsche aufnehmen.
Der Sidekick, die lustige Nebenfigur, bekommt einen eigenen Film - das kennt man, das passiert bestimmt auch noch mit Scat aus „Ice Age". Für den Kater aus „Shrek" ist dies ein „Prequel", wir erfahren, was vor seinem sensationellen Auftritt bei den grünen Riesen geschah. Die Rückblenden zu einer Kindheit im Waisenhaus von San Ricardo sind nicht wirklich so langweilig, dass man wie Kitty Softpaws einschläft.
Sie suchten Ärger und haben ihn oft gefunden - solch lässige Sprüche charakterisieren vor allem den Helden dieses gut gezeichneten Western, in dem die Tiere viel Charakter haben und Menschen die Klischees abbekommen. Einem Mieze-Zorro angemessen, erschüttern Mariachi-Melodien die Weite der Prärie. Im Stile Tarantinos zerschneiden Splitscreens das Bild wie Katers Degen die Unterhosen seiner Gegner. Während der komische spanis-lisspelnde Dialekt des Katers nicht an seine Originalstimme Antonio Banderas herankommt, wirkt Humpty über Elton sehr ver- und gleichzeitig angeschlagen.
Der erste Osterfilm der Saison bietet neben vielen Eier-Scherzen eine unterhaltsame, witzige Spielerei. Der anarchische Humor von Shrek ist völlig weg, der nicht nur mit seiner unwiderstehlichen Augennummer einschmeichelnde Kater legt alles Rebellische schnell ab. Das 3D läuft ohne beeindruckende Effekte ab. Die negative Folge ist, dass vor allem die Innenszenen sehr dunkel bleiben - die unbequemen Brillen fordern ihren Preis nicht nur an der Kasse. Auf der Basis der Märchen von Charles Perrault und der Brüder Grimm zeigt sich „Der gestiefelte Kater" fantastisch wenn auch nicht wirklich märchenhaft. Trotzdem ist es mit originellen Charakteren, mit viel Trick und Akrobatik ein großer Film für einen kleinen Kater.
30.11.11
Local Heroes - Filmemacher in und aus Aachen sowie drumherum
Wo bitte geht es zum Film?
Was macht man und frau eigentlich, wenn es dem Schicksal gefiel, einen in diesen Westen der Republik zu versetzen und das Leben ohne Film nicht weitergehen soll? Zum Bahnhof und eine Fahrkarte an die Filmhochschulen von München oder Berlin lösen? Ganz einfach schnell werden wir diese Frage auch nicht beantworten können, aber wir fragen mal Menschen, die beim Film und auch aus Aachen sind. Und wenn sie schon mal da sind, zeigen wir auch die Filme dieser „Local Heroes". Den Anfang machen noch im Dezember 2011 Jan Krüger mit seinem brandaktuellen Drama „Auf der Suche" sowie Oliver Schwabe mit „Zärtliche Parasiten" als weitere Aachen Premiere. An drei Terminen (8., 16., 22.12.) zeigen wir zudem ältere und Kurz-Filme der beiden Regisseure. Außerdem gibt es einen exklusiven Auftritt der Band Tin Drum.
Local Heroes wird von Biografien, die vor der eigenen Haustür anfingen aus erster Hand erzählen. Wir wollen „uns" dabei nicht per Nabelschau mit Kamera selbst tolltolltoll finden. Bei erfolgreichem Start des neuen Film- und Gästereigens werden wir regelmäßig kompetente „Player" des Filmemachens einladen, um mit ihren neuesten und wichtigsten Werken Blicke hinter die Kulissen und auf unterschiedliche Wege zum Film zu werfen.
Dabei erweitern wir auch gerne den Blick auf mehrfache Cannes-Sieger in Lüttich (die Brüder Dardenne) oder Grimme Preis-Träger in Lontzen (Bernd Mosblech). Neben solch alten Löwen der gefährlichen Film-Savanne freuen wir uns auf den Nachwuchs. Ausgezeichnete Regisseure, Produzenten, Autoren, Schauspieler, Komponisten, Set-Designer und auch die Region selbst als Kulisse und Drehort - all das ist reichlich vorhanden und wartet auf eine geschlossene Präsentation. Wobei jeder Film nicht nur einfach abgespielt werden soll - die Kreativen werden ihre Werke begleiten und im Gespräch mit dem Publikum kommentieren. Dabei werden international anerkannte Künstler und Kreative mit ihren Anfängen in der Euregio ebenso vorgestellt wie aktuell in der Region Aktive. Die konzentrierte Darstellung kann der Szene einen Treffpunkt und eine Plattform für Austausch sowie zur Entwicklung neuer Projekte bieten.
Stoff gibt es genug: Ab dem 6. Dezember dreht Georg Maas mit Liv Ullmann in Norwegen dem Spielfilm „Zwei Leben", die Geschichte einer ehemaligen DDR Spionin, welche die Liebe ihres Lebens, ihre Familie und ihr ganzes Dasein in Norwegen auf einer gefälschten Identität aufgebaut hat. Der Kinofilm ist eine Co-Produktion von Zinnober Film (Aachen). Am 12. Januar 2012 startet bundesweit „Offroad" mit Nora Tschirner und Elyas M'Barek. Für den Dreh kehrte Elmar Fischer, der Regisseur von Fremder Freund 2010 in seine Heimatstadt Geilenkirchen zurück. In Afrika beschäftigt sich Bernd Mosblech für den abendfüllenden Dokumentarfilm „Der Löwe" mit dem „König der Tiere". In Basel werden Jan Rehwinkel und Axel Schumann die Premiere von „Das verlorene Paradies" feiern. Ein Film-Fest, für alle, die den Vorgänger „Die versunkene Stadt" in der faszinierenden Mischung aus Animation und Realfilm, aus Doku und Fiktion kennen. Es gibt viel zu sehen, laden wir sie ein....
Aachen, Eden 5, Franzstr.
Was macht man und frau eigentlich, wenn es dem Schicksal gefiel, einen in diesen Westen der Republik zu versetzen und das Leben ohne Film nicht weitergehen soll? Zum Bahnhof und eine Fahrkarte an die Filmhochschulen von München oder Berlin lösen? Ganz einfach schnell werden wir diese Frage auch nicht beantworten können, aber wir fragen mal Menschen, die beim Film und auch aus Aachen sind. Und wenn sie schon mal da sind, zeigen wir auch die Filme dieser „Local Heroes". Den Anfang machen noch im Dezember 2011 Jan Krüger mit seinem brandaktuellen Drama „Auf der Suche" sowie Oliver Schwabe mit „Zärtliche Parasiten" als weitere Aachen Premiere. An drei Terminen (8., 16., 22.12.) zeigen wir zudem ältere und Kurz-Filme der beiden Regisseure. Außerdem gibt es einen exklusiven Auftritt der Band Tin Drum.
Local Heroes wird von Biografien, die vor der eigenen Haustür anfingen aus erster Hand erzählen. Wir wollen „uns" dabei nicht per Nabelschau mit Kamera selbst tolltolltoll finden. Bei erfolgreichem Start des neuen Film- und Gästereigens werden wir regelmäßig kompetente „Player" des Filmemachens einladen, um mit ihren neuesten und wichtigsten Werken Blicke hinter die Kulissen und auf unterschiedliche Wege zum Film zu werfen.
Dabei erweitern wir auch gerne den Blick auf mehrfache Cannes-Sieger in Lüttich (die Brüder Dardenne) oder Grimme Preis-Träger in Lontzen (Bernd Mosblech). Neben solch alten Löwen der gefährlichen Film-Savanne freuen wir uns auf den Nachwuchs. Ausgezeichnete Regisseure, Produzenten, Autoren, Schauspieler, Komponisten, Set-Designer und auch die Region selbst als Kulisse und Drehort - all das ist reichlich vorhanden und wartet auf eine geschlossene Präsentation. Wobei jeder Film nicht nur einfach abgespielt werden soll - die Kreativen werden ihre Werke begleiten und im Gespräch mit dem Publikum kommentieren. Dabei werden international anerkannte Künstler und Kreative mit ihren Anfängen in der Euregio ebenso vorgestellt wie aktuell in der Region Aktive. Die konzentrierte Darstellung kann der Szene einen Treffpunkt und eine Plattform für Austausch sowie zur Entwicklung neuer Projekte bieten.
Stoff gibt es genug: Ab dem 6. Dezember dreht Georg Maas mit Liv Ullmann in Norwegen dem Spielfilm „Zwei Leben", die Geschichte einer ehemaligen DDR Spionin, welche die Liebe ihres Lebens, ihre Familie und ihr ganzes Dasein in Norwegen auf einer gefälschten Identität aufgebaut hat. Der Kinofilm ist eine Co-Produktion von Zinnober Film (Aachen). Am 12. Januar 2012 startet bundesweit „Offroad" mit Nora Tschirner und Elyas M'Barek. Für den Dreh kehrte Elmar Fischer, der Regisseur von Fremder Freund 2010 in seine Heimatstadt Geilenkirchen zurück. In Afrika beschäftigt sich Bernd Mosblech für den abendfüllenden Dokumentarfilm „Der Löwe" mit dem „König der Tiere". In Basel werden Jan Rehwinkel und Axel Schumann die Premiere von „Das verlorene Paradies" feiern. Ein Film-Fest, für alle, die den Vorgänger „Die versunkene Stadt" in der faszinierenden Mischung aus Animation und Realfilm, aus Doku und Fiktion kennen. Es gibt viel zu sehen, laden wir sie ein....
Aachen, Eden 5, Franzstr.
