FILMtabs

Black Gold

2012-02-02T13:48:00.001+01:00

Katar, Frankreich 2011 (Or noir) Regie: Jean-Jacques Annaud mit Tahar Rahim, Antonio Banderas, Mark Strong, Freida Pinto 130 Min.

Aqaba! Unvergesslich dieser Schlachtruf des „Lawrence von Arabien" vor einem halben Jahrhundert auf der ganz großen Leinwand (70mm mit Ouvertüre bei geschlossenem Vorhang)! Nun müssen wir Regie-Legende David Lean gegen Jean-Jacques Annaud („Am Anfang war das Feuer", „Der Name der Rose", „Sieben Jahre in Tibet") eintauschen und Aqaba gegen Doha, der Hauptstadt von Katar. Denn obwohl die Handlung ganz ernsthaft „Irgendwo in Arabien" angesiedelt ist, erzählt das teuerste und vom „Doha Film Institute" kräftig mitfinanzierte arabische Projekt seit „Lawrence" vor allem vom Selbstverständnis „moderner" Staaten am Golf. Habgier und Islamismus stehen sich gegenüber bis ein Messias alle Stämme versöhnen kann. Selbstverständlich scheppert es dabei kräftig in der Wüste und eine Armee von Kamelen bewältigt einen unmachbar erachteten Ritt - nach Aqaba!

Kamelleichen pflastern die Wüste als die beiden verfeindeten Stammesfürsten Nessib, Emir von Hobeika (Antonio Banderas), und Amar, Sultan von Salmaah (Mark Strong) den Frieden mit einem Pakt besiegeln: Zwischen ihren beiden Territorien soll der Gelbe Gürtel Niemandsland sein und Amars Söhne Saleeh und Auda leben als Geiseln an Nessibs Hof. Als eine Texanische Ölgesellschaft jedoch genau dort fündig wird, tauscht Nessib das Schwarze Gold gegen Wohlstand, Straßen und Elektrizität.

Das alles wächst in einer altmodischen Montage der Moderne, während des Emirs Gesandte auf dem Weg zum Scheich sind. Dieser studierte nach dem Tod seiner Frau den Koran und will weder für Geld noch für die Rückkehr seiner Söhne die Bohrungen in der entmilitarisierten Zone tolerieren. Während Bücherwurm Auda (Tahar Rahim) inzwischen Prinzessin Leyla (Freida Pinto), die Tochter seines Geiselnehmers heiratete, ermordet man Saleeh auf der Flucht. Nun soll Auda, auch „Sohn zweier Väter", bei dem leiblichen einen Frieden verhandeln. Die nicht wirklich schwierige Annäherung von Vater und Sohn, sowie die höchstens lächerliche Auseinandersetzung mit albern karikierten, fortschrittsfeindlichen Koran-Gelehrten führt zu einem verrückten Plan: Auda soll mit einer Armee aus Gefangenen 15 Tage lang ohne Wasser die Wüste durchqueren und Nessibs moderne Truppe ablenken, während der Sultan dessen Hauptstadt direkt angreift. Widerwillig folgt der brave Sohn dem Scheinmanöver, er brauche ja nicht wirklich zu kämpfen, solle sich nur zeigen. Doch als der chaotische Haufen angegriffen wird, erweist sich der Bibliothekar als raffinierter Guerilla-Streiter und schließlich als einender Führer der Wüsten-Stämme.

Dieses bemühte Wüsten-Epos sieht so aus wie es klingt: Einfache Dialoge machen klar, was nicht immer logisch ist. Schön kitschig die Bilder, schön trivial die internationale Besetzung. Was der Film zwischen all den sonnigen Aufnahmen nicht kann, ist den Reformer Auda als Sohn von Verwestlichung und fortschrittsfeindlichem Islam zum idealen Araber zu machen. Obwohl schon der Westen als netter Kerl vereinfacht wird sowie weit und breit kein Gaddafi zu sehen ist. Diese Mär klappte sogar bei „Metropolis" besser. Hier muss sich Doha vielleicht noch etwas Schlüssigeres als Staatslegende einkaufen. Kurios dabei, dass sich die Dreharbeiten in Tunesien nicht von der parallel stattfindenden echten Revolution haben stören lassen.

Der aus den Niederlanden stammende Drehbuchautor Menno Meyjes, der selten, aber dann eindrucksvoll mit „Ausnahmezustand" (1998) oder „Die Farbe Lila" (1985) im Abspann auftaucht, ist diesem Falle weniger interessant, als der Roman-Autor von „Der schwarze Durst", der Schweizer Hans Ruesch (1913 - 2007). Als Rennfahrer gewann Ruesch mehrere Grand Prix und als Journalist, der rechtzeitig den Nazi nach New York entkam, war er mit seiner Aufdeckung von Tierversuchen in „Nackte Herrscherin. Entkleidung der medizinischen Wissenschaft" schon Mitte der Siebziger Jahre seiner Zeit weit voraus.

