BRD, Dänemark, Österreich, Norwegen, Frankreich, USA, Japan 2014 Regie: Wim Wenders , Michael Glawogger, Michael Madsen, Robert Redford, Margreth Olin, Karim Ainouz 156 (auch in zwei Teilen: 78 & 78) Min.
Wim Wenders, dessen internationale Karriere vor fast genau dreißig Jahren mit der Goldenen Palme für „Paris, Texas" begann, erlebt gerade mit seinen Dokumentationen einen neuen Karriere-Höhepunkt. Schon „Buena Vista Social Club" war eine Sensation, dann der Welterfolg mit „Pina" und vor ein paar Tagen ein Spezialpreis in Cannes mit „The Salt of the Earth". Wie dieser ist auch „Kathedralen der Kultur" ein Gemeinschaftsprojekt mehrerer Regisseure. Doch vor allem der Auftakt von Wenders ist ein Paukenschlag: Unter den sechs Regisseuren, die sechs Bauwerke vorstellen, erwählte er die Berliner Philharmonie. Das in jeder Hinsicht auffallende, seit 50 Jahre moderne Gebäude von Hans Scharoun gewährt Ein- und Aufblicke, reizt mit einem Mix aus inszenierter Doku und spiel(film)erischer Inszenierung, bei denen ein geisterhafter Dirigent, eine begeisterte Zuhörerin unsere Identifikationsfiguren sind.
Im Brechtschen Sinne zeigt Wenders uns nicht nur Chefdirigent Simon Rattle und die Musiker, sondern auch viele Arbeiter des Hauses. Über die sich die Einzigartigkeit in Sachen Akustik und Architektur erklärt. Ineinander gelegte Pentagramme brachten erstmals Dirigenten und Orchester in die Mitte des Raumes. Dazu Stadtgeschichte mit der Philharmonie als Gegenpol früher zur Berliner Mauer und heute zu den Ungetümen am Potsdamer Platz. Oder die Geschichte der Chefdirigenten Karajan, Claudio Abbado und heute Sir Simon Rattle. Die Philharmonie erzählt von all dem ganz persönlich (mit der Stimme von Meret Becker).
Der vor kurzem verstorbene Österreicher Michael Glawogger entdeckt im zweiten Film die Russische Nationalbibliothek vor allem mit langsamen Fahrten und Schwenks, begleitet von literarischen Texten in Russisch und Deutsch, während es bei Michael Madsens (nicht der Schauspieler) Vorstellung des dänischen Gefängnisses Halden eher um ein sehr bewegendes, anrührendes Porträt der Menschen in diesem geht. Auch wenn aus der Perspektive der langen (weiblichen) Gefängnismauer oder der Zelle erzählt wird und ein Foucault-Zitat vorangesetzt ist, dass heute viele Gebäude und Institutionen Gefängnissen ähneln.
Robert Redford zeigt das Salk Institut, das bei der Polio-Bekämpfung entscheidend mitgeholfen hat, historisch und architektonisch in einem sachlichen Ton. „Das Oslo Opernhaus" hingegen ist wieder ein wunderbares Kunststück zu diesem wunschschönen, 2008 vollendeten Kunstwerk. Margareth Olin dokumentiert die zahllosen Menschen, die das schneeweiße Dach täglich überqueren, Proben und Häppchen aus Inszenierungen. Auch im letzten Beitrag, „Centre Pompidou" von Karim Aïnouz, beantwortet der Filmemacher die konzeptuelle Frage: „Wenn Gebäude sprechen könnten, was würden sie uns erzählen?" Die Antworten der sechs verschiedenen Filmbeiträge begeistern unterschiedlich auf der Skala von „Meisterwerk" bis „sehr interessant", können aber insgesamt über zweieinhalb Stunden fesseln - das ist nicht nur für einen Dokumentarfilm außerordentlich!
✍
27.5.14
Nix wie weg - vom Planeten Erde
USA, Kanada 2013 (Escape from Planet Earth) Regie: Callan Brunker 89 Min. FSK: ab 0
Der Planet Baab hat zwar auch drei Dimensionen, doch seltsam zweidimensional sind seine Charaktere, fast so flach wie die Zeichnungen dieser blauen Außerirdischen, die im Ameisen-Staat von „Antz" nicht auffallen würden. Astronaut Scorch Supernova ist ein Held auf Baab, sein kleiner Bruder Gary der Kopf hinter den Rettungsaktionen überall im All. Als zuerst der eigenwillige Scorch und dann auch der mit ihm zerstrittene Gary in die Hände des größenwahnsinnigen Erden-Generals T. Shanker fallen, muss der kleine Sohn und Neffe Kip die Situation und eine Menge Aliens retten.
Denn so vielfältig „Nix wie weg" aus anderen Filmen wie „Die Monster AG" kopiert, so reich ist er an (Film-)Aliens, die Shanker in seiner Area 51 gefangen hält, damit sie für ihn Dinge wie das Internet oder das iPhone erfinden. Seine intergalaktische Spionage-Affäre mit dem Erd-Romeo in Elvis-Verkleidung liefert ein paar sehr witzige Scherze über viele andere Alien-Geschichten und die interessante Außensicht, dass die Erde, der einzige Planet ist, der sich rückwärts entwickelt, wo Länder und Kriege existieren. Das ist dann aber auch bei charakterarmer Zeichnung und sehr konventioneller Familiengeschichte das einzig Unterhaltsame an dieser sterilen Animation. Neben den klassischen Area 51-Aliens mit den großen Augen, gibt es eine Verfolgungsjagd durch Canyons und Teile der Musik von „Star Wars", die Gesichter von „Antz" sowie den depressiven Bord-Computer aus „Per Anhalter durch die Galaxis". Den spricht im Original Rick Gervais, wie dieses überhaupt mit Brandon Fraser, Sarah Jessica Parker, Jessica Alba, James Gandolfini und vor allem „Captain T. Kirk" William Shatner als Generals T. Shanker außerordentlich gut besetzt sind. Aber da haben die mit einer zweitklassigen Synchro bedienten kleinen deutschen Kinogänger leider nichts von.
✍
Der Planet Baab hat zwar auch drei Dimensionen, doch seltsam zweidimensional sind seine Charaktere, fast so flach wie die Zeichnungen dieser blauen Außerirdischen, die im Ameisen-Staat von „Antz" nicht auffallen würden. Astronaut Scorch Supernova ist ein Held auf Baab, sein kleiner Bruder Gary der Kopf hinter den Rettungsaktionen überall im All. Als zuerst der eigenwillige Scorch und dann auch der mit ihm zerstrittene Gary in die Hände des größenwahnsinnigen Erden-Generals T. Shanker fallen, muss der kleine Sohn und Neffe Kip die Situation und eine Menge Aliens retten.
Denn so vielfältig „Nix wie weg" aus anderen Filmen wie „Die Monster AG" kopiert, so reich ist er an (Film-)Aliens, die Shanker in seiner Area 51 gefangen hält, damit sie für ihn Dinge wie das Internet oder das iPhone erfinden. Seine intergalaktische Spionage-Affäre mit dem Erd-Romeo in Elvis-Verkleidung liefert ein paar sehr witzige Scherze über viele andere Alien-Geschichten und die interessante Außensicht, dass die Erde, der einzige Planet ist, der sich rückwärts entwickelt, wo Länder und Kriege existieren. Das ist dann aber auch bei charakterarmer Zeichnung und sehr konventioneller Familiengeschichte das einzig Unterhaltsame an dieser sterilen Animation. Neben den klassischen Area 51-Aliens mit den großen Augen, gibt es eine Verfolgungsjagd durch Canyons und Teile der Musik von „Star Wars", die Gesichter von „Antz" sowie den depressiven Bord-Computer aus „Per Anhalter durch die Galaxis". Den spricht im Original Rick Gervais, wie dieses überhaupt mit Brandon Fraser, Sarah Jessica Parker, Jessica Alba, James Gandolfini und vor allem „Captain T. Kirk" William Shatner als Generals T. Shanker außerordentlich gut besetzt sind. Aber da haben die mit einer zweitklassigen Synchro bedienten kleinen deutschen Kinogänger leider nichts von.
✍
22.5.14
Cannes 2014: Mommy / Xavier Dolan
Der zweite junge Beitrag im Cannes-Wettbewerb, „Mommy" des filmisch konstant ödipal fixierten Xavier Dolan, entzweit die Cineasten in Cannes. Wie immer geht es dem Franco-Kanadier um das Verhältnis zu seiner Mutter. Wobei der Sohn Steve mit einer Mischung aus egozentrischer Aggressivität und unkontrollierbarer AHDS deutlich Problem und Herausforderung ist. Keine stattliche Institution außer Knast will ihn mehr aufnehmen. Um ihn zuhause zu unterrichten, müsste die Mutter Diane ihren Job aufgeben, das Geld ist sowieso knapp. Als eine stark stotternde Nachbarin und beurlaubte Lehrerin den Unterricht von Steve übernimmt, hellt sich das Leben aller Beteiligter auf, Steve beruhigt sich, Diane kann arbeiten und Kyla hört in dieser Umgebung auf zu stottern.