Do, 8.12.: 20 Uhr
Aachen-Premiere von
„AUF DER SUCHE" (2011)
Anschließend Werkstattgespräch mit Jan Krüger
Fr, 16.12.: 18 Uhr
Kurzfilmprogramm
„VERFÜHRUNG VON ENGELN"
4 Kurzfilme von 2000 bis 2007,
3 davon mit Oliver Schwabe an der Kamera. Gesamtlänge ca. 70min
Anschließend Werkstattgespräch mit Oliver Schwabe und Jan Krüger;
danach ca. 21 Uhr: Spielfilm „RÜCKENWIND" (2009) von Jan Krüger
Do, 22.12.: 20 Uhr
Double Feature Aachen-Premiere von „ZARTE PARASITEN" (2010)
und „EGOSHOOTER" (2004) von Oliver Schwabe und Christian Becker.
Werkstattgespräch mit Oliver Schwabe und Christian Becker
CSI-Boxen
Universum Film
TV-Krimi
Das Böse ist immer und überall ... Diese Kommissar-Weisheit von Falko kann man auf New York, Miami und Las Vegas konkretisieren, wo laut „CSI" Verbrechen besonders raffiniert stattfindet. Die Serie wuchert über verschiedene Ableger, haufenweise Sender und Sendeplätze. Gut, dass es die Folgen auch schön geordnet als DVD- und BluRay-Boxen gibt. Hier finden sich die unvermeidlichen Crossover-Folgen, eine unerlässliche Variante bei so heftiger Diversifizierung. (Wie einst bei Tatort-Opa Krug und den Ost-Kollegen vom Polizeiruf, liebe ältere Krimifans.) Prominente Darsteller wie Gary Sinise als New Yorker Detective Mac Taylor, in Las Vegas Laurence Fishburne als lässiger Dr. Raymond Langston und der mit einer Switch-Parodie geehrte David Caruso als Horatio Caine in Miami sind Aushängeschilder, werden aber kaum noch mit ihren Filmen identifiziert. (Wer war Pillen-Verkäufer in „Matrix"?) In Miami ist man bei Season 8 angekommen, CSI: NY bei Season 6 und in Las Vegas schon bei der 10. Staffel. Jeweils um die 1000 Minuten mit reichlich Boni sorgen für soviel Fernseh-Untersuchung, dass einem glatt der Weihnachtsbaum weggeklaut werden kann, ohne dass es der Krimi-Fan merkt. Vor allem bei den Navy-Varianten von CSI sollte man vielleicht öfter die Verbrechen der Soldaten in Einsatzländern wie Irak oder Afghanistan verfolgen. Aber was Serien-Unterhaltung angeht, steht diese Jerry Bruckheimer-Produktion an der Spitze der Kriminalität-Statistik.
TV-Krimi
Das Böse ist immer und überall ... Diese Kommissar-Weisheit von Falko kann man auf New York, Miami und Las Vegas konkretisieren, wo laut „CSI" Verbrechen besonders raffiniert stattfindet. Die Serie wuchert über verschiedene Ableger, haufenweise Sender und Sendeplätze. Gut, dass es die Folgen auch schön geordnet als DVD- und BluRay-Boxen gibt. Hier finden sich die unvermeidlichen Crossover-Folgen, eine unerlässliche Variante bei so heftiger Diversifizierung. (Wie einst bei Tatort-Opa Krug und den Ost-Kollegen vom Polizeiruf, liebe ältere Krimifans.) Prominente Darsteller wie Gary Sinise als New Yorker Detective Mac Taylor, in Las Vegas Laurence Fishburne als lässiger Dr. Raymond Langston und der mit einer Switch-Parodie geehrte David Caruso als Horatio Caine in Miami sind Aushängeschilder, werden aber kaum noch mit ihren Filmen identifiziert. (Wer war Pillen-Verkäufer in „Matrix"?) In Miami ist man bei Season 8 angekommen, CSI: NY bei Season 6 und in Las Vegas schon bei der 10. Staffel. Jeweils um die 1000 Minuten mit reichlich Boni sorgen für soviel Fernseh-Untersuchung, dass einem glatt der Weihnachtsbaum weggeklaut werden kann, ohne dass es der Krimi-Fan merkt. Vor allem bei den Navy-Varianten von CSI sollte man vielleicht öfter die Verbrechen der Soldaten in Einsatzländern wie Irak oder Afghanistan verfolgen. Aber was Serien-Unterhaltung angeht, steht diese Jerry Bruckheimer-Produktion an der Spitze der Kriminalität-Statistik.
29.11.11
Shark Night
USA 2011 (Shark Night 3D) Regie: David R. Ellis mit Sara Paxton, Dustin Milligan, Chris Carmack 91 Min. FSK ab 16
Exploitation Filme nennt man billige Streifen, die simpel und billig ein paar niedere Triebe bedienen. Billig ist es nicht mehr, wenn man dem 3D-Hype aufsitzt, aber ansonsten liefert „Shark Night" genau, was der Titel verspricht: Ein paar knapp bekleidete, junge Menschen werden zu Fischfutter. Völlig überraschend im amerikanischen Studenten-Milieu angesiedelt, darf man wieder raten, wer den Ferien-Ausflug auf eine kleine Insel überlebt. In Konkurrenz zu den schützenswerten Killern der Meere treten die üblichen Hinterwäldler - in den Versionen debil und durchgedreht. Das Ganze wird realisiert mit Darstellern, bei denen man froh ist, dass sie nicht vor Stolz über ihre Rolle direkt in die Kamera schauen. Allerdings wird beim Sub-Genre mit den vielen Unterwasseraufnahmen die Brutalitätsschraube heftig angedreht: Hier übernimmt der Hai die Rolle von Freddy Krueger oder Jigsaw. Kein Wunder, denn der Regisseur David R. Ellis verantwortete schon „Final Destination 2 + 4", sowie den hochfliegenden „Snakes on a Plane" und die Produzenten beschmutzen sich die Hände mit dem Blut von „Hostel" und dem „Texas Chainsaw Massacre".
Exploitation Filme nennt man billige Streifen, die simpel und billig ein paar niedere Triebe bedienen. Billig ist es nicht mehr, wenn man dem 3D-Hype aufsitzt, aber ansonsten liefert „Shark Night" genau, was der Titel verspricht: Ein paar knapp bekleidete, junge Menschen werden zu Fischfutter. Völlig überraschend im amerikanischen Studenten-Milieu angesiedelt, darf man wieder raten, wer den Ferien-Ausflug auf eine kleine Insel überlebt. In Konkurrenz zu den schützenswerten Killern der Meere treten die üblichen Hinterwäldler - in den Versionen debil und durchgedreht. Das Ganze wird realisiert mit Darstellern, bei denen man froh ist, dass sie nicht vor Stolz über ihre Rolle direkt in die Kamera schauen. Allerdings wird beim Sub-Genre mit den vielen Unterwasseraufnahmen die Brutalitätsschraube heftig angedreht: Hier übernimmt der Hai die Rolle von Freddy Krueger oder Jigsaw. Kein Wunder, denn der Regisseur David R. Ellis verantwortete schon „Final Destination 2 + 4", sowie den hochfliegenden „Snakes on a Plane" und die Produzenten beschmutzen sich die Hände mit dem Blut von „Hostel" und dem „Texas Chainsaw Massacre".
London Boulevard
USA, Großbritannien 2010 (London Boulevard) Regie: William Monahan mit Colin Farrell, Keira Knightley, David Thewlis, Anna Friel, Ben Chaplin, Ray Winstone 107 Min. FSK ab 16
Gerade noch terrorisierte er als Vampir in „Fright Night" die Nachbarschaft, nun macht Colin Farrell den Bodyguard für Keira Knightley, die hier Charlotte heißt. Aber die wirklich große Nummer in diesem coolen Männerfilm ist David Thewlis als Charlottes Manager Jordan. Das Regiedebüt des Drehbuchautors William Monahan („Königreich der Himmel", „Departed") im Stile von Guy Ritchie und seinen satten Gangster-Komödien trifft genau zwischen die Augen und Ohren.
Mitchel (Colin Farrell) scheint ein grundanständiger Typ zu sein. Trotzdem wird er, kaum aus dem Knast, respektiert, in Gangster-Kreisen gar gefürchtet. Schnell tritt er ansehnlich im Anzug auf, kann sich aber auch äußerst brutal durchsetzen. Während er die noch freundlichen Angebote alter Kumpel ablehnt, nimmt er einen Job als Bodyguard an. Sein Objekt ist Charlotte (Keira Knightley), ein Star in sehr frühem Ruhestand, der zu Bob Dylan ein wenig malt und ansonsten versucht, den Paparazzi zu entkommen. Aber auch der Gangster-Boss Gant („Sexy Beast" Ray Winstone) will ihn haben und nebenbei noch die eindrucksvolle Autosammlung in Charlottes Garage (selbstverständlich mit E-Type neben dem Rolls). Auch wenn hier Leidenschaft ausbricht, ist dies nicht „Bodyguard". „London Boulevard" wird am Ende sehr hässlich. Nicht nur ist die Mischung aus Prominenz und Verbrechen hochexplosiv, auch der Kampf zwischen Gant und Mitchel geht bis in die letzte Runde.
Bei kräftigem Brit-Rock gelang William Monahan in seinem Regiedebüt ein exzellent gestylter Gangsterfilm (Kamera: Chris Menges!). Die Geschichte eines guten Kerls auf Abwegen zeigt richtige Charaktere mit Ecken und Kanten, etwas Seele gibt es auch dazu. Monahan zelebriert seine Nebenfiguren, grandios bei dem unter all seiner vollendeten Form noch äußerst gefährlichen Gangster Gant und vor allem bei David Thewlis mit der Attitüde einer verwelkten Film-Diva, der Weisheit eines spirituellen Lehrers und der Entschlossenheit einer abgefeuerten Kugel.