Dame, König, As, Spion

2012-01-29T18:50:00.001+01:00

Großbritannien, Frankreich, BRD 2011 (Tinker, Tailor, Soldier, Spy) Regie: Tomas Alfredson mit Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, John Hurt 127 Min. FSK ab 12

Bond? Kein Bond! „Dame, König, As, Spion", das höchstkarätig besetzte Spionage-Spiel aus der Zeit des Kalten Krieges, zeigt Geheimdiensteln als graue und grausame Kopfarbeit zwischen staubigen Aktendeckeln. Der Schwede Tomas Alfredson („So finster die Nacht") inszenierte überzeugend und auch im sorgfältigen Bild beeindruckend eine schließlich doch sehr emotionale Geschichte, in der nur gebrochene und vereinsamte Menschen zurückbleiben.

In Ungarn gibt es beim Bauern-Opfer eines Spions noch Schießereien und Action. Dann erweist sich die Suche nach einem „Maulwurf" in der Zentrale des britischen Geheimdienstes MI6 als Stellungsspiel. Als konzentriertes Schachspiel ganz gemäß der Titel-Metapher von John Le Carrés gleichnamigem Roman aus dem Jahre 1974. „Circus" nennen die realistischeren Kollegen der Fiction namens Bond ihren eigenen Laden. Eine Versammlung der Direktoren legt andere Namen für diese Anstalt nahe. Der alte Boss „Control" (John Hurt) tritt nach frechen Verdächtigungen cholerisch brüllend zurück. Sein treuer Assistent George Smiley (Gary Oldman) folgt ihm, um bald darauf in geheimer Geheimmission mit der Suche nach dem Spitzel in der Spitze beauftragt zu werden. Von außen, mit der Hilfe seines eigenen „Insiders", spielt er die Züge der Beteiligten nach. Zeit genug hat er ja, nachdem ihn seine Frau verließ. Auch hierbei gab es einen Verräter, der noch zu enttarnen ist...

Es sind die ganz feinen Töne im mit herrlichem Anti-Flowerpower ausgestatteten Film, die ihn so ungemein spannend machen. Da zeigt etwa eine störende Fliege im Auto unauffällig die überlegene Intelligenz von Smiley: Während es die Kollegen vergeblich mit Schlagen versuchen, öffnet er einfach ein Fenster. Am stillen Mann nagt aber kaum merklich die Untreue der Frau und die Tatsache, dass er Karla, den Mastermind der Sowjets, nie erwischen konnte. Diese Verquickung von geheimdienstlicher Weltpolitik und privater Hoffnung auf ein kleines Glück durchzieht „Dame, König, As, Spion". Prägend sind auch die Darsteller mit dem mutig und erfolgreich gegen den eher wilden Strich besetzten Gary Oldman als genialer Spießer Smiley. Colin Firth glänzt als schillernder Kollege Bill Haydon noch am ehesten als Spion im Stile Bonds. Nebenbei macht ein lächerlicher Finanzminister die eigentlich mächtigen Politiker zur Witzfigur. Die Fäden ziehen wieder andere, doch auch denen möchte man nicht vertrauen. Die bedrückende Stimmung des Films ist ihnen geschuldet, ihrem allgemeinen Unvermögen, ein erfülltes Leben zu führen. Man fragt sich, wofür diese Menschen eigentlich kämpfen, wenn sie nicht gegen den jeweiligen Gegner (Kommunismus/Terrorismus/Islamismus) kämpfen.

Die Kunst zu gewinnen - Moneyball

2012-01-29T18:01:00.001+01:00

USA 2011 (Moneyball) Regie: Bennett Miller mit Brad Pitt, Jonah Hill, Ken Medlock, Philip Seymour Hoffman 133 Min.

Ist Brat Pitt so gut, dass man sich wegen ihm einen Film über Baseball, diesen Sport mit den unverständlichen Regeln, anschauen will? „Moneyball" behandelt eine spezielle Fußnote neuerer us-amerikanischer Sportgeschichte, die überraschende Siegesserie der „Underdogs" Oakland Athletics im Jahre 2002.

Manager Billie Beane (Brad Pitt) verliert in den Playoffs der Saison 2001 und auch noch seine drei besten Spieler an die wesentlich besser ausgestattete Konkurrenz. Der Ex-Spieler macht aus dem Problem die Lösung: Er engagiert Peter Brand (Jonah Hill), einen nerdigen Wirtschafts-Wissenschaftler, der sich darauf spezialisiert hat, mit mathematischer Hilfe Spieler zu finden, die unter Wert gehandelt werden. Das ist im Film so trocken, wie es klingt. Pitt braucht nur nachdenklich zu schauen, während ein preiswerter Pitcher analysiert wird. Erst als Beane den alten, verknöcherten Scouts des Vereins knapp und unumstößlich erklärt, dass sie nichts mehr zu sagen haben und ganz andere Leute gekauft werden, macht Pitt Spaß.