„Mommy" ist eine Art Fussbroichs auf Québecquois, extrem ordinär und selbst für Franzosen nur mit Untertiteln zu verstehen. Wie die Sprache so die Sprecher - flegelhaft wäre noch schmeichelhaft. Im des Films würde man sagen, ein kleiner dreckiger Bastard, der ganz frech ein Melodram im klassischen Stil hinlegt, während er wieder seinen Ödipus abarbeitet. Am Ende gibt es einen Song von Lana del Rey. Was passt denn dieser Dolan riskiert auch Filmisch eine dicke Lippe.
Jedoch - inmitten der von Vierzigern und Fünfzigern aufgelockerten Rentner-Gang muss man diesem extremsten Mutter-Söhnchen des internationalen Kinos für die Dosis frischer und frecher Ideen dankbar sein. Bis auf zwei Sequenzen, in denen das Leben frei, offen und sorglos erscheint, ist die Leinwand beispielsweise ganz schmal auf ein Bild-Verhältnis von 1:1 zusammengepresst. Der erste Moment der Öffnung erhielt Szenenapplaus - teils belustigten, teils hämischen. Und ganz allgemein wird der Franco-Kanadier geliebt und gehasst - zeitweise von einer Person gleichzeitig. Auch eine Kunst!
✍
„Mommy" ist eine Art Fussbroichs auf Québecquois, extrem ordinär und selbst für Franzosen nur mit Untertiteln zu verstehen. Wie die Sprache so die Sprecher - flegelhaft wäre noch schmeichelhaft. Im des Films würde man sagen, ein kleiner dreckiger Bastard, der ganz frech ein Melodram im klassischen Stil hinlegt, während er wieder seinen Ödipus abarbeitet. Am Ende gibt es einen Song von Lana del Rey. Was passt denn dieser Dolan riskiert auch Filmisch eine dicke Lippe.
Jedoch - inmitten der von Vierzigern und Fünfzigern aufgelockerten Rentner-Gang muss man diesem extremsten Mutter-Söhnchen des internationalen Kinos für die Dosis frischer und frecher Ideen dankbar sein. Bis auf zwei Sequenzen, in denen das Leben frei, offen und sorglos erscheint, ist die Leinwand beispielsweise ganz schmal auf ein Bild-Verhältnis von 1:1 zusammengepresst. Der erste Moment der Öffnung erhielt Szenenapplaus - teils belustigten, teils hämischen. Und ganz allgemein wird der Franco-Kanadier geliebt und gehasst - zeitweise von einer Person gleichzeitig. Auch eine Kunst!
✍
21.5.14
Cannes 2014: The Search / Michel Hazanavicius
Nachdem er bei „The Artist" mit einem kompletten Stummfilm erst Cannes und dann die ganze Welt eroberte, bricht nun in „The Search" von Michel Hazanavicius ein stummes Kriegsopfer die Herzen der Zuschauer im Wettbewerb. Der Spaß ist vorbei, im Gegenteil: nach nur fünf Minuten wurden vor der Kamera zwei tschetschenische Eltern von russischen Soldaten sadistisch ermordet, die Tochter erwartet eine brutale Vergewaltigung, der kleine Sohn kann mit dem Baby gerade noch fliehen. In drei Strängen verfolgt der niederschmetternde Film über 150 Minuten drei Stränge: Wie sich die Kinder in verzweifelten Flüchtlingszügen suchen. Wie ein ganz normaler russischer junger Mann durch Militärdrill, Prügel und Schikane zur seelenlosen Mordmaschine wird und wie die EU-Mitarbeiterin Carole (das „Artist"-Lachen Bérénice Bejo) bitter vergeblich versucht, die europäische Außenpolitik auf Massaker und Völkermord des zweiten Tschetschenien-Feldzuges unter Jelzin und Ministerpräsident Putin hinzuweisen. Dass Bejo trotz Engagements und rührender Begegnung mit dem stummen Jungen wie ein Fremdkörper wirkt, erweist sich letztlich als dramaturgisch sinnvoll - die westlichen Helfer können kaum etwas tun. Die Form des Films ist ebenso erschreckend wie das Gezeigte: Am Ende fängt alles wieder von vorne an...
✍
✍
Cannes 2014: Salt of the Earth / Juliano Ribeiro Salgado, Wim Wenders
Durch die Hölle ins Paradies führt „Salt of the Earth", die Lebensgeschichte des berühmten Fotografen Sebastião Salgado. Sein Sohn Juliano Ribeiro Salgado begleitete ihn mit der Filmkamera rund um die Welt bei der Erstellung einiger seiner eindrucksvollen Bildbände. Später kam Wim Wenders als Ko-Regisseur hinzu und es entstand der bislang bewegendste Film von Cannes 2014: Wie der brasilianische Bildkünstler in seinen Bänden „Workers - Arbeiter", „Migranten" oder „Afrika" die Flüchtlingsströme von Ruanda, der Verhungernden der Sahel-Zone, die zigtausenden Arbeiter in einer brasilianischen Goldmine in seinen Fotos wiedergibt, ist atemberaubend, tief berührend und erschütternd. Der Film besteht über lange Strecken aus Schwarzweiß-Fotos, deren Entstehen Sebastião Salgado selbst kommentiert. Trotzdem kämpften im ganzen Kino die Zuschauer mit den Tränen angesichts von Unmenschlichkeiten, die nicht auf Naturkatastrophen sondern nur auf ungerechte Verteilung zurückzuführen sind, angesichts des Ausmaßes von Massakern denen Hunderttausende zum Opfer fielen. „Salt of the Earth" ist aber auch die wundersame Wendung im Leben des Fotografen, den seine Erfahrungen krank gemacht haben: Auf der Farm seiner Familie begannt er mit seiner Frau, die alle Fotobände mit gestaltet hat, riesige Flächen vernichteten Regenwaldes wieder aufzuforsten. In Reflektion zu seinem letzten Bildband „Genesis", der unversehrte Schönheit der Erde zeigt, ein kleines Paradies.
Für Wim Wenders, der in Cannes besonders extravagant mit Schwalbenschwanz und hochkragigem Hemd auftrat, gab es gestern eine zusätzliche Vorführung von „Paris, Texas", der Film, mit dem er vor exakt 30 Jahren die Goldene Palme gewann. „Salt of the Earth" wird im Herbst 2014 in die deutschen Kinos kommen. (ghj)
✍
Für Wim Wenders, der in Cannes besonders extravagant mit Schwalbenschwanz und hochkragigem Hemd auftrat, gab es gestern eine zusätzliche Vorführung von „Paris, Texas", der Film, mit dem er vor exakt 30 Jahren die Goldene Palme gewann. „Salt of the Earth" wird im Herbst 2014 in die deutschen Kinos kommen. (ghj)
✍
20.5.14
Cannes 2014: Deux jours, une nuit / Jean-Pierre und Luc Dardenne
Die ergreifende Solidaritäts-Suche der Lütticher Dardenne-Brüder „Deux jours, une nuit" reiht sich in den Favoriten-Kreis ein:
Zwei Goldene Palmen haben sie schon, Jean-Pierre und Luc Dardenne aus Lüttich. Ihr neuer Film „Deux jours, une nuit" („Zwei Tage, eine Nacht", Dt. Start 30. Oktober) wurde in Cannes direkt zum großen Favorit und zum Sieger der Herzen. Im Stile eines neuen Neo-Realismus verfolgen sie die Arbeiterin Sandra (Marion Cotillard), die von ihrer Entlassung bei einem Solarpanel-Unternehmen erfährt: Die Kollegen hatten die Wahl zwischen einem Bonus von 1000 Euro und dem Erhalt der Stelle von Sandra. Dank einer engagierten Kollegin soll die Wahl am Montag jedoch nun geheim wiederholt werden. Sandra, die Frau, die sich gerade von einer schweren Depression erholt hat, die mit zwei Kindern und dem Mann Luc nicht mehr in einer Sozialwohnung lebt, hat zwei Tage und eine Nacht Zeit, die Mehrheit der 16 Kollegen zu bitten, für ihren Verbleib im Unternehmen zu stimmen.
Die Odyssee durch Vororte von Lüttich dekliniert in immer wieder bewegenden Begegnungen, was Solidarität wert ist. Ein Paar mit viel Zeit und Freizeit will dem Bonus eine Terrasse vor ihrem neuen Haus hoch über der Maas bauen. Ein Jugend-Trainer beim Fußball bricht direkt in Tränen aus, so sehr drückte ihn das schlechte Gewissen. Einige haben einen zweiten Job, um über die Runden zu kommen, andere einen flotten Sportwagen, der viel verbraucht. Am erstaunlichsten ist jedoch die Haltung Sandras, die immer mehr Pillen gegen ihre Panik und Heulanfälle schlucken muss: Ohne Wut, freundlich und demütig tritt sie auf die Kollegen zu, die ihr Schicksal in der Hand haben. Da wird nicht getrickst und manipuliert.