Gerade noch terrorisierte er als Vampir in „Fright Night" die Nachbarschaft, nun macht Colin Farrell den Bodyguard für Keira Knightley, die hier Charlotte heißt. Aber die wirklich große Nummer in diesem coolen Männerfilm ist David Thewlis als Charlottes Manager Jordan. Das Regiedebüt des Drehbuchautors William Monahan („Königreich der Himmel", „Departed") im Stile von Guy Ritchie und seinen satten Gangster-Komödien trifft genau zwischen die Augen und Ohren.
Mitchel (Colin Farrell) scheint ein grundanständiger Typ zu sein. Trotzdem wird er, kaum aus dem Knast, respektiert, in Gangster-Kreisen gar gefürchtet. Schnell tritt er ansehnlich im Anzug auf, kann sich aber auch äußerst brutal durchsetzen. Während er die noch freundlichen Angebote alter Kumpel ablehnt, nimmt er einen Job als Bodyguard an. Sein Objekt ist Charlotte (Keira Knightley), ein Star in sehr frühem Ruhestand, der zu Bob Dylan ein wenig malt und ansonsten versucht, den Paparazzi zu entkommen. Aber auch der Gangster-Boss Gant („Sexy Beast" Ray Winstone) will ihn haben und nebenbei noch die eindrucksvolle Autosammlung in Charlottes Garage (selbstverständlich mit E-Type neben dem Rolls). Auch wenn hier Leidenschaft ausbricht, ist dies nicht „Bodyguard". „London Boulevard" wird am Ende sehr hässlich. Nicht nur ist die Mischung aus Prominenz und Verbrechen hochexplosiv, auch der Kampf zwischen Gant und Mitchel geht bis in die letzte Runde.
Bei kräftigem Brit-Rock gelang William Monahan in seinem Regiedebüt ein exzellent gestylter Gangsterfilm (Kamera: Chris Menges!). Die Geschichte eines guten Kerls auf Abwegen zeigt richtige Charaktere mit Ecken und Kanten, etwas Seele gibt es auch dazu. Monahan zelebriert seine Nebenfiguren, grandios bei dem unter all seiner vollendeten Form noch äußerst gefährlichen Gangster Gant und vor allem bei David Thewlis mit der Attitüde einer verwelkten Film-Diva, der Weisheit eines spirituellen Lehrers und der Entschlossenheit einer abgefeuerten Kugel.
Aduni - Fremde Heimat
BRD, Luxemburg 2011 Regie: Samira Radsi mit Irina Potapenko, Florian Lukas, Tilo Prückner 91 Min.
Zwischen den Kulturen - da findet man viele Filme. Einige gut, die Mehrzahl gut gemeint. Gut an diesem „Anduni" ist die Hauptdarstellerin Irina Potapenko und sind ein paar atmosphärische Momente. Der Rest ist wohlbekannt: Als der Vater der Studentin Belinda (Potapenko) stirbt, wird sie sich anlässlich des komödiantischen Chaos ihres armenisch-türkischen Familienclans ihrer Wurzeln bewusst. Die Beziehung mit dem verheimlichten deutschen Freund Manuel (Florian Lukas) läuft gerade nicht rund, weil der sich selbst verwirklichen will. Zwar funktionieren die Kuppelversuche der aufdringlichen Tante, die immer auf Familienbande pocht, auch nicht, doch Nachdenken ist deutlich ins Gesicht und in die Szenen geschrieben. Der nette Onkel Levon (Tilo Prückner) lässt Lebensweisheiten ab und deutet das türkische Massenmorden an den Armeniern an. Irgendwann kommt es, wie in diesen Filmen immer, zur gemeinsamen Reise nach Armenien, wo Belinda sich ein Stückchen selbst und am Berg Ararat auch die Liebe wiederfindet.
Selbstverständlich füllt der Film der TV-Regisseurin Samira Radsi auch noch viele Details des Immi-Lebens in Deutschland an, ist mit Kölner Beamten, die auch Untertitel brauchen, mal lustig. Doch mitreißen kann dieses Lamento, dem man nur ansieht, was es will, so gut wie nie. Jeder der alten Egoyan-Filme lässt diesen Schmerz viel stärker spüren, hier aber fehlt das Ganze, das mehr als die Summe der brav aufgezählten Lebens-Teile ist.
Zwischen den Kulturen - da findet man viele Filme. Einige gut, die Mehrzahl gut gemeint. Gut an diesem „Anduni" ist die Hauptdarstellerin Irina Potapenko und sind ein paar atmosphärische Momente. Der Rest ist wohlbekannt: Als der Vater der Studentin Belinda (Potapenko) stirbt, wird sie sich anlässlich des komödiantischen Chaos ihres armenisch-türkischen Familienclans ihrer Wurzeln bewusst. Die Beziehung mit dem verheimlichten deutschen Freund Manuel (Florian Lukas) läuft gerade nicht rund, weil der sich selbst verwirklichen will. Zwar funktionieren die Kuppelversuche der aufdringlichen Tante, die immer auf Familienbande pocht, auch nicht, doch Nachdenken ist deutlich ins Gesicht und in die Szenen geschrieben. Der nette Onkel Levon (Tilo Prückner) lässt Lebensweisheiten ab und deutet das türkische Massenmorden an den Armeniern an. Irgendwann kommt es, wie in diesen Filmen immer, zur gemeinsamen Reise nach Armenien, wo Belinda sich ein Stückchen selbst und am Berg Ararat auch die Liebe wiederfindet.
Selbstverständlich füllt der Film der TV-Regisseurin Samira Radsi auch noch viele Details des Immi-Lebens in Deutschland an, ist mit Kölner Beamten, die auch Untertitel brauchen, mal lustig. Doch mitreißen kann dieses Lamento, dem man nur ansieht, was es will, so gut wie nie. Jeder der alten Egoyan-Filme lässt diesen Schmerz viel stärker spüren, hier aber fehlt das Ganze, das mehr als die Summe der brav aufgezählten Lebens-Teile ist.
Jane Eyre
Großbritannien, USA 2011 (Jane Eyre) Regie: Cary Joji Fukunaga mit Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell, Sally Hawkins, Judi Dench 121 Min. FSK ab 12
Man muss mal abergläubig auf das Holz des Bücherregals klopfen: Die Literaturverfilmungen der letzten Zeit verwöhnen die Kinogänger durchgehend. Dass Mel Gibson als Hamlet seinen Hintern hinhält, scheint endgültig überstanden. Mit „Bright Star - Meine Liebe. Ewig" zeigte Jane Campion die letzten Monate im Leben von Keats wie ein Gedicht von Keats. Andrea Arnold begeisterte in Cannes mit einer naturgewaltigen „Sturmhöhe" nach Emily Brontë. Nun „Jane Eyre" von der Schwester Charlotte Brontë, statisch gesehen sowieso immer in den Top 10 der Literaturverfilmungen.
Regisseur Cary Joji Fukunaga ist die erste Überraschung - überzeugte er doch mit der latein-amerikanischen Gangster-Geschichte „Sin Nombre", aber man würde ihm daraufhin nicht unbedingt einen Kostüm-Klassiker zutrauen, der 1847 erstmals veröffentlicht wurde. Zu unrecht, denn wenn Fukunaga die melodramatische Geschichte der Gouvernante Jane Eyre (Mia Wasikowska) auch chronologisch umkrempelt und gezwungenermaßen einkürzt, bleibt er dem Werk erstaunlich treu: Die völlig erschöpfte Frau, die sich im Haus ihres Retters Vikar St. John Rivers („Billy Elliot" Jamie Bell) als Jane Elliot ausgibt, erinnert sich an eine grausame Kindheit. Als unschuldiges Mädchen, das sich gegen Unrecht wehrt, wird sie von einer hartherzige und hinterhältigen Tante (herrlich gemein: Sally Hawkins) in ein düsteres Waisenhaus abgeschoben. Brutale Prügelstrafen und Erniedrigungen sind hier täglich Brot, Janes einzige Freundin stirbt unter den erbärmlichen Bedingungen.
Doch Jane überlebt - in rascher Zusammenfassung - diese harte Schule und wird als Gouvernante auf dem Herrensitz Thornfield Hall angestellt. Es wäre mit der Haushälterin Mrs. Fairfax (Judi Dench) fast ein freundliches Frauenhaus, wenn nicht der düstere Hausherr Edward Rochester (Michael Fassbender) immer mal wieder vorbei schauen würde. Aber in der neuen Gouvernante mit dem direkten Blick und der offene Sprache findet der grimmige, ältere Mann eine Seelenverwandte. Jane muss noch eine Weile auf den Heiratsantrag warten, aber dann kann auch das dunkle Geheimnis von Rochester für einen neuerlichen Schicksalsschlag sorgen.
Die neue „Jane Eyre" ist eine BBC-Produktion, doch das bedeutet nicht wie bei uns, wenn Fernsehen draufsteht, dass es meist minderwertig auf dem einen oder anderen oder gleich auf jedem Gebiet ist. Mit der jungen Australierin Mia Wasikowska, die perfekt unauffällig faszinierend wirkt, als Hauptdarstellerin eines sehr eindrucksvollen Casts passt alles in diesem Rahmen der Roman-Verfilmung. Man schwelgt neugierig in dessen (extrem guten) Bildern, in den Räumen, in den Gesichtern und den Leben. Die Geistergeschichte entfaltet ihre Wirkung (mit genial eingesetzten kargen Licht), ein paar Schreckmomente dürfen auch sein. Wieder brilliert Michael Fassbender. Nach der Rolle des C.G. Jung in Cronenbergs „Eine gefährliche Methode" pflegt er hier das verbitterte Selbstmitleid Rochesters und man darf durchaus im gleichen Satz erwähnen, dass der große Orson Welles diese Rolle einst spielte. Diese „Jane Eyre" kann man sich - nicht nur für den Englischunterricht - merken, genau wie den Namen Cary Joji Fukunaga.