Doch wie der Manager sein Team überrascht, indem er mal alles anders macht, so liefert Regisseur Bennett Miller („Capote") statt dem Sportfilm ein Menschenfilm ab. „Moneyball" hat erfreulich wenige Spielszenen und die laufen nur als eingeblendete Originalaufnahmen. Der Film selbst führt keine großen, lokalpatriotischen Reden, sondern das nachdenkliche, fast private Gespräch. Die übliche Sportfilm-Spannung gibt es nur im letzten Spiel und auch das wird raffiniert mit einer ungewöhnlichen Tonspur akzentuiert: Während das Stadion explodiert, ist es völlig still um Billie, der sich tief in den Katakomben versteckt. Denn nach seiner eigenen, nicht besonders erfolgreichen Spieler-Karriere ist der Manager so versessen auf Erfolg, dass er sich kein Spiel persönlich ansieht.

Wenn man schaut, wer das geschrieben hat, ist es eigentlich nicht mehr so überraschend: Die Steilvorlage von Buchautor Michael Lewis („Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game") wandelten die Oscar-Sieger Steven Zaillian („Schindlers Liste") und Aaron Sorkin („The Social Network") in ein konzentriertes und kluges Drehbuch um. Vor allem Zaillians Filmografie liest sich wie eine Hitliste, allein im letzten Jahrzehnt schrieb er „Verblendung", „American Gangster", „Die Dolmetscherin", „Gangs of New York" und „Hannibal"!

So erzählt „Moneyball" fast als Fortsetzung des „Facebook-Films" von Pionieren, von Revoluzzern, die sich den Kopf einrennen. Einen melancholischen Ton bringt Beanes Privatleben, seine zwölfjährige Tochter, die er ab und zu bei der Mutter abholen darf, sowie Rückblenden zu seiner eigenen Karriere. Das Heuern und Feuern von Sportlern und anderen Idolen zeigt sich hier als zynischer Menschenhandel, als Variable einer mathematischen Formel. Schauspieler werden übrigens gerne auch nach ihrem Box Office-Value eingesetzt. „Moneyball" überzeugt hier künstlerisch durch eine satt gute Ausstattung in den Nebenrollen: Der selbst im Spiel eines tumben Trainers exzellente Philip Seymour Hoffman war schon Millers Hauptdarsteller in „Capote". Robin Wright taucht wieder - wie in der Verschwendungs-„Verblendung" - als Ex am Rande auf. Im Zentrum bleibt die Figur von Billie Beane, der nach einem realen Vorbild geformt wurde: Der Film kommt, nachdem der Sport erledigt ist, in seinem Epilog noch mal ganz groß auf ihn zurück. Die Tochter singt auf einer Cassette „Papa, du bist ein Verlierer" und nicht nur deswegen erweist sich „Moneyball" als ausnahmsweise sehenswerter US-Sportfilm.

Sex on the Beach

2012-01-29T17:05:00.001+01:00

Großbritannien 2011 (The Inbetweeners Movie) Regie: Ben Palmer mit Simon Bird, Joe Thomas, James Buckley, Blake Harrison, Lydia Rose Bewley 97 Min. FSK ab 16

Millionen Briten können nicht irren. Oder waren es Fliegen? Egal, auf jeden Fall hat „The Inbetweeners Movie" (so der Originaltitel) auf der Hitliste britischer Kino-Komödien „Bridget Jones" vom ersten Platz verdrängt. Nun hat diese Meldung ähnlichen Wert wie: Faustkeil praktischer als Smartphone! Das mag für Neandertaler gelten, aber man muss deshalb nicht gleich seine Flatrate gegen Flachkiesel eintauschen. Oder: „Sex on the Beach" ist wohl mit Abstand das Dämlichste und Ödeste, was 2012 ins Kino kommt.

Vier britische Idioten, die längst mit dem Pubertieren fertig sein sollten, dürfen nach dem Schulabschluss mal ohne Mama und Papa Urlaub machen. Sie packen in ihren Koffer viel Fäkalhumor, der nichts auslässt, dazu verklemmte Anzüglichkeiten (siehe der verklemmt anzügliche deutsche Titel) und Blödheit, weit über die Schmerzgrenze des Fremdschämens. Trottel 1-4 landen auf einer billigen, kretischen Partymeile und wirken selbst in dieser Umgebung noch unterbelichtet. Ohne Ahnung zu haben, reden sie dauernd unflätig von Sex und treffen in einer vollkommen leeren Neppbar ausgerechnet auf vier nette, intelligente Frauen. Bis das einfallslose Drehbuch dann die völlig biederen Happy Ends anleiert, muss jedoch noch eine Menge Ekelhaftes runtergespult werden. Witzig ist der Film nicht, frech ebenso wenig. Vielleicht war ja die TV-Sitcom lustig, aus der die Figuren entlaufen sind.