Ganz so wie die Dardennes ihre Filme in den Vierteln drehen, die sie seit Jahren kennen. Mit den Menschen, die dort leben. Die gefeierten Filmemacher vermeiden mit ihrem ehrlichen, authentischen Stil jede Grobheit, jede dramaturgische Falle, die mit Effektivität lockt, aber Glaubwürdigkeit reduzierte. Selbst der Star, Oscar-Preisträgerin Marion Cotillard („Der Geschmack von Rost und Knochen", „La vie en rose"), den sie sich leisten, verkörpert mit ihrer berührenden Rolle das Herz vom filmischen Schaffen der Dardennes. Ihre Sandra ist vom ersten Augenblick frei von allem Star-Image. Schon im Schlaf zeigen die dunklen Augen einen Menschen, der fix und fertig ist. Noch bevor sie von der Entlassung erfährt. Doch das kluge Meisterwerk schafft es, ohne zum Filmmärchen abzurutschen, seinen Figuren Würde, Anstand und Stolz zu geben. Sollte es aus irgendwelchen Gründen nicht zu Goldenen Palme reichen, können alle sagen: „Wir haben gut gekämpft!"
Zum neuen Dardenne, der mit lang anhaltendem Applaus in Cannes empfangen wurde, findet man sofort überall im Leben Verbindungspunkte: Von den Riesenkonzernen, die Tausende entlassen, in der Sicherheit, dass der verängstigte Rest schon die Mehrarbeit mit übernimmt. Vom Streik der Busfahrer in Cannes, der gerade die Festivalteilnehmer trifft, die sich nicht völlig überteuerte Absteigen im Zentrum leisten können. Oder direkt vor dem Kino, wo das elitäre System von Cannes rücksichtslose Ellbogen-Kämpfe um die Plätze im Kino fördert. Auch hier wäre Solidarität klüger als das verbitterte Gegeneinander.
✍
Zwei Goldene Palmen haben sie schon, Jean-Pierre und Luc Dardenne aus Lüttich. Ihr neuer Film „Deux jours, une nuit" („Zwei Tage, eine Nacht", Dt. Start 30. Oktober) wurde in Cannes direkt zum großen Favorit und zum Sieger der Herzen. Im Stile eines neuen Neo-Realismus verfolgen sie die Arbeiterin Sandra (Marion Cotillard), die von ihrer Entlassung bei einem Solarpanel-Unternehmen erfährt: Die Kollegen hatten die Wahl zwischen einem Bonus von 1000 Euro und dem Erhalt der Stelle von Sandra. Dank einer engagierten Kollegin soll die Wahl am Montag jedoch nun geheim wiederholt werden. Sandra, die Frau, die sich gerade von einer schweren Depression erholt hat, die mit zwei Kindern und dem Mann Luc nicht mehr in einer Sozialwohnung lebt, hat zwei Tage und eine Nacht Zeit, die Mehrheit der 16 Kollegen zu bitten, für ihren Verbleib im Unternehmen zu stimmen.
Die Odyssee durch Vororte von Lüttich dekliniert in immer wieder bewegenden Begegnungen, was Solidarität wert ist. Ein Paar mit viel Zeit und Freizeit will dem Bonus eine Terrasse vor ihrem neuen Haus hoch über der Maas bauen. Ein Jugend-Trainer beim Fußball bricht direkt in Tränen aus, so sehr drückte ihn das schlechte Gewissen. Einige haben einen zweiten Job, um über die Runden zu kommen, andere einen flotten Sportwagen, der viel verbraucht. Am erstaunlichsten ist jedoch die Haltung Sandras, die immer mehr Pillen gegen ihre Panik und Heulanfälle schlucken muss: Ohne Wut, freundlich und demütig tritt sie auf die Kollegen zu, die ihr Schicksal in der Hand haben. Da wird nicht getrickst und manipuliert.
Ganz so wie die Dardennes ihre Filme in den Vierteln drehen, die sie seit Jahren kennen. Mit den Menschen, die dort leben. Die gefeierten Filmemacher vermeiden mit ihrem ehrlichen, authentischen Stil jede Grobheit, jede dramaturgische Falle, die mit Effektivität lockt, aber Glaubwürdigkeit reduzierte. Selbst der Star, Oscar-Preisträgerin Marion Cotillard („Der Geschmack von Rost und Knochen", „La vie en rose"), den sie sich leisten, verkörpert mit ihrer berührenden Rolle das Herz vom filmischen Schaffen der Dardennes. Ihre Sandra ist vom ersten Augenblick frei von allem Star-Image. Schon im Schlaf zeigen die dunklen Augen einen Menschen, der fix und fertig ist. Noch bevor sie von der Entlassung erfährt. Doch das kluge Meisterwerk schafft es, ohne zum Filmmärchen abzurutschen, seinen Figuren Würde, Anstand und Stolz zu geben. Sollte es aus irgendwelchen Gründen nicht zu Goldenen Palme reichen, können alle sagen: „Wir haben gut gekämpft!"
Zum neuen Dardenne, der mit lang anhaltendem Applaus in Cannes empfangen wurde, findet man sofort überall im Leben Verbindungspunkte: Von den Riesenkonzernen, die Tausende entlassen, in der Sicherheit, dass der verängstigte Rest schon die Mehrarbeit mit übernimmt. Vom Streik der Busfahrer in Cannes, der gerade die Festivalteilnehmer trifft, die sich nicht völlig überteuerte Absteigen im Zentrum leisten können. Oder direkt vor dem Kino, wo das elitäre System von Cannes rücksichtslose Ellbogen-Kämpfe um die Plätze im Kino fördert. Auch hier wäre Solidarität klüger als das verbitterte Gegeneinander.
✍
Words & Pictures
USA 2013 Regie: Fred Schepisi mit Clive Owen, Juliette Binoche, Valerie Tian, Bruce Davison 116 Min. FSK: ab 0
„Der Club der toten Dichter", jetzt neu mit Bildern! Clive Owen spielt den engagierten Literatur-Dozenten Jack Marcus der seine Schüler fordert und auch schon mal als Androiden beleidigt. Gleichzeitig nervt der arrogante und freche Typ seine Kollegen. Marcus, einst bekannter Dichter, nun zynischer Trinker, bekommt von der Schulleitung noch eine letzte Chance, seinen Job und das Literatur-Heft der Uni zu erhalten. Zum Glück für ihn taucht mit neuen Kollegen die berühmte Malerin Dina Delsanto (Juliette Binoche) auf. Sie erzählt ihrer Kunstklasse direkt zum Einstieg, dass Worte lügen. Eine Provokation für Marcus, der die Auseinandersetzung zum großen Schulstreit und Wettbewerb macht.
Clive Owen hat mit einem Jürgen Klopp-Look und ähnlich hässlichen Gefühlsausbrüchen einen großen Auftritt im ausspielen der destruktiven Seite seiner Figur. Bitter, das mit den harten Übungen parallel zu schneiden, die Dina betreibt, um ihre Krankheit zurückzudrängen. Doch die starke Figur der Binoche gibt ihm als einzige geistreich Paroli und hält beim seinem schwierigen Silben-Spiel. Die unvermeidliche Romanze und der ebenso erwartbare Bruch durch seinen Alkoholismus nehmen dem reizvollen Duell etwas von seinem Schwung. Doch vor allem in der ersten Hälfte bringt der Krieg zwischen Wort und Bild viele kleine und kluge Fundstücke mit sich. Wie die Idee, dass angelesenes Wissen aus Büchern immer ein Netz an anknüpfendem Wissen mit sich bringt, während Wissen aus Google nur ein einsames Fakt ohne weiteren Bezug bleibt. Allerdings wird Google auch schnell verraten, dass „Words & Pictures" vom Regie-Senior Fred Schepisi („Wilde Kreaturen", „I.Q. - Liebe ist relativ", „Das Rußland-Haus") bis zum unglücklich herbei gezwungenen Happy End viele Sympathien wieder verspielt.
✍
„Der Club der toten Dichter", jetzt neu mit Bildern! Clive Owen spielt den engagierten Literatur-Dozenten Jack Marcus der seine Schüler fordert und auch schon mal als Androiden beleidigt. Gleichzeitig nervt der arrogante und freche Typ seine Kollegen. Marcus, einst bekannter Dichter, nun zynischer Trinker, bekommt von der Schulleitung noch eine letzte Chance, seinen Job und das Literatur-Heft der Uni zu erhalten. Zum Glück für ihn taucht mit neuen Kollegen die berühmte Malerin Dina Delsanto (Juliette Binoche) auf. Sie erzählt ihrer Kunstklasse direkt zum Einstieg, dass Worte lügen. Eine Provokation für Marcus, der die Auseinandersetzung zum großen Schulstreit und Wettbewerb macht.
Clive Owen hat mit einem Jürgen Klopp-Look und ähnlich hässlichen Gefühlsausbrüchen einen großen Auftritt im ausspielen der destruktiven Seite seiner Figur. Bitter, das mit den harten Übungen parallel zu schneiden, die Dina betreibt, um ihre Krankheit zurückzudrängen. Doch die starke Figur der Binoche gibt ihm als einzige geistreich Paroli und hält beim seinem schwierigen Silben-Spiel. Die unvermeidliche Romanze und der ebenso erwartbare Bruch durch seinen Alkoholismus nehmen dem reizvollen Duell etwas von seinem Schwung. Doch vor allem in der ersten Hälfte bringt der Krieg zwischen Wort und Bild viele kleine und kluge Fundstücke mit sich. Wie die Idee, dass angelesenes Wissen aus Büchern immer ein Netz an anknüpfendem Wissen mit sich bringt, während Wissen aus Google nur ein einsames Fakt ohne weiteren Bezug bleibt. Allerdings wird Google auch schnell verraten, dass „Words & Pictures" vom Regie-Senior Fred Schepisi („Wilde Kreaturen", „I.Q. - Liebe ist relativ", „Das Rußland-Haus") bis zum unglücklich herbei gezwungenen Happy End viele Sympathien wieder verspielt.