Man muss mal abergläubig auf das Holz des Bücherregals klopfen: Die Literaturverfilmungen der letzten Zeit verwöhnen die Kinogänger durchgehend. Dass Mel Gibson als Hamlet seinen Hintern hinhält, scheint endgültig überstanden. Mit „Bright Star - Meine Liebe. Ewig" zeigte Jane Campion die letzten Monate im Leben von Keats wie ein Gedicht von Keats. Andrea Arnold begeisterte in Cannes mit einer naturgewaltigen „Sturmhöhe" nach Emily Brontë. Nun „Jane Eyre" von der Schwester Charlotte Brontë, statisch gesehen sowieso immer in den Top 10 der Literaturverfilmungen.
Regisseur Cary Joji Fukunaga ist die erste Überraschung - überzeugte er doch mit der latein-amerikanischen Gangster-Geschichte „Sin Nombre", aber man würde ihm daraufhin nicht unbedingt einen Kostüm-Klassiker zutrauen, der 1847 erstmals veröffentlicht wurde. Zu unrecht, denn wenn Fukunaga die melodramatische Geschichte der Gouvernante Jane Eyre (Mia Wasikowska) auch chronologisch umkrempelt und gezwungenermaßen einkürzt, bleibt er dem Werk erstaunlich treu: Die völlig erschöpfte Frau, die sich im Haus ihres Retters Vikar St. John Rivers („Billy Elliot" Jamie Bell) als Jane Elliot ausgibt, erinnert sich an eine grausame Kindheit. Als unschuldiges Mädchen, das sich gegen Unrecht wehrt, wird sie von einer hartherzige und hinterhältigen Tante (herrlich gemein: Sally Hawkins) in ein düsteres Waisenhaus abgeschoben. Brutale Prügelstrafen und Erniedrigungen sind hier täglich Brot, Janes einzige Freundin stirbt unter den erbärmlichen Bedingungen.
Doch Jane überlebt - in rascher Zusammenfassung - diese harte Schule und wird als Gouvernante auf dem Herrensitz Thornfield Hall angestellt. Es wäre mit der Haushälterin Mrs. Fairfax (Judi Dench) fast ein freundliches Frauenhaus, wenn nicht der düstere Hausherr Edward Rochester (Michael Fassbender) immer mal wieder vorbei schauen würde. Aber in der neuen Gouvernante mit dem direkten Blick und der offene Sprache findet der grimmige, ältere Mann eine Seelenverwandte. Jane muss noch eine Weile auf den Heiratsantrag warten, aber dann kann auch das dunkle Geheimnis von Rochester für einen neuerlichen Schicksalsschlag sorgen.
Die neue „Jane Eyre" ist eine BBC-Produktion, doch das bedeutet nicht wie bei uns, wenn Fernsehen draufsteht, dass es meist minderwertig auf dem einen oder anderen oder gleich auf jedem Gebiet ist. Mit der jungen Australierin Mia Wasikowska, die perfekt unauffällig faszinierend wirkt, als Hauptdarstellerin eines sehr eindrucksvollen Casts passt alles in diesem Rahmen der Roman-Verfilmung. Man schwelgt neugierig in dessen (extrem guten) Bildern, in den Räumen, in den Gesichtern und den Leben. Die Geistergeschichte entfaltet ihre Wirkung (mit genial eingesetzten kargen Licht), ein paar Schreckmomente dürfen auch sein. Wieder brilliert Michael Fassbender. Nach der Rolle des C.G. Jung in Cronenbergs „Eine gefährliche Methode" pflegt er hier das verbitterte Selbstmitleid Rochesters und man darf durchaus im gleichen Satz erwähnen, dass der große Orson Welles diese Rolle einst spielte. Diese „Jane Eyre" kann man sich - nicht nur für den Englischunterricht - merken, genau wie den Namen Cary Joji Fukunaga.
In Time – Deine Zeit läuft ab
USA 2011 (In Time) Regie: Andrew Niccol mit Amanda Seyfried, Justin Timberlake, Cillian Murphy, Vincent Kartheiser, Olivia Wilde 109 Min.
Zeit ist Geld! Dieser meist falsch verstandene Spruch wurde in der Zukunftswelt von „In Time" so kurzgeschlossen, dass Zeit direkt zur Währung wird. Lebenszeit wohlgemerkt! Das oft gehörte „Keine Zeit fürs Frühstück" heißt hier ganz einfach, keine Geld-Minuten, um Kaffee und Brot zu bezahlen. Eine Busfahrt kostet zwei Stunden, die Strecke zu Fuß gehen, würde zwei Stunden dauern. Das hört sich gerecht an, aber eine unverschämte Inflation lässt den armen Menschen nichts zum Leben übrig. „Ich habe keine Zeit mehr" wird existenziell, die Straßen sind mit Leichen gepflastert. Abgerechnet wird nicht mehr futuristisch über das Handy, sondern direkt aus dem Zeit-Konto einer in den Arm implantieren Digitaluhr. Dabei könnte es das Paradies sein: Die Körper hören mit 25 auf zu altern, alle bleiben gleich alt, doch die Lebens-Zeit läuft weiter. Wenn die Countdown-Uhr zum 25. startet, ist es für alle ein Schock. Sie versichern sich im Spiegel ihrer nun endlichen Existenz.
Will Salas (Justin Timberlake) gehört zu den armen Menschen im Getto Dayton. Er lebt von der Hand im Mund - selten zeigt seine Lebensuhr mehr als einen Tag Restguthaben an. Nachdem er in der raschen Erzählung einem uralten und lebensmüden Zeit-Millionär ein letztes Mal das Leben rettete und seine Mutter nicht mehr rechtzeitig ihr Guthaben aufladen konnte, dringt Will mit Hilfe eines Zeitgeschenks in New Greenwich, die heftig gesicherte Zeitzone (sic!) der Reichen ein. Denn wie im guten Science Fiction seit H. G. Wells' „Zeitmachine" gibt es die Elois und Morlocks, gibt es eine Unter- und Oberwelt. Die dekadente Gesellschaft dort pokert mit Lebensjahren. Das wirkt besonders pervers - und sehr spannend, wenn Will alles auf die letzte Sekunde setzt. Schnell erwischen ihn die bedrohlichen Zeitjäger, doch mit Sylvia (Amanda Seyfried), Tochter des millionenschweren Konzernchefs Weis, flieht er zurück ins Getto, wo wieder die Regeln des Survival of the fittest herrschen. Die verwöhnte Göre findet Spaß am rauen Typen sowie am Bonnie und Clyde-Spiel, denn die beiden machen bald auf Robin Hood und kämpfen gegen das System.
„In Time" fesselt mit einer hervorragenden Sci Fi-Geschichte, bei der man gar nicht glauben will, dass sie mal nicht von Philip K. Dick geschrieben wurde. Autor Andrew Niccol ist verantwortlich und auch der perfekte Regisseur, konnte er doch schon bei „S1m0ne" (2002) und „Gattaca" (1997) mit glaubwürdigen Zukunfts-Atmosphären überzeugen. Der Unterschied und die Ausbeutung zwischen den Zeitzonen thematisieren treffend die sozialen Diskrepanzen unserer Gegenwart: Die Reichen bekommen immer mehr Zeit, die Armen sterben. Bei Widerstand drohen die Machthaber mit Systemversagen, doch die Menschen verlassen schließlich ihr Gefängnis wie beim Fall der Mauer in Berlin.
Justin Timberlake spielt dabei ganz anständig einen Messias, der eine neue Zeitrechnung einführt, nicht nur nimmt, sondern gibt. Aber vor allem Cillian Murphy („The Wind That Shakes the Barley", 2006) ist großartig gefährlich und mysteriös als Zeitjäger Raymond Leon. Außerdem glänzt „In Time" mit Retroautos wie Jaguar E-Type und Citroen DS, auf Partys läuft Nouvelle Vague, der Soundtrack von Craig Armstrong will Blade Runner-Erinnerungen hervorrufen. Die (in der Originalfassung) guten Dialoge erfreuen konstant mit Zeit-Wortspielen. Der Film ist seine Laufzeit wert!
Zeit ist Geld! Dieser meist falsch verstandene Spruch wurde in der Zukunftswelt von „In Time" so kurzgeschlossen, dass Zeit direkt zur Währung wird. Lebenszeit wohlgemerkt! Das oft gehörte „Keine Zeit fürs Frühstück" heißt hier ganz einfach, keine Geld-Minuten, um Kaffee und Brot zu bezahlen. Eine Busfahrt kostet zwei Stunden, die Strecke zu Fuß gehen, würde zwei Stunden dauern. Das hört sich gerecht an, aber eine unverschämte Inflation lässt den armen Menschen nichts zum Leben übrig. „Ich habe keine Zeit mehr" wird existenziell, die Straßen sind mit Leichen gepflastert. Abgerechnet wird nicht mehr futuristisch über das Handy, sondern direkt aus dem Zeit-Konto einer in den Arm implantieren Digitaluhr. Dabei könnte es das Paradies sein: Die Körper hören mit 25 auf zu altern, alle bleiben gleich alt, doch die Lebens-Zeit läuft weiter. Wenn die Countdown-Uhr zum 25. startet, ist es für alle ein Schock. Sie versichern sich im Spiegel ihrer nun endlichen Existenz.