My Reincarnation

2012-01-29T16:26:00.001+01:00

USA, Niederlande, BRD, Italien 2011 Regie: Jennifer Fox 100 Min.

„Vater, Vater, warum hast du mich verlassen?" So messianisch müsste die Klage dieses Films klingen - wären wir nicht auf dem Gebiet des Buddhismus und in Italien. Deshalb spielt die Tonspur „Via, via" (dt: Weg, weg) von Paulo Conte und auch das verstehen wir: Yeshi Silvano Namkhais Vater ist der berühmte buddhistische Lehrmeister Namkhai Norbu Rinpoche, der seit Jahrzehnten die Welt bereist, um seinen Glauben zu verbreiten und den Menschen zu helfen. Nur zuhause ist er nicht so oft. Diese Geschichte mag häufiger vorkommen, doch Chögyal Namkhai Norbu Rinpoche gilt als der führende Meister der tibetisch-buddhistischen Dzogchen-Gemeinschaft. (Dzogchen, die „spirituelle Essenz aller buddhistischen Lehren".) Geboren 1938 in Osttibet floh er 1960 vor der chinesischen Verfolgung nach Italien und gründete im Laufe der Jahrzehnte weltweit neue Zentren der Dzogchen-Gemeinschaft.

Khyentse Yeshe (Yeshi Silvano Namkhai), Sohn und Schüler von Chögyal Namkhai Norbu hingegen wurde in Italien 1970 geboren. Er erhielt eine christliche und buddhistische Erziehung, studierte Philosophie und Informatik und arbeitete nach seinem Studium im Bereich der modernen Technologien. Obwohl auch er als Reinkarnation eines berühmten buddhistischen Lehrers erkannt wurde, der noch dazu geliebter Onkel seines Vaters war, weigert er sich, diese Tradition fortzuführen. Wir sehen in den ersten Bildern einen rebellischen Studenten, der die elterliche Wohnung verlässt, aber vor allem geliebt werden will. Als Sohn, nicht als Schüler und nicht als Wiedergeburt seines Großonkels. Doch der berühmte Vater, so unkonventionell und pragmatisch er als freundlicher Lehrer für andere war, verhielt sich wie ein Meister nicht wie ein Vater.

So sehen wir Yeshi 13 Jahre später mit einem „normalen italienischen Familienleben". Während der Vater sehr vertraut den Dalai Lama im traumhaft gelegenen Tempel im toskanischen Arcidosso empfängt, genießt der scheinbar verlorene Sohn seine Fahrten in luxuriösen Autos. Erst später nutzte er seine häufigen Autofahrten für Meditationen und der Film hält in größeren Schritten eine Wandlung fest: Beeinflusst auch durch eine Krebs-Erkrankung des Vaters hat er sich schweren Herzens entschieden, nicht mehr Sohn sondern Schüler zu sein.

Die Regisseurin Jennifer Fox hatte bereits einige anerkannte Dokumentarfilme gemacht, als sie 1985 in einer Auszeit vom Filmemachen als Sekretärin von Namkhai Norbu Rinpoche mit ihm reiste. Sie filmte aber weiter und so entstand über 20 Jahre das sehr intime Material für diesen Film. Obwohl Fox dem porträtierten Meister sehr nahe steht, ist „My Reincarnation" keine der distanzlosen Huldigungen geistiger Größen. Aber auch keineswegs eine Demontage eines lieblosen Vaters. Vor allem in dessen Krankheit sieht man beide Seiten, erkennt den in seiner enorm selbstlosen Hilfsbereitschaft für sich selbst hilflosen Menschen, mit sehr menschlichem Zweifel und Unruhe angesichts des Todes.

Underworld Awakening

2012-01-29T16:19:00.001+01:00

USA 2011 (Underworld Awakening) Regie: Måns Mårlind, Björn Stein mit Kate Beckinsale, Stephen Rea, Michael Ealy 88 Min.