✍
Zeit der Kannibalen
BRD 2014 Regie: Johannes Naber mit Devid Striesow, Sebastian Blomberg, Katharina Schüttler 93 Min.
Zynisch, arrogant, eiskalt: In ihren glatten Business-Uniformen, von denen alles abperlt, verhandeln sie in Hotels überall auf der Welt das Überleben von Firmen und Belegschaften. Frank Öllers (Devid Striesow) und Kai Niederländer (Sebastian Blomberg) sind Consutants für ein Hamburger Unternehmen. Sie verschieben mal eben eine ganze Produktion von Indien ins noch billigere Pakistan. Die Unruhen unten in der Stadt interessieren in den klimatisierten Räumen nicht. Seit sechs Jahren arbeiten sie miteinander, wissen nichts voneinander, können aber Phrasen über Globalisierung im Schlaf runterbeten. Sie halten sich für die Elite - „in allem etwas schneller, besser, härter" - sind aber hinter ihrem Anzug zutiefst unsicher und ziemlich ordinär.
Als die jüngere Kollegin Bianca März (Katharina Schüttler) zu ihnen stößt und ihr Chef Selbstmord begeht, beginnen die Fassaden zu bröckeln. Die Feministin und Idealistin März glaubt scheinbar noch an die Phrase „People Profit Planet". Sie „will was bewegen" und erkennt schnell: „ihr seid echt zwei Affen". Denn Niederländer, hochneurotisch und spleenig, ist ein kleiner Junge, der immer sein Rennrad dabei hat, der alles mit sportlicher Konkurrenz macht, und sehr gerne das Hotelpersonal demütigt. Der Zyniker Öllers bezahlt Zimmermädchen auch für Sex und zertrümmert schon mal sein Hotelzimmer, weil zuhause seine Beziehung auseinander bricht. Er will die Welt verbessern, indem er dem Kapitalismus beim Siegen hilft, damit der alles andere zerstört. Doch in Lagos scheint ein islamistischer Aufstand schneller zu sein, die Explosionen kommen immer.
Das grandios zynische und bittere Hotel-Kammerspiel „Zeit der Kannibalen" geht im Zusammenbruch der Typen Business-Mann (und -Frau) in die gleiche Richtung wie Bastian Günthers „Huston", ist nur direkter, klarer, härter. Wie seine Figuren kommt der Film nie raus aus dem Hotelzimmer. Die Fassade der Außenwelt besteht nur aus grauen Quadern. Herrliche Dialoge arbeiten an der Dekonstruktion der Figuren voller Zynismus, Weinerlichkeit, Selbstmitleid. Großartig, wie Devid Striesow und Sebastian Blomberg ihre albernen und erschreckenden Gestalten geben. Katharina Schüttler ist die Krönung der sagenhaften Schauspieler-Riege.
✍
Zynisch, arrogant, eiskalt: In ihren glatten Business-Uniformen, von denen alles abperlt, verhandeln sie in Hotels überall auf der Welt das Überleben von Firmen und Belegschaften. Frank Öllers (Devid Striesow) und Kai Niederländer (Sebastian Blomberg) sind Consutants für ein Hamburger Unternehmen. Sie verschieben mal eben eine ganze Produktion von Indien ins noch billigere Pakistan. Die Unruhen unten in der Stadt interessieren in den klimatisierten Räumen nicht. Seit sechs Jahren arbeiten sie miteinander, wissen nichts voneinander, können aber Phrasen über Globalisierung im Schlaf runterbeten. Sie halten sich für die Elite - „in allem etwas schneller, besser, härter" - sind aber hinter ihrem Anzug zutiefst unsicher und ziemlich ordinär.
Als die jüngere Kollegin Bianca März (Katharina Schüttler) zu ihnen stößt und ihr Chef Selbstmord begeht, beginnen die Fassaden zu bröckeln. Die Feministin und Idealistin März glaubt scheinbar noch an die Phrase „People Profit Planet". Sie „will was bewegen" und erkennt schnell: „ihr seid echt zwei Affen". Denn Niederländer, hochneurotisch und spleenig, ist ein kleiner Junge, der immer sein Rennrad dabei hat, der alles mit sportlicher Konkurrenz macht, und sehr gerne das Hotelpersonal demütigt. Der Zyniker Öllers bezahlt Zimmermädchen auch für Sex und zertrümmert schon mal sein Hotelzimmer, weil zuhause seine Beziehung auseinander bricht. Er will die Welt verbessern, indem er dem Kapitalismus beim Siegen hilft, damit der alles andere zerstört. Doch in Lagos scheint ein islamistischer Aufstand schneller zu sein, die Explosionen kommen immer.
Das grandios zynische und bittere Hotel-Kammerspiel „Zeit der Kannibalen" geht im Zusammenbruch der Typen Business-Mann (und -Frau) in die gleiche Richtung wie Bastian Günthers „Huston", ist nur direkter, klarer, härter. Wie seine Figuren kommt der Film nie raus aus dem Hotelzimmer. Die Fassade der Außenwelt besteht nur aus grauen Quadern. Herrliche Dialoge arbeiten an der Dekonstruktion der Figuren voller Zynismus, Weinerlichkeit, Selbstmitleid. Großartig, wie Devid Striesow und Sebastian Blomberg ihre albernen und erschreckenden Gestalten geben. Katharina Schüttler ist die Krönung der sagenhaften Schauspieler-Riege.
✍
18.5.14
Das magische Haus
Belgien 2013 (The House of Magic) Regie: Jérémie Degruson, Ben Stassen 85 Min. FSK: ab 0
Der ausgefuchste belgische Technik-Trickser Ben Stassen schafft es immer wieder und letztlich auch Hollywood damit zu begeistern, Animationen auf dem neusten Stand der Filmtechnik zu realisieren, die zehnmal teurer aussehen, als sie tatsächlich waren. So beginnt auch diese Animation für Kinder zuerst mit einer süßen Katze und dann mit einer der „Rides", die früher seine Firma nWave erfolgreich gemacht haben: Spektakuläre filmische Achterbahn-Fahrten für Vergnügungsparks. Diesmal jagt es das ängstliche, ausgesetzte Kätzchen und die kleinen Zuschauer durch ein verlassenes Haus. Selbstverständlich aufgepeppt mit 3D-Effekten, denn auch an dieser Entwicklung war der Animations-Pionier mit seiner Brüsseler Firma innovativ beteiligt
Bei dieser Vorliebe für alles Technische ist es nicht verwunderlich, dass Stassens magisches Haus von liebenswerten und lustig anzusehenden technischen Apparaten bevölkert wird, die ein alter, kauziger Zauberer mit viel Liebe zusammengebastelt hat und am Leben hält. Eine mechanische Ballerina (E.T.A. Hoffmanns Olimpia?), eine Spielzeug-Kamera mit Handaufzug, ein Affe mit Schlagzeug, der Kaugummi-Automat und die tollpatschige, breakdancende Glühbirne namens Edison werden von einer weißen Maus und dem farblich passenden Kaninchen begleitet, die eifersüchtig auf den organisch schnurrenden Neuzugang schauen. So muss die Donner genannte Katze im Laufe einer abenteuerlichen Entwicklung als kleiner Held das alte Haus und alle Spielzeuge vor dem Verkauf durch einen habgierigen Neffen des Zauberers retten.
Bei aller technischen Raffinesse zeichnete immer auch mangelnde Charakter-Zeichnung die Stassen-Filme aus. Während das Gesamtpaket bei „Das magische Haus" mit einfacher Geschichte und flottem Oldie-Song wie schon in „Fly me to the Moon" ähnlich wirkt, haben die Figuren viel an Eigenschaften hinzugewonnen. Ein Grund mehr, den belgischen Disney kennenzulernen.
✍
Der ausgefuchste belgische Technik-Trickser Ben Stassen schafft es immer wieder und letztlich auch Hollywood damit zu begeistern, Animationen auf dem neusten Stand der Filmtechnik zu realisieren, die zehnmal teurer aussehen, als sie tatsächlich waren. So beginnt auch diese Animation für Kinder zuerst mit einer süßen Katze und dann mit einer der „Rides", die früher seine Firma nWave erfolgreich gemacht haben: Spektakuläre filmische Achterbahn-Fahrten für Vergnügungsparks. Diesmal jagt es das ängstliche, ausgesetzte Kätzchen und die kleinen Zuschauer durch ein verlassenes Haus. Selbstverständlich aufgepeppt mit 3D-Effekten, denn auch an dieser Entwicklung war der Animations-Pionier mit seiner Brüsseler Firma innovativ beteiligt
Bei dieser Vorliebe für alles Technische ist es nicht verwunderlich, dass Stassens magisches Haus von liebenswerten und lustig anzusehenden technischen Apparaten bevölkert wird, die ein alter, kauziger Zauberer mit viel Liebe zusammengebastelt hat und am Leben hält. Eine mechanische Ballerina (E.T.A. Hoffmanns Olimpia?), eine Spielzeug-Kamera mit Handaufzug, ein Affe mit Schlagzeug, der Kaugummi-Automat und die tollpatschige, breakdancende Glühbirne namens Edison werden von einer weißen Maus und dem farblich passenden Kaninchen begleitet, die eifersüchtig auf den organisch schnurrenden Neuzugang schauen. So muss die Donner genannte Katze im Laufe einer abenteuerlichen Entwicklung als kleiner Held das alte Haus und alle Spielzeuge vor dem Verkauf durch einen habgierigen Neffen des Zauberers retten.