Will Salas (Justin Timberlake) gehört zu den armen Menschen im Getto Dayton. Er lebt von der Hand im Mund - selten zeigt seine Lebensuhr mehr als einen Tag Restguthaben an. Nachdem er in der raschen Erzählung einem uralten und lebensmüden Zeit-Millionär ein letztes Mal das Leben rettete und seine Mutter nicht mehr rechtzeitig ihr Guthaben aufladen konnte, dringt Will mit Hilfe eines Zeitgeschenks in New Greenwich, die heftig gesicherte Zeitzone (sic!) der Reichen ein. Denn wie im guten Science Fiction seit H. G. Wells' „Zeitmachine" gibt es die Elois und Morlocks, gibt es eine Unter- und Oberwelt. Die dekadente Gesellschaft dort pokert mit Lebensjahren. Das wirkt besonders pervers - und sehr spannend, wenn Will alles auf die letzte Sekunde setzt. Schnell erwischen ihn die bedrohlichen Zeitjäger, doch mit Sylvia (Amanda Seyfried), Tochter des millionenschweren Konzernchefs Weis, flieht er zurück ins Getto, wo wieder die Regeln des Survival of the fittest herrschen. Die verwöhnte Göre findet Spaß am rauen Typen sowie am Bonnie und Clyde-Spiel, denn die beiden machen bald auf Robin Hood und kämpfen gegen das System.
„In Time" fesselt mit einer hervorragenden Sci Fi-Geschichte, bei der man gar nicht glauben will, dass sie mal nicht von Philip K. Dick geschrieben wurde. Autor Andrew Niccol ist verantwortlich und auch der perfekte Regisseur, konnte er doch schon bei „S1m0ne" (2002) und „Gattaca" (1997) mit glaubwürdigen Zukunfts-Atmosphären überzeugen. Der Unterschied und die Ausbeutung zwischen den Zeitzonen thematisieren treffend die sozialen Diskrepanzen unserer Gegenwart: Die Reichen bekommen immer mehr Zeit, die Armen sterben. Bei Widerstand drohen die Machthaber mit Systemversagen, doch die Menschen verlassen schließlich ihr Gefängnis wie beim Fall der Mauer in Berlin.
Justin Timberlake spielt dabei ganz anständig einen Messias, der eine neue Zeitrechnung einführt, nicht nur nimmt, sondern gibt. Aber vor allem Cillian Murphy („The Wind That Shakes the Barley", 2006) ist großartig gefährlich und mysteriös als Zeitjäger Raymond Leon. Außerdem glänzt „In Time" mit Retroautos wie Jaguar E-Type und Citroen DS, auf Partys läuft Nouvelle Vague, der Soundtrack von Craig Armstrong will Blade Runner-Erinnerungen hervorrufen. Die (in der Originalfassung) guten Dialoge erfreuen konstant mit Zeit-Wortspielen. Der Film ist seine Laufzeit wert!
23.11.11
Breaking Dawn - Bis(s) zum Ende der Nacht (Teil 1)
Biss 4 1/2
Nach vielen Schmerzen ist die Verwandlung abgeschlossen, ein neues Wesen tritt in die Welt: Darth Vader wird am Ende von Episode 3 zum Schalentier, das „Star Wars" geprägt hat! Oops - falscher Film, man kann aber auch durcheinanderkommen bei den vielen verlängerten Enden im aktuellen Kino. Also, nach vielen Schmerzen ist die Verwandlung abgeschlossen, ein neues Wesen tritt in die Welt, Bella öffnet ihre Augen und rote Pupillen verraten: Ich will Blut, Menschenblut!
Bis es dazu kommt, ist „Biss 4 1/2" allerdings fast eine Stunde lang ein Heiratsfilmchen mit ganz, ganz viel Schmalz und ohne eine Spur von Hämoglobin. Die Kamera ist vor lauter Glück zwischen Edward und Bella so trunken, sie hört gar nicht mehr auf zu kreisen. Echte Männer sagen da längst wie Werwolf und Zweitliebhaber Jake: „Ich weiß, wie das endet und ich werde nicht hier bleiben und zusehen!"
Ein reiner Frauenfilm, wenn nicht der Bräutigam vor der Hochzeit gestehen würde, dass er früher, als noch James Whales „Frankensteins Braut" im Kino lief, massig Massenmörder leer gesaugt hat. Und wenn nicht ein schön schrecklicher Albtraum in weiß und Blut mit den Volturi und einer Menge Leichen Schlimmes voraus deutete. Doch erst muss der Nicht-Fan eine Hochzeitsreise mit Traumurlaubsbildern durchstehen, die nur von den unerträglich kitschigen Musik untertroffen wird. (Im Saal fließen schon Tränchen...) Dazu unendlich viel Gerede, denn dass der Mann beim Sex zum bissigen Tier wird, ist hier mal nicht erwünscht. Obwohl, Sex ist hier wieder in kindergartentauglicher Form dargeboten. So wundert man sich eher, dass Bella überhaupt schwanger ist, als dass der kleine Vampir in ihr lebensgefährlich rasant heranwächst.
Bislang wurde die Zeit für einen zweiten Teil gestreckt, es dauert fast eine Stunde, bis das Drama beginnt und dann ein Jahr bis es mit dem zweiten Teil 4 im Kino beendet wird - Vampirtempo halt. Jetzt überstürzt sich alles, eine ins Mythische übertragene, aber ansonsten veritable Abtreibungsdiskussion beginnt, bei der Männer den Frauen sagen wollen, was zu tun ist. Gleichzeitig bricht die Vereinigung von Mensch und Vampir den Waffenstillstand zwischen Saugern und werwölfischen Beißern. So belauern die immer noch furchtbar schlecht animierten Zotteltiere das Glashaus, in dem die Vampirfamilie völlig ausgehungert um Bellas Leben bangt. Jake gibt den Doppelagenten und ein komplexes Finale um Leben und Sterben, um das weibliche und das vampirische Lebengeben, sowie um den Kampf zwischen höheren Wesen und den Tieren (den Edel-Designern des Hauses Cullen und den Proletariern vom Stamme Wolf) endet enttäuschend mit einem Deus ex machina namens Prägung.
Das geriet immer mal wieder lustig, wenn die blasse Verwandtschaft mit leichter Hand den Hochzeitspavillon aufbaut und man über alte Feindschaften schmunzelt - man stellt sich zwischendurch die entsprechende Situation zwischen übermäßig siedelnden Zionisten und ebenso militanten Palästinensern vor. Aber „Biss 4 1/2" ist Lichtjahre davon entfernt, sarkastisch zu sein. Bis zur Diskussion über Kindernamen bedient er sein weibliches Zielpublikum, verbrämt unglaublich altbacken die Angst vor der „ersten Nacht" und transponiert auch andere, durchaus brisante Themen in den Kosmos alter bekannter Fangzahn-Nutzer. Dass dies wenigstens in der zweiten Hälfte der ersten Hälfte vom vierten Teil noch ganz gut unterhält, ist Planerfüllung. Der Stachel wurde vorher mit einem kleinen Film in Film gesetzt: „Frankensteins Braut" verweist auf das Meisterwerk „Gods and Monsters" des Biss-Regisseurs Bill Condon, gegen den dies alles nicht nur ein bisschen blutleer bleibt.
Nach vielen Schmerzen ist die Verwandlung abgeschlossen, ein neues Wesen tritt in die Welt: Darth Vader wird am Ende von Episode 3 zum Schalentier, das „Star Wars" geprägt hat! Oops - falscher Film, man kann aber auch durcheinanderkommen bei den vielen verlängerten Enden im aktuellen Kino. Also, nach vielen Schmerzen ist die Verwandlung abgeschlossen, ein neues Wesen tritt in die Welt, Bella öffnet ihre Augen und rote Pupillen verraten: Ich will Blut, Menschenblut!
Bis es dazu kommt, ist „Biss 4 1/2" allerdings fast eine Stunde lang ein Heiratsfilmchen mit ganz, ganz viel Schmalz und ohne eine Spur von Hämoglobin. Die Kamera ist vor lauter Glück zwischen Edward und Bella so trunken, sie hört gar nicht mehr auf zu kreisen. Echte Männer sagen da längst wie Werwolf und Zweitliebhaber Jake: „Ich weiß, wie das endet und ich werde nicht hier bleiben und zusehen!"
Ein reiner Frauenfilm, wenn nicht der Bräutigam vor der Hochzeit gestehen würde, dass er früher, als noch James Whales „Frankensteins Braut" im Kino lief, massig Massenmörder leer gesaugt hat. Und wenn nicht ein schön schrecklicher Albtraum in weiß und Blut mit den Volturi und einer Menge Leichen Schlimmes voraus deutete. Doch erst muss der Nicht-Fan eine Hochzeitsreise mit Traumurlaubsbildern durchstehen, die nur von den unerträglich kitschigen Musik untertroffen wird. (Im Saal fließen schon Tränchen...) Dazu unendlich viel Gerede, denn dass der Mann beim Sex zum bissigen Tier wird, ist hier mal nicht erwünscht. Obwohl, Sex ist hier wieder in kindergartentauglicher Form dargeboten. So wundert man sich eher, dass Bella überhaupt schwanger ist, als dass der kleine Vampir in ihr lebensgefährlich rasant heranwächst.