Um es kurz und knapp zu sagen: Knapp 90 Minuten Underworld - Teil 4 erfüllen die Erwartungen der Fans voll und ganz. Genauer gesagt, vor allem in Bezug auf die weibliche Hauptfigur im engen Latexdress: Die Erwartungen der Fanboys, dieser soziologischen Konstruktion von Filmkritik und -produktion. Fanboys sind etwas anspruchslose, wenig experimentierfreudige Kinogänger (männlich), die sogenannten Kultfilmen mit ihrer ungeteilten Begeisterung (haben die sonst kein Leben?) zu großem Erfolg und beim Merchandise zu noch größeren Umsätzen verhelfen. Man gibt ihnen auch, seit „Star Wars" das reizvollere New Hollywood gekillt hat, die Schuld an der Infantilisierung des Kinos. Kurz: Die werden nie erwachsen, die Filme und die Fan(boys).

Im vierten Film seit dem sagenhaften Start im Jahre 2003 (mit einem Ausflug in mittelalterliche Vorgeschichte ohne Kate Beckinsale) sind die Vampire und die Lycans die Gejagten, seit die Menschen ihre Existenz entdeckten und einen massiven Angriff auf beide Nachtwesen starteten. Die dezimierten Helden von Underworld verstecken sich im Underground und Selene hängt als Verdächtige Nr. 1 gefriergetrocknet im Labor von Dr. Jacob Lane (Stephen Rea). Der Leiter von „Antigen" arbeitet an einem Gegen-Gen, eigentlich. Nachdem Selene von einem unbekannten erweckt wird, rettet sich erst sich spektakulär und dann ihre auch liebliche und lebensgefährliche Tochter. Ja, in zwölf Jahren Vampir-Nickerchen ist einiges passiert. Von ihrem geliebten Werwolf Michael bleibt sie getrennt, doch der Kampf zwischen den beiden Beißer-Clans geht weiter, ganz wie beim alten Barden: „Zwei Häuser waren hier in Vancouver durch alten Groll zu neuem Kampf bereit, aus dieser Feinde unheilvollem Schoss das Leben zweier Liebender entsprang...". Doch von Clan-Saga entwickelt sich „Underworld" zu einer Familiengeschichte mit Kernfamilie Mutter Vampir, Vater Wolf, Tochter Hybrid.

Die Gegner sind inzwischen mächtig gewachsen, nun kämpft Selene gegen sehr riesige Lycans, mobilisiert ihre zaghaft gewordene Verwandtschaft und deckt eine Verschwörung auf. Der blaugraue Look von Vancouver wirkt auch bei den neuen schwedischen Regisseuren Måns Mårlind und Björn Stein wieder ebenso cool wie Beckinsales Figur in schwarzem Gummi. Doch statt Atmosphäre gibt es vor allem satt Action, die durch unglaubliche Geschwindigkeit von Selenes Morden beeindruckt. Die gibt es nicht zu knapp, obwohl „Underworld 4" endlich mal ein Film ist, der mit knappen 80 Minuten echter Laufzeit nicht übertreibt - nicht in der Länge, in allem anderen schon.

The Descendants - Familie und andere Angelegenheiten

2012-01-24T19:42:00.001+01:00

USA 2011 (The Descendants) Regie: Alexander Payne mit George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller 115 Min.

Man kann sich diesem Film als Fan von Alexander Payne nähern - oder als jemand, der bei der Kaffee-Werbung Lust auf noch einen Film von George Clooney bekommen hat. Payne hat (neben dem Buch zu Adam Sandlers „Chuck und Larry"!) mit den erwachsenen Komödien „Sideways" (2004 mit Paul Giamatti als Weintester) und „About Schmidt" (2002 mit Jack Nicholson als Neben-die-Schüssel-Pinkler) begeistert. Figuren, die in ihrer schrulligen Tragik wieder komisch sind, hat man derart nicht oft zuvor auf der Leinwand gesehen. Nun reiht sich Clooney bei den Payne-Darstellern ein und sorgt direkt mit einem nicht ganz passenden Hawaii-Hemd für erwartete Abseitigkeit.