Bei aller technischen Raffinesse zeichnete immer auch mangelnde Charakter-Zeichnung die Stassen-Filme aus. Während das Gesamtpaket bei „Das magische Haus" mit einfacher Geschichte und flottem Oldie-Song wie schon in „Fly me to the Moon" ähnlich wirkt, haben die Figuren viel an Eigenschaften hinzugewonnen. Ein Grund mehr, den belgischen Disney kennenzulernen.
✍
Enemy
Wer gerade nicht googlen oder denken möchte, bekommt noch einen Satz der Roman-Autors mit in den Film: „Ein Mann, der seine Geliebte verlassen und zurück zu seiner schwangeren Frau gehen will, wird seinem ärgsten Feind begegnen: Sich selbst."
✍
✍
One Chance - Einmal im Leben
Großbritannien, USA 2014 Regie: David Frankel mit James Corden, Alexandra Roach, Julie Walters, Colm Meaney 104 Min. FSK: ab 6
Vom ersten Momenten an zielen die Geiger voll auf das Kitsch-Zentrum: „One Chance" ist die allgemein bekannte Geschichte von Paul Potts, dem Opern-schmetternden Gewinner einer britischen Casting-Show. Die sehr simple Wohlfühlgeschichte ist ein modernes Märchen mit einem rundlichen, männlichen hässlichen Entlein, das zur Nachtigal wird. Oder die Verfilmung eines YouTube-Clips.
Das Biopic über Paul Potts erzählt die Geschichte des unterdrückten Außenseiters, des dicken Jungen, der in einer endlosen Folge von Mobbings das Singen als Flucht ergreift. Es ist 2004, der erwachsene Paul hört noch Discman und wohnt bei den Eltern. Da sind die Probleme, eine Freundin zu finden, wenig überraschend. Doch aus einem Internet-Chat zwischen den angeblichen Ebenbildern von Brat Pitt und Cameron Diaz wird mit Hilfe von Pauls Freund und Chef eine echte Begegnung und eine niedliche Liebe. Die der Möchtegern-Opernsänger aufs Spiel setzt, als er nach einem Ferien-Lehrgang in Venedig mit anschließendem vernichtenden Urteil Pavarottis Wochen braucht, um Freunde und Freundin wieder zu kontaktieren.
Ist Paul ein Pechvogel oder tatsächlich nicht fähig zu einer Sänger-Karriere? Auf jeden Fall steht er seinem Traum immer selbst im Weg. Vor seiner Hauptrolle bei einer Amateurtruppe hat er eine Blinddarm-OP. Nebenbei entdeckt man einen Tumor in seinem Hals. Als er nach sechs Monaten doch wieder singen kann, lässt er sich von einem Auto überfahren und verschiedenste Knochen brechen. Bis zum allzu bekannten Weg und Erfolg mit der Casting-Show...
Das Prinzip Casting-Show ist der Aufstand der Ungebildeten gegen Schulen, Lernen, Üben, Training, Ausbildung und all diesen altmodischen Kram. Wenn jetzt ein „Casting-Sieger" verfilmt wird, wird dieser Hohn auf die Spitze getrieben. Dabei bemüht „One Chance" die Überzeugungs-Kraft von Pauls Singens sehr: Mit einem Liedchen kann er die schwer versetzte und verletzte Freundin Jules zurückgewinnen, die Geigen leiten direkt zur Hochzeit und dem ebenfalls gesungenen Gelübde über. Statt der Hochzeitsnacht wird von der männlichen Jungfrau erst eine historische Puccini-Aufnahme genossen. Einer der vielen kleinen Scherzchen, die wie alles andere auf dem Niveau „nett" eingepegelt sind. Obwohl sich so vieles ähnelt, dies ist kein „Billy Elliot" und auch keine britische Sozialkomödie. Denn die traut sich was!
Ausgerechnet der bekannte Ausgang nimmt dem Ganzen auch noch die Spannung. Denn selbstverständlich lässt sich der millionenfach im Internet angeklickte Überraschungsmoment der Entdeckung eines unscheinbaren Talents in seiner Ursprünglichkeit nicht wiederholen. Nur mit den üppigeren Mitteln des Films noch mal aufplustern.
Der Film behauptet dabei, große Kunst und Talent zu feiern, bricht sie aber auf den kleinsten gemeinsamen Nenner des lustigen und anrührenden Wohlfühlfilms runter. Eine wohl bekannte Geschichte ganz ohne Risiko. Wer nur ganz wenig mehr erwartet, wird sehr enttäuscht - no chance! Ebenso jeder, der hofft, dass „One Chance" nicht trotz - oder wegen - aller Mittelmäßigkeit ein großer Kinoerfolg wird.
✍
Vom ersten Momenten an zielen die Geiger voll auf das Kitsch-Zentrum: „One Chance" ist die allgemein bekannte Geschichte von Paul Potts, dem Opern-schmetternden Gewinner einer britischen Casting-Show. Die sehr simple Wohlfühlgeschichte ist ein modernes Märchen mit einem rundlichen, männlichen hässlichen Entlein, das zur Nachtigal wird. Oder die Verfilmung eines YouTube-Clips.
Das Biopic über Paul Potts erzählt die Geschichte des unterdrückten Außenseiters, des dicken Jungen, der in einer endlosen Folge von Mobbings das Singen als Flucht ergreift. Es ist 2004, der erwachsene Paul hört noch Discman und wohnt bei den Eltern. Da sind die Probleme, eine Freundin zu finden, wenig überraschend. Doch aus einem Internet-Chat zwischen den angeblichen Ebenbildern von Brat Pitt und Cameron Diaz wird mit Hilfe von Pauls Freund und Chef eine echte Begegnung und eine niedliche Liebe. Die der Möchtegern-Opernsänger aufs Spiel setzt, als er nach einem Ferien-Lehrgang in Venedig mit anschließendem vernichtenden Urteil Pavarottis Wochen braucht, um Freunde und Freundin wieder zu kontaktieren.
Ist Paul ein Pechvogel oder tatsächlich nicht fähig zu einer Sänger-Karriere? Auf jeden Fall steht er seinem Traum immer selbst im Weg. Vor seiner Hauptrolle bei einer Amateurtruppe hat er eine Blinddarm-OP. Nebenbei entdeckt man einen Tumor in seinem Hals. Als er nach sechs Monaten doch wieder singen kann, lässt er sich von einem Auto überfahren und verschiedenste Knochen brechen. Bis zum allzu bekannten Weg und Erfolg mit der Casting-Show...
Das Prinzip Casting-Show ist der Aufstand der Ungebildeten gegen Schulen, Lernen, Üben, Training, Ausbildung und all diesen altmodischen Kram. Wenn jetzt ein „Casting-Sieger" verfilmt wird, wird dieser Hohn auf die Spitze getrieben. Dabei bemüht „One Chance" die Überzeugungs-Kraft von Pauls Singens sehr: Mit einem Liedchen kann er die schwer versetzte und verletzte Freundin Jules zurückgewinnen, die Geigen leiten direkt zur Hochzeit und dem ebenfalls gesungenen Gelübde über. Statt der Hochzeitsnacht wird von der männlichen Jungfrau erst eine historische Puccini-Aufnahme genossen. Einer der vielen kleinen Scherzchen, die wie alles andere auf dem Niveau „nett" eingepegelt sind. Obwohl sich so vieles ähnelt, dies ist kein „Billy Elliot" und auch keine britische Sozialkomödie. Denn die traut sich was!
Ausgerechnet der bekannte Ausgang nimmt dem Ganzen auch noch die Spannung. Denn selbstverständlich lässt sich der millionenfach im Internet angeklickte Überraschungsmoment der Entdeckung eines unscheinbaren Talents in seiner Ursprünglichkeit nicht wiederholen. Nur mit den üppigeren Mitteln des Films noch mal aufplustern.
Der Film behauptet dabei, große Kunst und Talent zu feiern, bricht sie aber auf den kleinsten gemeinsamen Nenner des lustigen und anrührenden Wohlfühlfilms runter. Eine wohl bekannte Geschichte ganz ohne Risiko. Wer nur ganz wenig mehr erwartet, wird sehr enttäuscht - no chance! Ebenso jeder, der hofft, dass „One Chance" nicht trotz - oder wegen - aller Mittelmäßigkeit ein großer Kinoerfolg wird.