Bislang wurde die Zeit für einen zweiten Teil gestreckt, es dauert fast eine Stunde, bis das Drama beginnt und dann ein Jahr bis es mit dem zweiten Teil 4 im Kino beendet wird - Vampirtempo halt. Jetzt überstürzt sich alles, eine ins Mythische übertragene, aber ansonsten veritable Abtreibungsdiskussion beginnt, bei der Männer den Frauen sagen wollen, was zu tun ist. Gleichzeitig bricht die Vereinigung von Mensch und Vampir den Waffenstillstand zwischen Saugern und werwölfischen Beißern. So belauern die immer noch furchtbar schlecht animierten Zotteltiere das Glashaus, in dem die Vampirfamilie völlig ausgehungert um Bellas Leben bangt. Jake gibt den Doppelagenten und ein komplexes Finale um Leben und Sterben, um das weibliche und das vampirische Lebengeben, sowie um den Kampf zwischen höheren Wesen und den Tieren (den Edel-Designern des Hauses Cullen und den Proletariern vom Stamme Wolf) endet enttäuschend mit einem Deus ex machina namens Prägung.
Das geriet immer mal wieder lustig, wenn die blasse Verwandtschaft mit leichter Hand den Hochzeitspavillon aufbaut und man über alte Feindschaften schmunzelt - man stellt sich zwischendurch die entsprechende Situation zwischen übermäßig siedelnden Zionisten und ebenso militanten Palästinensern vor. Aber „Biss 4 1/2" ist Lichtjahre davon entfernt, sarkastisch zu sein. Bis zur Diskussion über Kindernamen bedient er sein weibliches Zielpublikum, verbrämt unglaublich altbacken die Angst vor der „ersten Nacht" und transponiert auch andere, durchaus brisante Themen in den Kosmos alter bekannter Fangzahn-Nutzer. Dass dies wenigstens in der zweiten Hälfte der ersten Hälfte vom vierten Teil noch ganz gut unterhält, ist Planerfüllung. Der Stachel wurde vorher mit einem kleinen Film in Film gesetzt: „Frankensteins Braut" verweist auf das Meisterwerk „Gods and Monsters" des Biss-Regisseurs Bill Condon, gegen den dies alles nicht nur ein bisschen blutleer bleibt.
Die Mühle und das Kreuz
Schweden, Polen 2011 (The mill and the cross / Mlyn i krzyz) Regie: Lech Majewski mit Rutger Hauer, Michael York, Charlotte Rampling 95 Min. FSK ab 12
Der Kummer von Flandern, Teil 2
Das Bild als Geschichte - wie es Greenaway mit der Nachtwache machte, wird hier „Die Kreuztragung Christi" von Pieter Brueghel dem Älteren, entstanden 1564 in Flandern, wieder ins Leben gerufen. (Oder in eine neue Kunstform transformiert.) Aus den hunderten Figuren der Gemälde-Totalen pickt sich Lech Majewski2, ein polnischer Künstler, der bereits vom MOMA in New York ausgezeichnet wurde, einige Menschen heraus.
Es ist der Tag des Gemäldes, in dem auch der Maler, gespielt von der niederländischen Legende Rutger Hauer („Blade Runner") herumwandelt. Der Alltag bei den Brueghels beginnt mit einer Vielzahl von Kindern, die sich aus den dicken Deckbetten schälen. Holzfäller schlagen den Baum für das Kreuz. Komisch wirkt das durch den Wald gerollte Rad, das später grausames Folterinstrument wird. Denn spanische Inquisitoren mit roten Mänteln verbreiten reitend Terror im Land. Im Hintergrund mal echte, karstige Landschaften, mal auf riesiger Leinwand die Grundierung des Gemäldes. Dabei schafft Majewski selbst immer wieder faszinierend Visionen, etwa indem er zu der hoch auf einem kahlen Berge stehende Windmühle das tief im Gestein liegenden Räderwerk (der Welt) belebt. Einige Bilder haben die nachhaltige Wirkkraft guter Gemälde, die ganze Komposition saugt in das große Zeitbild, das bis in kleinste Details historisch nachfühlbar und glaubwürdig nachgestellt wurde. Nur drei Figuren sprechen, neben Brueghel auch Michael York als Kunstsammler Nicholas Jonghelinck und Vanessa Redgrave als klagende Maria. „Die Mühle und das Kreuz" erzählt Geschichten und Geschichte eines Bildes auf faszinierende Weise, bei der die Grausamkeiten der Zeit ebenso wenig ausgespart werden wie einfache Freuden. Gleichzeitig ist das Meisterwerk eine spannende, auf einem Buch von Michael Francis Gibson basierende Bildinterpretation, die immer wieder von Stillleben der Figuren unterstützt wird.
Der Kummer von Flandern, Teil 2
Das Bild als Geschichte - wie es Greenaway mit der Nachtwache machte, wird hier „Die Kreuztragung Christi" von Pieter Brueghel dem Älteren, entstanden 1564 in Flandern, wieder ins Leben gerufen. (Oder in eine neue Kunstform transformiert.) Aus den hunderten Figuren der Gemälde-Totalen pickt sich Lech Majewski2, ein polnischer Künstler, der bereits vom MOMA in New York ausgezeichnet wurde, einige Menschen heraus.
Es ist der Tag des Gemäldes, in dem auch der Maler, gespielt von der niederländischen Legende Rutger Hauer („Blade Runner") herumwandelt. Der Alltag bei den Brueghels beginnt mit einer Vielzahl von Kindern, die sich aus den dicken Deckbetten schälen. Holzfäller schlagen den Baum für das Kreuz. Komisch wirkt das durch den Wald gerollte Rad, das später grausames Folterinstrument wird. Denn spanische Inquisitoren mit roten Mänteln verbreiten reitend Terror im Land. Im Hintergrund mal echte, karstige Landschaften, mal auf riesiger Leinwand die Grundierung des Gemäldes. Dabei schafft Majewski selbst immer wieder faszinierend Visionen, etwa indem er zu der hoch auf einem kahlen Berge stehende Windmühle das tief im Gestein liegenden Räderwerk (der Welt) belebt. Einige Bilder haben die nachhaltige Wirkkraft guter Gemälde, die ganze Komposition saugt in das große Zeitbild, das bis in kleinste Details historisch nachfühlbar und glaubwürdig nachgestellt wurde. Nur drei Figuren sprechen, neben Brueghel auch Michael York als Kunstsammler Nicholas Jonghelinck und Vanessa Redgrave als klagende Maria. „Die Mühle und das Kreuz" erzählt Geschichten und Geschichte eines Bildes auf faszinierende Weise, bei der die Grausamkeiten der Zeit ebenso wenig ausgespart werden wie einfache Freuden. Gleichzeitig ist das Meisterwerk eine spannende, auf einem Buch von Michael Francis Gibson basierende Bildinterpretation, die immer wieder von Stillleben der Figuren unterstützt wird.
22.11.11
Bullhead
Belgien, Niederlande 2011 (Rundskop) Regie: Michaël R. Roskam mit Matthias Schoenaerts, Jeroen Perceval, Jeanne Dandoy, Barbara Sarafian 129 Min. FSK ab 16
Der Kummer von Flandern, Teil 1
Der belgische Oscar-Kandidat ist ein moderner Heimatfilm: So flämisch, dass es niederländische Untertitel braucht. So dunkel, dass man gerne pharmazeutische Aufheller hätte. Wenn man nicht danach nie wieder was von illegalen Mitteln wallonischer Apotheker wissen will. „Bullhead" erzählt von der Hormon-Mafia in Belgisch-Limburg, die zu neugierige Polizisten umbringt. Und von Jacky Vanmarsenille (Matthias Schoenaerts), einem Bauern, der mittendrin steckt. Als dessen Limburger Gang Kontakte mit ähnlich gelagerten Kriminellen aus Ost-Flandern aufnimmt, treffen sich zwei alte Bekannte mit besonders düsterer Vergangenheit. Was vor zwanzig Jahren passierte, zeigt eine Rückblende und stellt Belgien in Erinnerung an Dutroux und die „Bende van Nijvel" wieder als Brutalistan dar. Ein extrem brutaler flämisch-wallonischer Kinderkrieg an der Sprachgrenze zerschmettert ein Leben und führt zu einem unlösbaren Zwiespalt zwischen Rache und Leidenschaft.
Die Helden in „Bullhead" sind Tiere, die Tiere sind Opfer. Irgendwie bekommen sie die gleichen Wachstumshormone, was wohl auch ihre Intelligenz nivelliert. Das könnte komisch werden, ist aber tragisch ernst. Auch weil das flämische Drama auf beeindruckende Weise Krimi und persönliches Drama verknüpft. Da gibt es Zeitlupen im Leone-Stil bei großen Momenten, depperte Autodiebe aus Lüttich für ein wenig „comic relief", eine Steilvorlage für alle, die gerne Gotteslästerung rufen, und in einem magischen Geburtsmoment sogar etwas vom Flandern des Bruno Dumont. So ist „Bullhead" verständlicherweise seit seiner Premiere in Cannes 2010 im Gespräch - auch als heißer Oscar-Kandidat.