Matt King (George Clooney) darf als Bewohner einer der Traum-Inseln Hawaiis durchaus die gleichnamigen Hemden tragen, nur gäbe es echt schönere und auch die Frisur ist weit von glamourös entfernt. Desillusionierend ebenso die Ansage Matts auf der (eifrig benutzten) Tonspur, er habe seit 15 Jahren nicht mehr auf einem Surfbrett gestanden, man solle sich das Leben hier nicht als Dauerurlaub vorstellen. Denn er verwaltet als einer von vielen Erben der Urbevölkerung federführend eine schwerreiche Familien-Stiftung, auch wenn keiner aus dem King-Clan irgendwie nach Geld aussieht. Dass gerade die Entscheidung ansteht, ob Matt und all seine Cousins ein wunderbares Stück Land für ein Golf-Resort hingeben, wird nebensächlich, als seine Frau bei einem Schnellboot-Rennen verunglückt und im Koma liegt. Der Anwalt muss sich um seine beiden Töchter kümmern, die schwer pubertierend (die ältere Alexandra) und verstört (die kleine Scottie) sind. Dabei ist er als Vater fast so albern, wie als gehörnter Gatte in dem Moment, als er von der Affäre seiner Frau erfährt: Mit Schlappen schlurft er wütend rennend zu den Freunden ein paar Straßen weiter. (Das sieht so unmöglich aus, wie es klingt!) Die wussten auch alles. Nun machen sich Vater und Töchter auf, um den Liebhaber (Matthew Lillard) auf einer Nachbarinsel zu finden. Im Gepäck ist Alex' volldebiler Freund, dessen Anwesenheit sich erst später sehr schön erklärt. In der gemeinsamen Verschwörung kommt Matt seiner abweisenden Tochter Alex langsam näher. Wie er zu seiner Frau, deren lebensverlängernde Maschinen abgestellt werden sollen, und zu dem Erbe seiner Vorfahren steht, wird sich entwickeln.

Das Wichtigste zuerst: Clooney gewinnt in der ungewohnten Rolle durchaus Sympathien, kann auch dieser untypischen und wenig glamourösen Figur Substanz und Tiefe geben. Auf den ersten Blick ist der neue Payne allerdings nicht so witzig, nicht so berührend und auch nicht so gut besetzt oder sogar nicht so gut gespielt wie seine Vorgänger. Was Alexander Payne jedoch über seine stille und unspektakuläre Geschichte an menschlichen Werten transportiert, merkt man erst zum Ende. „The Descendants" (Bindestrich und ein wiedermal unglaublich bescheuerter, deutscher Titel-Wurmfortsatz) ist ein nachhaltiger Film, im doppelten Sinne. Nicht nur mit der hawaiianischen Musik kann Payne das spezielle Leben auf den Inseln spürbar machen. In der sehr berührenden Wertschätzung einer unvergleichlichen Landschaft und dem Versuch, sie zu erhalten, ist die Geschichte dann wieder sehr universell.

The Artist

2012-01-24T18:59:00.001+01:00

Frankreich 2011 (The Artist) Regie: Michel Hazanavicius mit Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller 100 Min.

Ausgerechnet die beiden Filme, die nostalgisch und melancholisch zum Ende der Stummfilmzeit zurückreisen, sind die Favoriten der Oscars fürs Jahr 2011: Scorseses „Hugo Cabret" mit elf und „The Artist" mit zehn Nominierungen feiern die Zeit vor dem technischen Einbruch des Tons in der großen, stummen Filmkunst. Ob dies mit dem Einbruch von 3D zu tun hat, das ja auch ein epochaler Einschnitt sein will? Dann beweisen aber beide Filme, dass man mit zweidimensionaler Technik und guten, vielschichtigem Erzählen Herz und Verstand des Publikums genau so gut erreichen kann. Michel Hazanavicius gelang mit dem Cannes-Sieger „The Artist" ein Meisterwerk in Schwarzweiß und fast ohne ein gesprochenes Wort!

Ich werde nichts sagen! Programmatisch ist die auf die Leinwand geschriebene Aussage von Stummfilm-Star George Valentin (Jean Dujardin), dessen abenteuerliche Figur sich gerade im Verhör zweier Spione befindet. Nein, er wird nichts sagen. Nicht auf der Leinwand, nicht hinter der Leinwand, wo er mit seinem Hund scherzt und ein Schild warnt: „Be silent!" Auch nicht nach Filmende unter dem tosenden Applaus (im Schriftbild!) des Premierenpublikums und (fast) auch nicht den Rest des Films über den Niedergang seiner Karriere. Denn wir schreiben das Jahr 1927, zeitgleich mit Valentins neuem Hit läuft auch der mittelmäßige „Jazz Singer" an - mit einer Tonspur!

Wie schon bei „Singing in the Rain" gehen mit der Stummfilm-Epoche die Karrieren zu Ende, die sich weigern, bei den „Talkies" mitzumachen. Valentin ist einer von ihnen und während seine Karriere herrlich melodramatisch den Bach runter geht, bis er völlig im Regen steht, eilt die junge Statistin Peppy Miller (Bérénice Bejo), der Valentin einst den Durchbruch ermöglichte, von Erfolg zu Erfolg.

Michel Hazanavicius versammelte in jahrelanger Vorarbeit unzählige großartige Szenen, witzige Momente und doppeldeutige Sätze: „Wir müssen reden!" ist als Anfang vom Ende einer abgeschriebenen Ehe ein Standard. Als doppelsinnige Aufforderung an Valentin, der reden müsste, um seine Karriere fortzusetzen, ist es eine der feinen Noten, die diese romantische Komödie in der Form großer Filmkunst zu einem Meisterwerk machen.