✍
Cannes 2014: Kis Uykusu (Winterschlaf) / Nuri Bilge Ceylan
Nach der Künstlerbio „Mr. Turner" und dem Voyeuristen-Thriller „The Captive" präsentierte der türkische Regisseur Nuri Bilge Ceylan mit „Kis Uykusu" (Winterschlaf) am Wochenende seine anatolischen „Szenen einer Ehe" das dritte Meisterwerk im Wettbewerb: Alles dreht sich um , einen reichen, ehemaligen Schauspieler Aydin (Haluk Bilginer), der in einem malerischen und touristischen Dorf Kappadokiens ein kleines Hotel betreibt und ein paar der in den charakteristischen Kalkstein gehauenen Wohnungen besitzt. Mit ihm leben seine jüngere Frau Nihal (Melisa Sözen) und - nach einer Trennung - die ältere Schwester Necla (Demet Akbag). Während der Winter einbricht, entdeckt man immer mehr negative Facetten des charmanten Seniors. Wie er sich im Hintergrund hält, während der Streit seines Angestellten Hidayet mit dem aggressiven Mieter und Schuldner eskaliert, ist symptomatisch. Ganz beiläufig wird in dem über drei Stunden fesselnden Film Nächstenliebe, Mitgefühl und gesellschaftliche Verantwortung durchdekliniert.
Für Ceylan ist dies der fünfte Start im Langfilm-Wettbewerb von Cannes, der sechste insgesamt. Den Großen Preis der Jury gewann er 2002 für „Uzak" und 2011 für „Once Upon a Time in Anatolia", die Beste Regie 2008 mit „Drei Affen". Die Goldene Palme hätte er allein für diesen neuen Film verdient.
✍
Für Ceylan ist dies der fünfte Start im Langfilm-Wettbewerb von Cannes, der sechste insgesamt. Den Großen Preis der Jury gewann er 2002 für „Uzak" und 2011 für „Once Upon a Time in Anatolia", die Beste Regie 2008 mit „Drei Affen". Die Goldene Palme hätte er allein für diesen neuen Film verdient.
✍
Cannes 2014 The Homesman / Tommy Lee Jones
Der Man in Black reitet wieder: Nach „Three Burials - Die drei Begräbnisse des Melquiades Estrada" inszenierte Tommy Lee Jones auch seinen zweiten Film als Western. Und erneut ereignet sich in rauer Umgebung ein erstaunliches Exempel menschlichen Handelns: In der Mitte des 19. Jahrhunderts bricht die alleinstehende Farmerin Mary Bee Cuddy (großartig: Hilary Swank) vom eiskalten Wilden Westen Nebraskas auf, um drei Ehefrauen des Dorfes (Miranda Otto, die Dänin Sonja Richter und die TV-Schauspielerin Grace Gummer), die wegen der baren Umstände und ihrer Männer wahnsinnig wurden, in eine Pflegeanstalt der Zivilisation zu bringen. Die mutige Frau liest als Begleiter den amoralischen Briggs (Tommy Lee Jones) auf, eine jämmerliche Gestalt, die sie vom Galgen abknüpft. Während Cuddy bei der Fahrt zwischen Indianern und Gaunern Wärterin, Pflegerin und Psychiaterin ist, bleibt Briggs ein sturer Dickschädel, großartig gespielt von Tommy Lee Jones, der wieder einen außergewöhnlichen, unbedingt sehenswerten Film realisierte. „The Homesman" startet am 13. November.
✍
✍
Cannes 2014 The Rover / David Michôd
„Hasst mich nicht, weil ich schön bin" - dieser Song im Film „The Rover" brachte Robert Pattinson sehr viele Lacher. Zwar ist der „Twilight"-Star in dem nihilistischen australischen Post-Katastrophen-Film von David Michôd als debiler Killer nicht schön, aber es gibt andere Gründe, ihm nicht geneigt zu sein. Denn während die Männer um ihn herum nach einer chinesischen Machtübernahme heftig vom moralischen und auch körperlichen Verfall gezeichnet sind, nimmt man es dem Mädchenschwarm nicht ab, diesem tragischen „Bel Ami" auf der Suche nach passenden Rollen. So hat Guy Pearce („Memento"), bärtig und schief humpelnd, den Film für sich allein in der Hauptrolle eines Mannes, der über Leichen geht, nur um sein Auto wiederzubekommen. Es birgt einen Funken Menschlichkeit, die ansonsten vor die Hunde gegangen ist.
✍
✍
16.5.14
Cannes 2014: The Captive / Atom Egoyan
Atom Egoyan, dessen Figuren früher oft auf der Suche nach der verlorenen Heimat Armenien waren, schickt jetzt im Wettbewerbs-Thriller „The Captive" die Stars Ryan Reynolds, Scott Speedman und Rosario Dawson auf die Suche nach dem Mädchen Cassandra, dass vor acht Jahren verschwand. Der kanadische Regisseur mit armenischen Wurzeln erzählt von doppelter Entführung und Ehedrama mit sehr viel Spannung und großen Emotionen. Das jedoch - wie schon in früheren Filmen - auf zahlreichen Monitoren im Bild genial doppelbödig. Ein charismatisch wahnsinniger Schurke (Kevin Durand aus „Lost") hält sich für die Königin der Nacht und das Mädchen für einen mächtigen Ring von Kindesentführern gefangen. Doch die „Monster" wollen nichts Sexuelles, sie wollen die Gefühle der Opfer und ihrer Angehörigen. Deshalb findet die Mutter nach Jahren immer wieder scheinbar zufällig Gegenstände der Verschwundenen, während sie in diesen Momenten heimlich gefilmt wird. So bedarf es nicht der Erwähnung eines Polizisten, dass dies ja alles stark an eine TV-Show erinnert und wohl für Abonnenten inszeniert wird. Und schon steht die Frage im prall von Emotionen gefüllten Kino-Raum, wer eigentlich für unsere voyeuristische Lust an den Gefühlen anderer bezahlt.
✍
✍
15.5.14
Cannes 2014: EU Prix MEDIA
Mit Danis Tanović steht der erste Sieger von Cannes 2014 fest: Der bosnische Regisseur von „No man's land" und „An Episode in the Life of an Iron Picker", der 2013 den Jury Preis der Berlinale gewann, erhält für sein nächstes Projekt den European Union 'Prix MEDIA'. Dieser unterstützt Autoren und Produzenten für ein Filmprojekt mit den besten Aussichten für einen Kinoerfolg mit Förderung aus dem europäischen MEDIA Programm. Der Film „What Are You Looking At?" ist eine Geschichte über Sarajevo als Stadt in einer endlosen Nachkriegs-Zeit, ohne Helden und in der die Werte von Korruption und Verbrechen in Geiselhaft genommen wurden. Die Vorgänger von Tanović waren die ebenso renommierten Regisseure Asghar Farhadi und Thomas Vinterberg.
✍
✍
Cannes 2014: Marion Cotillard
Cannes. Am Dienstag erwartet Cannes den französischen Superstar Marion Cotillard („Inception", „Der Geschmack von Rost und Knochen", „La vie en rose") im Wettbewerb mit „Zwei Tage, eine Nacht", dem neuen Film von Jean-Pierre und Luc Dardenne. Sie spielt darin eine Angestellte, die ihren Job verlieren wird, wenn sie nicht die Kollegen überzeugt, auf einen Bonus zu verzichten. Die Oscar-Preisträgerin schildert in einem Interview mit der Fachzeitschrift Variety die Dreharbeiten in Lüttich als neue Herausforderung. Bisher haben die Dardennes mit Ausnahme von Cecile de France in „Der Junge mit dem Fahrrad" immer mit einem Mix aus Laien und unbekannteren Schauspielern gearbeitet. Als Cotillard das Angebot bekam, hoffte sie sehr, dass der Dreh wieder im Lütticher Stadtteil Seraing stattfinden würde, dass sie Teil der legendären Dardenne-Methode mit authentischem Setting und Personal werden dürfte.
Schließlich wurde es, selbst für die wegen ihres Perfektionismus berühmte Schauspielerin, ihr extremster Dreh: Siebzig manchmal achtzig „Takes" einer Szene - und die Szenen sind bei den beiden doppelten Palmen-Sieger gerne mehrere Minuten lang. Trotzdem war es eine Erfahrung, die sie jederzeit wiederholen würde, sie sei in der Kunst des Schauspiels bis aufs Äußerste gefordert worden. Außerdem hätte die Französin in diesem Prozess die mühsam vorbereitete, eigene Biografie ihrer Figur, die sie sich selbst erarbeitet hatte, aufgeben müssen. Ein Geheimnis, wie diese scheinbar verrückten Dreharbeiten die Darsteller mittels totaler Erschöpfung dazu zwingen, besonders offen zu agieren. (ghj)
✍
Schließlich wurde es, selbst für die wegen ihres Perfektionismus berühmte Schauspielerin, ihr extremster Dreh: Siebzig manchmal achtzig „Takes" einer Szene - und die Szenen sind bei den beiden doppelten Palmen-Sieger gerne mehrere Minuten lang. Trotzdem war es eine Erfahrung, die sie jederzeit wiederholen würde, sie sei in der Kunst des Schauspiels bis aufs Äußerste gefordert worden. Außerdem hätte die Französin in diesem Prozess die mühsam vorbereitete, eigene Biografie ihrer Figur, die sie sich selbst erarbeitet hatte, aufgeben müssen. Ein Geheimnis, wie diese scheinbar verrückten Dreharbeiten die Darsteller mittels totaler Erschöpfung dazu zwingen, besonders offen zu agieren. (ghj)
✍
Cannes 2014: Mr. Turner
Der Brite Mike Leigh („Another Year", „Happy-Go-Lucky", „Topsy Turvy") eröffnete die Galerie der alten Meister im Wettbewerb mit „Mr. Turner", dem Porträt des berühmten Landschaftsmalers William Turner (1775-1851) an der Grenze zur Moderne, die mit Eisenbahn und Fotografie Einzug hält. Timothy Spall verkörpert mit voller Wucht den Maler als Monolith der Kunstgeschichte und zwischen seinen Mitmenschen. Ein Schweinskopf wird in Bild gestellt, um ein massive Physiognomie des Hauptdarstellers (und auch vieler Nebenfiguren) deutlich zu charakterisieren. Dabei ist der schon zu Lebzeiten teuer geschätzte und von der Königin verachtete Künstler ein ungemein feiner, sensibler Mensch. Der allerdings Probleme hat sich zu äußern, was zu einem Grunzen als typischem Grundton führt. Und der zum Weinen tatsächlich in ein Bordell gehen muss, als sein Vater, der auch Freund, Assistent, Haushalter und Manager war, stirbt. Diese großartige und schon jetzt mehrfach preisverdächtige Personen- und Epochen-Gemälde, ist ein eindrucks- und kunstvolles Tableau, das immer wieder Turner in den eigenen, wundervollen Bildern zitiert. Ein perfekter Einstand in die meisterliche Bilder-Galerie des Festivals. (ghj)
✍
✍
14.5.14
Grace of Monaco
Frankreich 2014 Regie: Olivier Dahan mit Nicole Kidman, Tim Roth, Frank Langella, Paz Vega, Parker Posey 102 Min.