Der Kummer von Flandern, Teil 1
Der belgische Oscar-Kandidat ist ein moderner Heimatfilm: So flämisch, dass es niederländische Untertitel braucht. So dunkel, dass man gerne pharmazeutische Aufheller hätte. Wenn man nicht danach nie wieder was von illegalen Mitteln wallonischer Apotheker wissen will. „Bullhead" erzählt von der Hormon-Mafia in Belgisch-Limburg, die zu neugierige Polizisten umbringt. Und von Jacky Vanmarsenille (Matthias Schoenaerts), einem Bauern, der mittendrin steckt. Als dessen Limburger Gang Kontakte mit ähnlich gelagerten Kriminellen aus Ost-Flandern aufnimmt, treffen sich zwei alte Bekannte mit besonders düsterer Vergangenheit. Was vor zwanzig Jahren passierte, zeigt eine Rückblende und stellt Belgien in Erinnerung an Dutroux und die „Bende van Nijvel" wieder als Brutalistan dar. Ein extrem brutaler flämisch-wallonischer Kinderkrieg an der Sprachgrenze zerschmettert ein Leben und führt zu einem unlösbaren Zwiespalt zwischen Rache und Leidenschaft.
Die Helden in „Bullhead" sind Tiere, die Tiere sind Opfer. Irgendwie bekommen sie die gleichen Wachstumshormone, was wohl auch ihre Intelligenz nivelliert. Das könnte komisch werden, ist aber tragisch ernst. Auch weil das flämische Drama auf beeindruckende Weise Krimi und persönliches Drama verknüpft. Da gibt es Zeitlupen im Leone-Stil bei großen Momenten, depperte Autodiebe aus Lüttich für ein wenig „comic relief", eine Steilvorlage für alle, die gerne Gotteslästerung rufen, und in einem magischen Geburtsmoment sogar etwas vom Flandern des Bruno Dumont. So ist „Bullhead" verständlicherweise seit seiner Premiere in Cannes 2010 im Gespräch - auch als heißer Oscar-Kandidat.
30 Minuten oder weniger
USA 2011 (30 Minutes or less) Regie: Ruben Fleischer mit Jesse Eisenberg, Danny McBride, Aziz Ansari 83 Min. FSK: ab 16
Nach der flotten und witzigen Horror-Parodie „Zombieland" (2009) liefert Regisseur Ruben Fleischer ein gleich mehrfach misslungenes B-Filmchen ab, die Gauner-Komödie sein will. Immerhin ein interessantes Studienobjekt zu Einigem, das beim Filmen schief gehen kann. Die Grundidee ist ok: Rasender Pizzabote Nick (Jesse Eisenberg) wird von zwei Idioten unter Affenmasken überwältigt und wacht mit einer „Bomben-Jacke" auf. Es habe zehn Stunden, um 100.000 Dollar aufzutreiben, ansonsten macht es Bumm! Außerdem würde man ihn genau im Auge behalten. Nun versöhnt sich Nick erst mit seinem Freund, verabschiedet sich dann von dessen Schwester, in die er verliebt ist, klaut ein Auto, holt etwas zu essen und beraubt eine Bank. Erst bei der Übergabe der Beute an einen Killer (welcher eigentlich den Vater eines der Affen ermorden soll) geht es schief, denn auch Nick findet wohl, dass die Situation nicht wirklich bedrohlich, der Film überhaupt nicht spannend und auch nur selten lustig ist.
Wenn sich einige Leute dämlich kriminell und auch kriminell dämlich verhalten, ist dies längst noch kein „Fargo". Dazu müsste man vielleicht die Figuren besser besetzen. Wenn man eine Stunde nach dem Film die große Liebe und den besten Freund des Helden nicht mehr erinnern kann, stimmt da was nicht. Emma Stone aus „Zombieland" zum Beispiel erkennt man seitdem immer wieder. Jesse Eisenberg, der prinzipiell melancholisch und minimal intelligenter aussieht, als sich seine Figuren verhalten müssen, dient hier nur als Markenzeichen für zottige Blödelfilme. Diesmal sind selbst pure Slapstick-Figuren wie Fred Ward als zu ermordender Idioten-Vater mit militärischer Deformation verschenkt. Man denke nur kurz an John Goodman, Steve Buscemi oder John Turturro in „The Big Lebowski". Doch die Meßlatte muss gar nicht auf Coen-Höhe liegen, etwas Spaß und Spannung hätten gereicht - Fehlanzeige. Seltsam mechanisch funktionieren nur die Verfolgungs-Szenen mit eingebauter Verschrottung: Das ist Realismus pur, der Raser-Wahnsinn auf unseren Straßen findet nicht wegen Räuber und Gendarm statt. Piazza-Service oder Paket-Dienst verpulvern Verkehrsregeln und die Sicherheit auf den Straßen.
Nach der flotten und witzigen Horror-Parodie „Zombieland" (2009) liefert Regisseur Ruben Fleischer ein gleich mehrfach misslungenes B-Filmchen ab, die Gauner-Komödie sein will. Immerhin ein interessantes Studienobjekt zu Einigem, das beim Filmen schief gehen kann. Die Grundidee ist ok: Rasender Pizzabote Nick (Jesse Eisenberg) wird von zwei Idioten unter Affenmasken überwältigt und wacht mit einer „Bomben-Jacke" auf. Es habe zehn Stunden, um 100.000 Dollar aufzutreiben, ansonsten macht es Bumm! Außerdem würde man ihn genau im Auge behalten. Nun versöhnt sich Nick erst mit seinem Freund, verabschiedet sich dann von dessen Schwester, in die er verliebt ist, klaut ein Auto, holt etwas zu essen und beraubt eine Bank. Erst bei der Übergabe der Beute an einen Killer (welcher eigentlich den Vater eines der Affen ermorden soll) geht es schief, denn auch Nick findet wohl, dass die Situation nicht wirklich bedrohlich, der Film überhaupt nicht spannend und auch nur selten lustig ist.
Wenn sich einige Leute dämlich kriminell und auch kriminell dämlich verhalten, ist dies längst noch kein „Fargo". Dazu müsste man vielleicht die Figuren besser besetzen. Wenn man eine Stunde nach dem Film die große Liebe und den besten Freund des Helden nicht mehr erinnern kann, stimmt da was nicht. Emma Stone aus „Zombieland" zum Beispiel erkennt man seitdem immer wieder. Jesse Eisenberg, der prinzipiell melancholisch und minimal intelligenter aussieht, als sich seine Figuren verhalten müssen, dient hier nur als Markenzeichen für zottige Blödelfilme. Diesmal sind selbst pure Slapstick-Figuren wie Fred Ward als zu ermordender Idioten-Vater mit militärischer Deformation verschenkt. Man denke nur kurz an John Goodman, Steve Buscemi oder John Turturro in „The Big Lebowski". Doch die Meßlatte muss gar nicht auf Coen-Höhe liegen, etwas Spaß und Spannung hätten gereicht - Fehlanzeige. Seltsam mechanisch funktionieren nur die Verfolgungs-Szenen mit eingebauter Verschrottung: Das ist Realismus pur, der Raser-Wahnsinn auf unseren Straßen findet nicht wegen Räuber und Gendarm statt. Piazza-Service oder Paket-Dienst verpulvern Verkehrsregeln und die Sicherheit auf den Straßen.
21.11.11
Der Gott des Gemetzels
Frankreich 2011 (Carnage) Regie: Roman Polanski mit Christopher Waltz, Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly 79 Min.
Hinter dem wunderbar ironischen Titel „Gott des Gemetzels" verbirgt sich eine herrliche Gesellschaftskomödie. Roman Polanskis Kammer-Quartett mit zwei New Yorker Elternpaaren, die zivilisiert die Prügelei ihrer Söhne klären wollen, ist schon ein unterhaltsamer Lacherfolg, noch bevor bei fortschreitender Entwicklung unter Alkoholeinfluss die letzten Masken fielen. Christopher Waltz spielt mit wenig zurückhaltender Ironie seiner aalglatten Anwaltsfigur tatsächlich etablierte Weltstars wie Jodie Foster, Kate Winslet und John C. Reilly an die fein dekorierte Wand (Produktions-Design: Dean Tavoularis).
Das zugrunde liegende Theaterstück von Yasmina Reza lässt unterschiedliche Charaktere aufeinanderprallen und zurückgehaltene Wahrheiten entgleiten. Obwohl die Eltern des „Täters", Nancy und Alan (Winslet, Waltz), eigentlich schon aus der Tür raus sind, will man noch einen Kaffee trinken. Dazu gibt es selbstgemachten Kuchen von Penelope (Foster) und Streit. Kleine Spitzen schleichen sich in die bemüht freundlichen Sätze, die Masken des zivilisierten Umgangs verrutschen zusehends, obwohl Michael (Reilly) geradezu mitleiderregend um Ausgleich bemüht ist. War der Stock, der zwei Zähne kostete, eine Waffe? Und hat das Kind von Nancy und Alan vielleicht echte Probleme? Alan sagt geradeheraus, sein Sohn sei ein Verrückter, dem könne man nicht helfen. Aber Formulierungen eines absichtlichen Angriffs verbittet er sich, wenn es sein Handy erlaubt. Denn parallel muss der Anwalt die Krise eines Pharma-Unternehmens managen, deren Blutdruck-Medikament ein paar Opfer zuviel gefordert hat. Dass ausgerechnet Michaels Mutter dieses Medikament nimmt, gehört zu den vielen humoristischen Volltreffern des Skripts. Ein Knaller ist es auch, wenn Nancy in hohem Bogen auf Penelopes geliebte Teatable-Kunstbücher kotzt. War Penelopes Kuchen schuld? Aber keine Angst: Kotzen auf Kokoschka ist neben dem grunzenden Lachen von Waltz ein seltener Moment groben Humors in diesem gefährlichen Feld scharfer Wort-Spitzen. Zuerst bricht die Solidarität der Ehepartner auf, dann sorgt ein alter Scotch für einen Männerbund und alle verbünden sich gegen Alan als sein Handy endlich in der Blumenvase versenkt wird.