Dazu gehört nicht nur ein Hund, der die Krimikomödie „Dünner Mann" nach Dashiell Hammett zitiert, auch die Nebenrollen, die zum Beispiel mit James Cromwell als treuer Chauffeur Clifton prominent besetzt sind. John Goodman darf als Zigarre rauchender Produzent diesem Klischee kräftig Futter geben. Wenn Peppy allein mit Valentins Smoking eine magische Liebesszene hat, rührt das ebenso einzigartig, wie ihre freche Art begeistert. Wobei noch gesammelt wird, was Hazanavicius in seinem herrlichen Überfluss toller Momente alles zitiert hat. Man glaubt sogar, die Filmmusik von Ludovic Bource zu kennen, die der Film im Gegensatz zum echten Stummfilm selbst mitbringt. Der Song „Pennies from Heaven" wird dabei zum Leitmotiv des Leidens und ist selbstverständlich auch wieder ein (Film-) Zitat. Selbst die Vorlagen für seine Besprechung liefert dieser wunderbare Film gleich mit. Nach dem Dreh einer großartigen, gemeinsamen Tanzszene von Valentin und Peppy stoppt der Regisseur: „Cut. Perfect!" Ob er denn einen Film mit ihr machen wolle, fragt sie. Und er spricht! „With pleasure, kid!". Mit großem Vergnügen, stimmen wir übersetzend ein!

Drive

2012-01-24T17:49:00.001+01:00

USA 2011 (Drive) Regie: Nicolas Winding Refn mit Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston 101 Min. FSK ab 18

„Autopilot" wäre ein guter Name für jemanden, der regungslos wie eine Maschine nicht nur durch den Straßenverkehr - selbst bei heftigster Polizeiverfolgung - sondern auch durch's Leben kurvt. Der Stunt-Fahrer beim Film (Ryan Gosling), der nur Driver genannt wird, ist so ein Automat. Regen tut sich bei ihm allein das Streichholz im Mund, die Mimik bleibt stoisch - eine perfekte Rolle für Gosling!

Auch die Musik im Auto weicht nicht vom gradlinigen Techno-Drive mit den satten Bässen ab. Es scheint, dieser Sound treibt das Auto an, mit dem der Driver im Nebenjob zwei Räubern zur Flucht verhelfen soll. Mit der Perfektion eines Uhrwerks hängt der Raser sogar Polizeihubschrauber ab. Ohne viele Worte begegnet und hilft der Auto-Fan auch seiner Nachbarin Irene (eindrucksvoll: Carey Mulligan!) und deren Sohn. Da passen zwei auf zurückhaltende, höfliche und stille Weise zueinander. Selbstverständlich findet so was wie Romantik auf den Straßen von L.A. auch im Auto statt. Doch dann kommt Irenes Mann Gabriel überraschend früh aus dem Knast, der Driver zieht sich zurück. Ja, versucht sogar, zu helfen, als Gabriel direkt wieder Probleme mit ganz gefährlichen Leuten bekommt. (Ron Perlman gefällt als gnadenloser Geldeintreiber Nino). Wie es in dem dunklen Genre kommen muss, auch wenn es mit modernem Neon ausgeleuchtet ist, verstrickt sich der schweigsame Außenseiter tragisch in einen zu großen Kampf. Nun muss er seine eigene Haut retten, doch die College-Jacke mit dem prolligen Skorpion-Aufnäher wird Flecken bekommen...

„Drive", die angeblich beste Regie von Cannes 2011, ist ein völlig unoriginelles und brutales Action-Filmchen der Art, die Hollywood fast im Wochenrhythmus raushaut („Transporter", „Fast & Furious"). Der dänische Regisseur Nicolas Winding Refn machte zuvor mit dem ähnlich brutalen „Walhalla Rising" (2009) und vielsagenden Titeln wie „Pusher", „Fear X" oder „Bleeder" auf sich aufmerksam. Allerdings verbreiten Kritiker-Kollegen auch Lobeshymnen zu „Drive", der ein „Neo-Noir-Thriller" sein oder Hommage an Gangster-Filme der 80ger. Wer allerdings mehr als nur Genre-Mechanik will, wird hier vor die Wand gefahren.

Jack und Jill

2012-01-23T18:46:00.000+01:00

USA 2011 (Jack and Jill) Regie: Dennis Dugan mit Adam Sandler, Katie Holmes, Al Pacino, Eugenio Derbez 91 Min. FSK o.A.