Welch eine tragische Geschichte: Da will ein englischsprachiges Mädchen Prinzessin in der alten Adelsfamilie Monacos spielen. Die Tragödie trägt nicht den Namen Grace Kelly, sondern Nicole Kidman, deren Spiel den Film „Grace of Monaco" endgültig scheitern lässt. Olivier Dahan („La vie en rose", „Die purpurnen Flüsse 2") dekoriert das Skript von Autor Arash Amel wie für ein Glamourmagazin oder eine glänzende Familien-Chronik. Dieses Filmmärchen wird ohne Gnade durchfallen.
Doppelbödig wie die Geschichte einer erfolgreichen Schauspielerin, die im richtigen Leben Prinzessin spielt, beginnt auch der Film „Grace of Monaco": Die düstere Ereignisse vorausdeutende Fahrt über enge Straßen erweist sich als Leinwand im Hintergrund von Filmaufnahmen. Grace Kelly (Nicole Kidman), der Star von „Zwölf Uhr Mittags", von Hitchcocks „Das Fenster zum Hof" und „Über den Dächern von Nizza", hat eine Szene ihres letzten Films beendet. Zeitlupe und ein trauriger Klang auf der Tonspur begleiten sie in ihre Garderobe. Es ist 1956, die Hochzeit mit Fürst Rainier von Monaco steht bevor. 1961 ist die Traumhochzeit eine Film-Erinnerung in Schwarzweiß, zwei Kinder spielen bereits im Palast und eine Krise baut sich vor den Grenzen des Zwergstaates auf: Der französische Präsident Charles de Gaulle fordert Abgaben von der Steueroase und droht mit einer unfreundlichen Übernahme. Der Algerienkrieg läuft gerade nicht gut, der Kolonialist braucht Geld und einen Nebenkriegsschauplatz.
Fürst Rainier III. (Tim Roth) kämpft um sein kleines Reich, hat keine Zeit für die unterforderte Frau an seiner Seite und schwankt unter Einfluss eines grob pöbelnden Onassis zwischen liebendem Ehemann und herrischem Patriarchen. Die noch immer nicht zugerichtete Amerikanerin mischt sich in politische Gespräche ein, das Gerücht eines neuen Films mit Hitchcock verschlechtert das schon nicht berauschende Image der Fürstin noch mehr. „Hitch" will seine „Gracie" für den die Rolle einer frigiden Kleptomanin in „Marnie" haben. „So ein unbekannter Schotte" ist für die männliche Hauptrolle eingeplant. Wut und Raserei im Auto der zur Untätigkeit Verdammten führen noch nicht zum Absturz - den Unfall-Tod in dem reichlich gezeigten und voll ausgefahrenen Porsche lässt der Film aus. Stattdessen gibt es Gespräche mit einem vom Vatikan instruierten Priester (Frank Langella), eine Hofintrige mit der Schwägerin, Reiten mit der Callas und zu viele Großaufnahmen einer überforderten Hauptdarstellerin bis zur finalen Heiligsprechung.
„Wieso muss alles so kompliziert sein", klagt Kelly. Oder ist es Kidman? Viel Einsamkeit und Verzweiflung wird behauptet, nicht gefühlt, bevor sich der Neuzugang am Hofe mit einem Publicity-Stunt nach einer bekannten Drehbuch-Formel als würdig und untertänige Ehefrau erweist. Leider erweist sich Nicole Kidman nicht als würdig und fähig, Glanz und Grazie der Grace Kelly auf die Leinwand zu bringen. Im Reigen der ausgestellten Posen und Kostüme zeigen sich die begrenzten Möglichkeiten der Australierin, nerven ihre bekannten Manierismen besonders stark. Der Film hangelt sich am Countdown einer Bedrohung - siehe die Filme zur Kubakrise - entlang. Ein paar gute Sätze, wenige Scherzchen lockern die zähe, niemals packende Entwicklung nicht auf. Dieses High Society-Märchen fällt sogar schlechter aus, als das letzte Diana-Debakel von Oliver Hirschbiegel. Da sollte man sich lieber einen Film mit der echten Grace Kelly ansehen!
✍
Welch eine tragische Geschichte: Da will ein englischsprachiges Mädchen Prinzessin in der alten Adelsfamilie Monacos spielen. Die Tragödie trägt nicht den Namen Grace Kelly, sondern Nicole Kidman, deren Spiel den Film „Grace of Monaco" endgültig scheitern lässt. Olivier Dahan („La vie en rose", „Die purpurnen Flüsse 2") dekoriert das Skript von Autor Arash Amel wie für ein Glamourmagazin oder eine glänzende Familien-Chronik. Dieses Filmmärchen wird ohne Gnade durchfallen.
Doppelbödig wie die Geschichte einer erfolgreichen Schauspielerin, die im richtigen Leben Prinzessin spielt, beginnt auch der Film „Grace of Monaco": Die düstere Ereignisse vorausdeutende Fahrt über enge Straßen erweist sich als Leinwand im Hintergrund von Filmaufnahmen. Grace Kelly (Nicole Kidman), der Star von „Zwölf Uhr Mittags", von Hitchcocks „Das Fenster zum Hof" und „Über den Dächern von Nizza", hat eine Szene ihres letzten Films beendet. Zeitlupe und ein trauriger Klang auf der Tonspur begleiten sie in ihre Garderobe. Es ist 1956, die Hochzeit mit Fürst Rainier von Monaco steht bevor. 1961 ist die Traumhochzeit eine Film-Erinnerung in Schwarzweiß, zwei Kinder spielen bereits im Palast und eine Krise baut sich vor den Grenzen des Zwergstaates auf: Der französische Präsident Charles de Gaulle fordert Abgaben von der Steueroase und droht mit einer unfreundlichen Übernahme. Der Algerienkrieg läuft gerade nicht gut, der Kolonialist braucht Geld und einen Nebenkriegsschauplatz.
Fürst Rainier III. (Tim Roth) kämpft um sein kleines Reich, hat keine Zeit für die unterforderte Frau an seiner Seite und schwankt unter Einfluss eines grob pöbelnden Onassis zwischen liebendem Ehemann und herrischem Patriarchen. Die noch immer nicht zugerichtete Amerikanerin mischt sich in politische Gespräche ein, das Gerücht eines neuen Films mit Hitchcock verschlechtert das schon nicht berauschende Image der Fürstin noch mehr. „Hitch" will seine „Gracie" für den die Rolle einer frigiden Kleptomanin in „Marnie" haben. „So ein unbekannter Schotte" ist für die männliche Hauptrolle eingeplant. Wut und Raserei im Auto der zur Untätigkeit Verdammten führen noch nicht zum Absturz - den Unfall-Tod in dem reichlich gezeigten und voll ausgefahrenen Porsche lässt der Film aus. Stattdessen gibt es Gespräche mit einem vom Vatikan instruierten Priester (Frank Langella), eine Hofintrige mit der Schwägerin, Reiten mit der Callas und zu viele Großaufnahmen einer überforderten Hauptdarstellerin bis zur finalen Heiligsprechung.
„Wieso muss alles so kompliziert sein", klagt Kelly. Oder ist es Kidman? Viel Einsamkeit und Verzweiflung wird behauptet, nicht gefühlt, bevor sich der Neuzugang am Hofe mit einem Publicity-Stunt nach einer bekannten Drehbuch-Formel als würdig und untertänige Ehefrau erweist. Leider erweist sich Nicole Kidman nicht als würdig und fähig, Glanz und Grazie der Grace Kelly auf die Leinwand zu bringen. Im Reigen der ausgestellten Posen und Kostüme zeigen sich die begrenzten Möglichkeiten der Australierin, nerven ihre bekannten Manierismen besonders stark. Der Film hangelt sich am Countdown einer Bedrohung - siehe die Filme zur Kubakrise - entlang. Ein paar gute Sätze, wenige Scherzchen lockern die zähe, niemals packende Entwicklung nicht auf. Dieses High Society-Märchen fällt sogar schlechter aus, als das letzte Diana-Debakel von Oliver Hirschbiegel. Da sollte man sich lieber einen Film mit der echten Grace Kelly ansehen!