Ob wir tatsächlich alle Tiere oder Egoisten sind und ob Männer sich auf den John Wayne-Typus reduzieren lassen, bleibt offen und diskutabel. Derweil macht diese überraschende Enthüllung wahrer Persönlichkeitszüge durchgehend viel Spaß. Der neue Polanski ist fast ein Woody Allen. Bei diesem humorigen Quartett-Spiel stellt sich selbstverständlich die Frage, wer wen sticht. Bei den Figuren darf jeder mal jeden. Bei den Schauspielern erweist sich Waltz als eindeutiges As - vielleicht auch, weil er wieder das Aas spielt. Die Rolle des fiesen Zynikers gibt ihm die besten Karten, doch wie er mit kleinen Gesten, mit nur einer Bewegung des Fingers Pointen setzt, ist großartig. Betrunken spielt er noch viel besser als die anderen. Jodie Foster bleibt dagegen leider insgesamt unter ihrem Vermögen. Ihre Hysterie wirkt gezwungen, während Winslet den Typ eines frustrierten Edelweibchens sehr schon den Bach runter gehen lasst. Das „Gemetzel" belohnt kurz und kurzweilig mit intelligentem Spaß und unaufdringlicher Reflektion über das wahre Wesen des Menschen.
Hinter dem wunderbar ironischen Titel „Gott des Gemetzels" verbirgt sich eine herrliche Gesellschaftskomödie. Roman Polanskis Kammer-Quartett mit zwei New Yorker Elternpaaren, die zivilisiert die Prügelei ihrer Söhne klären wollen, ist schon ein unterhaltsamer Lacherfolg, noch bevor bei fortschreitender Entwicklung unter Alkoholeinfluss die letzten Masken fielen. Christopher Waltz spielt mit wenig zurückhaltender Ironie seiner aalglatten Anwaltsfigur tatsächlich etablierte Weltstars wie Jodie Foster, Kate Winslet und John C. Reilly an die fein dekorierte Wand (Produktions-Design: Dean Tavoularis).
Das zugrunde liegende Theaterstück von Yasmina Reza lässt unterschiedliche Charaktere aufeinanderprallen und zurückgehaltene Wahrheiten entgleiten. Obwohl die Eltern des „Täters", Nancy und Alan (Winslet, Waltz), eigentlich schon aus der Tür raus sind, will man noch einen Kaffee trinken. Dazu gibt es selbstgemachten Kuchen von Penelope (Foster) und Streit. Kleine Spitzen schleichen sich in die bemüht freundlichen Sätze, die Masken des zivilisierten Umgangs verrutschen zusehends, obwohl Michael (Reilly) geradezu mitleiderregend um Ausgleich bemüht ist. War der Stock, der zwei Zähne kostete, eine Waffe? Und hat das Kind von Nancy und Alan vielleicht echte Probleme? Alan sagt geradeheraus, sein Sohn sei ein Verrückter, dem könne man nicht helfen. Aber Formulierungen eines absichtlichen Angriffs verbittet er sich, wenn es sein Handy erlaubt. Denn parallel muss der Anwalt die Krise eines Pharma-Unternehmens managen, deren Blutdruck-Medikament ein paar Opfer zuviel gefordert hat. Dass ausgerechnet Michaels Mutter dieses Medikament nimmt, gehört zu den vielen humoristischen Volltreffern des Skripts. Ein Knaller ist es auch, wenn Nancy in hohem Bogen auf Penelopes geliebte Teatable-Kunstbücher kotzt. War Penelopes Kuchen schuld? Aber keine Angst: Kotzen auf Kokoschka ist neben dem grunzenden Lachen von Waltz ein seltener Moment groben Humors in diesem gefährlichen Feld scharfer Wort-Spitzen. Zuerst bricht die Solidarität der Ehepartner auf, dann sorgt ein alter Scotch für einen Männerbund und alle verbünden sich gegen Alan als sein Handy endlich in der Blumenvase versenkt wird.
Ob wir tatsächlich alle Tiere oder Egoisten sind und ob Männer sich auf den John Wayne-Typus reduzieren lassen, bleibt offen und diskutabel. Derweil macht diese überraschende Enthüllung wahrer Persönlichkeitszüge durchgehend viel Spaß. Der neue Polanski ist fast ein Woody Allen. Bei diesem humorigen Quartett-Spiel stellt sich selbstverständlich die Frage, wer wen sticht. Bei den Figuren darf jeder mal jeden. Bei den Schauspielern erweist sich Waltz als eindeutiges As - vielleicht auch, weil er wieder das Aas spielt. Die Rolle des fiesen Zynikers gibt ihm die besten Karten, doch wie er mit kleinen Gesten, mit nur einer Bewegung des Fingers Pointen setzt, ist großartig. Betrunken spielt er noch viel besser als die anderen. Jodie Foster bleibt dagegen leider insgesamt unter ihrem Vermögen. Ihre Hysterie wirkt gezwungen, während Winslet den Typ eines frustrierten Edelweibchens sehr schon den Bach runter gehen lasst. Das „Gemetzel" belohnt kurz und kurzweilig mit intelligentem Spaß und unaufdringlicher Reflektion über das wahre Wesen des Menschen.
20.11.11
ghj: Breaking Dawn - Bis(s) zum Ende der Nacht (Teil 1)
*** eine ghj-kritik **************************************
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Breaking Dawn - Bis(s) zum Ende der Nacht (Teil 1)
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Nach vielen Schmerzen ist die Verwandlung abgeschlossen, ein neues Wesen tritt in die Welt: Darth Vader wird am Ende von Episode 3 zum Schalentier, das „Star Wars" geprägt hat! Oops - falscher Film, man kann aber auch durcheinanderkommen bei den vielen verlängerten Enden im aktuellen Kino. Also, nach vielen Schmerzen ist die Verwandlung abgeschlossen, ein neues Wesen tritt in die Welt, Bella öffnet ihre Augen und rote Pupillen verraten: Ich will Blut, Menschenblut!
Bis es dazu kommt, ist „Biss 4 1/2" allerdings fast eine Stunde lang ein Heiratsfilmchen mit ganz, ganz viel Schmalz und ohne eine Spur von Hämoglobin. Die Kamera ist vor lauter Glück zwischen Edward und Bella so trunken, sie hört gar nicht mehr auf zu kreisen. Echte Männer sagen da längst wie Werwolf und Zweitliebhaber Jake: „Ich weiß, wie das endet und ich werde nicht hier bleiben und zusehen!"
Ein reiner Frauenfilm, wenn nicht der Bräutigam vor der Hochzeit gestehen würde, dass er früher, als noch James Whales „Frankensteins Braut" im Kino lief, massig Massenmörder leer gesaugt hat. Und wenn nicht ein schön schrecklicher Albtraum in weiß und Blut mit den Volturi und einer Menge Leichen Schlimmes voraus deutete. Doch erst muss der Nicht-Fan eine Hochzeitsreise mit Traumurlaubsbildern durchstehen, die nur von den unerträglich kitschigen Musik untertroffen wird. (Im Saal fließen schon Tränchen...) Dazu unendlich viel Gerede, denn dass der Mann beim Sex zum bissigen Tier wird, ist hier mal nicht erwünscht. Obwohl, Sex ist hier wieder in kindergartentauglicher Form dargeboten. So wundert man sich eher, dass Bella überhaupt schwanger ist, als dass der kleine Vampir in ihr lebensgefährlich rasant heranwächst.
Bislang wurde die Zeit für einen zweiten Teil gestreckt, es dauert fast eine Stunde, bis das Drama beginnt und dann ein Jahr bis es mit dem zweiten Teil 4 im Kino beendet wird - Vampirtempo halt. Jetzt überstürzt sich alles, eine ins Mythische übertragene, aber ansonsten veritable Abtreibungsdiskussion beginnt, bei der Männer den Frauen sagen wollen, was zu tun ist. Gleichzeitig bricht die Vereinigung von Mensch und Vampir den Waffenstillstand zwischen Saugern und werwölfischen Beißern. So belauern die immer noch furchtbar schlecht animierten Zotteltiere das Glashaus, in dem die Vampirfamilie völlig ausgehungert um Bellas Leben bangt. Jake gibt den Doppelagenten und ein komplexes Finale um Leben und Sterben, um das weibliche und das vampirische Lebengeben, sowie um den Kampf zwischen höheren Wesen und den Tieren (den Edel-Designern des Hauses Cullen und den Proletariern vom Stamme Wolf) endet enttäuschend mit einem Deus ex machina namens Prägung.
Das geriet immer mal wieder lustig, wenn die blasse Verwandtschaft mit leichter Hand den Hochzeitspavillon aufbaut und man über alte Feindschaften schmunzelt - man stellt sich zwischendurch die entsprechende Situation zwischen übermäßig siedelnden Zionisten und ebenso militanten Palästinensern vor. Aber „Biss 4 1/2" ist Lichtjahre davon entfernt, sarkastisch zu sein. Bis zur Diskussion über Kindernamen bedient er sein weibliches Zielpublikum, verbrämt unglaublich altbacken die Angst vor der „ersten Nacht" und transponiert auch andere, durchaus brisante Themen in den Kosmos alter bekannter Fangzahn-Nutzer. Dass dies wenigstens in der zweiten Hälfte der ersten Hälfte vom vierten Teil noch ganz gut unterhält, ist Planerfüllung. Der Stachel wurde vorher mit einem kleinen Film in Film gesetzt: „Frankensteins Braut" verweist auf das Meisterwerk „Gods and Monsters" des Biss-Regisseurs Bill Condon, gegen den dies alles nicht nur ein bisschen blutleer bleibt.
Günter H. Jekubzik * guenter@jekubzik.de
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