✍
11.5.14
Stereo
BRD 2014 Regie: Maximilian Erlenwein mit Jürgen Vogel, Moritz Bleibtreu, Petra Schmidt-Schaller, Georg Friedrich, Rainer Bock 95 Min.
Nach seinem Rückzug aufs Land genießt der raue Motorrad-Mechaniker Erik (Jürgen Vogel) das Glück einer kleinen Familie. Bis mit Henry (Moritz Bleibtreu) eine Gestalt auftaucht, die nur er sehen kann. Zudem will ihn eine weitere zwielichtige Figur in die Halbwelt drängen. Regisseur Maximilian Erlenwein gelingt mit den klasse Hauptdarstellern Jürgen Vogel und Moritz Bleibtreu ein ausdrucksstarker Rache-Thriller.
An einer offenen und einsamen Landstraße liegt eine Motorrad-Werkstatt, die auch an einem amerikanischen Highway passen würde. Die ersten Einstellungen fangen Weite und Freiheit ein, bis ein sehr biederer und braver Polizist (Rainer Bock) den Motorrad-Raser Erik (Jürgen Vogel) ausbremst und ausgerechnet der Vater von dessen Geliebter Julia (Petra Schmidt-Schaller) ist. Klar, hier wird ein „Wild One" für das bürgerliche Leben runtergedrosselt. Aber Erik ist glücklich mit dieser kleinen Familie, der sexy Julia und ihrer kleinen Tochter Linda, die den „Ober-Löwen" direkt vergöttert. Wäre da nicht dieser Schatten der Vergangenheit in Form eines Kapuzenmannes, der immer näher kommt und sich als Eriks bester Feind Henry (Moritz Bleibtreu) herausstellt. Den kann allerdings nur der gezähmte Rocker sehen und hören.
Schon der Doppelauspuff von Eriks Maschine brüllt da zusammen mit dem Titel „Schizophrenie". Doch wie Regisseur Maximilian Erlenwein dieses Mysterium in einem Action-Finale auflöst, ist großes Genre-Kino mit unerwarteter Besetzung. Denn weder ein Medium noch der „Zigeuner", der Erik gut zu kennen scheint, klären die seltsame Erscheinung auf. Dabei soll der Mann mit den wilden Tattoos und dem Wunsch nach Familie im Kampf gegen den wahnsinnigen Bordellboss Keitel (Georg Friedrich aus „Über-Ich und Du") antreten...
Hier ist jemand Feuer und Flamme für Genre-Filme aus Hollywood. Will uns das der Molotov-Cocktail schon im Vorspann sagen? Maximilian Erlenweins „Stereo" feiert Geschwindigkeit, klare und prägnante Bilder, Maskulines wie Motoren, Maschinenöl und Tattoos, unterstützt durch heftige Bassklänge. In seinem deutschen „Fight Club", der am Ende heftig brutal wird, gibt Jürgen Vogel denn braven Edward Norton und Bleibtreu Brad Pitts Tyler Durden. Oder vielleicht doch umgekehrt? Dabei punktet vor allem Vogel quasi in einer Doppelrolle als Dr. Jekyll und Mr. Hyde. Gegen ihn in „Stereo" ist selbst „Die Hard" Bruce Willis ein Hampelmann. Moritz Bleibtreu macht in Parka und unter Kapuze viel mit expressiver Körperhaltung. Die bösen und ordinären Bemerkungen seiner gespenstigen Gestalt werden mit großer Treffsicherheit herausgeschleudert. Georg Friedrich, der mit Bleibtreu schon in der Kunstraub-Geschichte „Mein bester Feind" spielte, komplettiert das starke Trio als verkrüppelter und bewährt wahnsinniger Gangster.
Die Auflösung wird deftig präsentiert, ein schmieriges Bordell namens Heaven gerät im Finale tief unter der Erde zur Hölle für alle Beteiligten. Dabei gibt es ein doppelt bis dreifach dickes Ende, doch schließlich geht es aus wie in dunkleren Kapiteln der Schwarzen Serie. Vereinfachungen sind beim Genre gängig und auch in diesem Rachefilm: Fahrendes Volk guckt reihenweise sehr bedrohlich, das Medium hat einen osteuropäischen Dialekt. Das kann man Maximilian Erlenwein vorwerfen, doch mal sollte nicht sein Talent und die Leidenschaft für den Genrefilm unterschätzen. Auch Robert Schwentke startete 2002 mit dem dreckigen, heftigen „Tattoo", mittlerweile hat er vier große Hollywood-Produktionen inszeniert.
✍
Nach seinem Rückzug aufs Land genießt der raue Motorrad-Mechaniker Erik (Jürgen Vogel) das Glück einer kleinen Familie. Bis mit Henry (Moritz Bleibtreu) eine Gestalt auftaucht, die nur er sehen kann. Zudem will ihn eine weitere zwielichtige Figur in die Halbwelt drängen. Regisseur Maximilian Erlenwein gelingt mit den klasse Hauptdarstellern Jürgen Vogel und Moritz Bleibtreu ein ausdrucksstarker Rache-Thriller.
An einer offenen und einsamen Landstraße liegt eine Motorrad-Werkstatt, die auch an einem amerikanischen Highway passen würde. Die ersten Einstellungen fangen Weite und Freiheit ein, bis ein sehr biederer und braver Polizist (Rainer Bock) den Motorrad-Raser Erik (Jürgen Vogel) ausbremst und ausgerechnet der Vater von dessen Geliebter Julia (Petra Schmidt-Schaller) ist. Klar, hier wird ein „Wild One" für das bürgerliche Leben runtergedrosselt. Aber Erik ist glücklich mit dieser kleinen Familie, der sexy Julia und ihrer kleinen Tochter Linda, die den „Ober-Löwen" direkt vergöttert. Wäre da nicht dieser Schatten der Vergangenheit in Form eines Kapuzenmannes, der immer näher kommt und sich als Eriks bester Feind Henry (Moritz Bleibtreu) herausstellt. Den kann allerdings nur der gezähmte Rocker sehen und hören.
Schon der Doppelauspuff von Eriks Maschine brüllt da zusammen mit dem Titel „Schizophrenie". Doch wie Regisseur Maximilian Erlenwein dieses Mysterium in einem Action-Finale auflöst, ist großes Genre-Kino mit unerwarteter Besetzung. Denn weder ein Medium noch der „Zigeuner", der Erik gut zu kennen scheint, klären die seltsame Erscheinung auf. Dabei soll der Mann mit den wilden Tattoos und dem Wunsch nach Familie im Kampf gegen den wahnsinnigen Bordellboss Keitel (Georg Friedrich aus „Über-Ich und Du") antreten...
Hier ist jemand Feuer und Flamme für Genre-Filme aus Hollywood. Will uns das der Molotov-Cocktail schon im Vorspann sagen? Maximilian Erlenweins „Stereo" feiert Geschwindigkeit, klare und prägnante Bilder, Maskulines wie Motoren, Maschinenöl und Tattoos, unterstützt durch heftige Bassklänge. In seinem deutschen „Fight Club", der am Ende heftig brutal wird, gibt Jürgen Vogel denn braven Edward Norton und Bleibtreu Brad Pitts Tyler Durden. Oder vielleicht doch umgekehrt? Dabei punktet vor allem Vogel quasi in einer Doppelrolle als Dr. Jekyll und Mr. Hyde. Gegen ihn in „Stereo" ist selbst „Die Hard" Bruce Willis ein Hampelmann. Moritz Bleibtreu macht in Parka und unter Kapuze viel mit expressiver Körperhaltung. Die bösen und ordinären Bemerkungen seiner gespenstigen Gestalt werden mit großer Treffsicherheit herausgeschleudert. Georg Friedrich, der mit Bleibtreu schon in der Kunstraub-Geschichte „Mein bester Feind" spielte, komplettiert das starke Trio als verkrüppelter und bewährt wahnsinniger Gangster.
Die Auflösung wird deftig präsentiert, ein schmieriges Bordell namens Heaven gerät im Finale tief unter der Erde zur Hölle für alle Beteiligten. Dabei gibt es ein doppelt bis dreifach dickes Ende, doch schließlich geht es aus wie in dunkleren Kapiteln der Schwarzen Serie. Vereinfachungen sind beim Genre gängig und auch in diesem Rachefilm: Fahrendes Volk guckt reihenweise sehr bedrohlich, das Medium hat einen osteuropäischen Dialekt. Das kann man Maximilian Erlenwein vorwerfen, doch mal sollte nicht sein Talent und die Leidenschaft für den Genrefilm unterschätzen. Auch Robert Schwentke startete 2002 mit dem dreckigen, heftigen „Tattoo", mittlerweile hat er vier große Hollywood-Produktionen inszeniert.
✍
Abonnieren
Posts (Atom)