Kaufen sie zwei Clowns und bekommen sie gratis einen Method-Actor dazu! Wieso hat man da nicht früher dran gedacht, die mal frechen („Happy Gilmore", 1995), mal lahmen („Big Daddy", 1999) Komödien des doppelten Schauspiel/Regie -Lottchens Sandler/Dugan mit Al Pacino aufzupeppen? Keine Angst vor Adam Sandlers Doppelrolle, die selbst für Fans schwer zu ertragen ist: „Jack und Jill" oder besser: „Jill und Al" ist als Sandler-Komödie ein Volltreffer.

Zu Thanksgiving holt die wohlhabende LA-Familie Jack Sadelsteins (Adam Sandler) nicht nur Otto aus dem Obdachlosenheim, auch die extrem nervige Verwandte Jill (Adam Sandler) darf vorbeikommen. Jack und Jill Sadelstein sind zweieiige Zwillinge, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Die alleinstehende Frau beeindruckt mit heftigem Haarwuchs, Schweißausbrüchen, infantilen Nervenzusammenbrüchen und geht auch ansonsten allen auf die Eier. Was so gesagt werden muss, denn dies ist ein Adam Sandler-Film und deshalb von Natur aus deftig.

Das Familienfest muss verlängert werden, weil Jack von seiner Werbeagentur einen unmöglichen Auftrag bekommen hat: Al Pacino soll für einen Cappuccino der Fastfood-Kette Dunkin'donuts namens Dunkacchino Werbung machen! Was 'ne super bescheuerte Idee, welcher Filmstar würde sich für Kaffee-Werbung hergeben? Bei einem Basketball-Spiel der geliebten Lakers treffen Jack und Jill auf Johnny Depp und Al Pacino. Der alte Star ist inkognito, weil er gerade einen Filmhit auf Youtube hat: Sein schäumender Ausraster auf der Bühne, weil ein Zuschauer sein Handy klingeln lässt. Doch nun verfällt der geniale Mime hemmungslos den schwer nachvollziehbaren Reizen Jills. Seine Telefonnummer lässt er in Senf auf einem Hotdog überbringen. Eine abstruse Romanze beginnt, deren Höhepunkt noch lang nicht erreicht ist, wenn der liebesverrückte Pacino nun mitten im shakespeare'schen Königsdrama auf der Bühne selbst ans Handy geht, um eigenes Liebesgesülze abzulassen.

Die altbekannte Geschichte (Buch: Steve Koren, Adam Sandler) vom skrupellosen Werbemanager, der seine Familie für den Job verkauft, könnte auch bei „Jack und Jill" als simples Vehikel langweilen. Doch diesmal ist es weniger das Verharren bei überraschend tiefen Einsichten ins Wesen des Menschlichen, mit dem Sandler/Dugan ihre Komödie kippen lassen. Diesmal wird mit genialer Hilfe Al Pacinos einfach weiter königlich gealbert. Dabei nimmt Sandler mit Bemerkungen wie, Skypen wäre bestimmt antisemitisch, weder Rücksicht auf besonders eifernde Glaubensgenossen wie bei Durchfall-Orgien auf den Geschmack. Dass diese kakophonische Komödie trotzdem schizophren gelingt, liegt an der heftigen Frequenz von guten Gags, Zitaten und Promis. Der typisch cholerische Depp McEnroe droht einem Atheisten Prügel an, Pacino stürmt Jacks Haus im Stile von Scarface und Jill zerschmettert bei einem wenig romantischen Abend den einzigen Oscar des liebesblinden Stars. Dieser Film wird keinen Ersatz dafür bringen, aber viel Spaß!

Michael (2011)

2012-01-23T12:01:00.001+01:00

Österreich 2011 (Michael) Regie: Markus Schleinzer mit Michael Fuith, David Rauchenberger, Christine Kain, Ursula Strauss 96 Min. FSK ab 16

„Michael", das Spielfilmdebüt des 39-jährigen österreichischen Schauspielers Markus Schleinzer, ist die Geschichte eines Pädophilen, der einen zehnjährigen Jungen im Keller gefangen hält. Michael ist dabei nicht das Opfer, sondern der Täter. Abgesehen von dieser problematischen Perspektive erschrickt beim nachträglichen Nachdenken, wie wenig der sehr nüchterne Film erschreckt hat. Schwer erträgliche Szenen bleiben nicht aus, auch wenn die säuberlich in der Kladde notierten Vergewaltigungen nicht gezeigt werden. Auch die Selbstverständlichkeit, wie er sich ein „neues" Kind holen will, weil das alte krank wird, ist unfassbar. Die Banalität des Kinderschändens eines Versicherungs-Kaufmannes zeigt sich als Tristesse eines unreifen Menschen, der missbraucht, wie er Weihnachten feiert oder fernsieht. Zu Recht meint Schleinzer, „eine Gesellschaft kann nur so weit entwickelt sein, wie sie auch in der Lage ist, sich mit ihren Tätern auseinanderzusetzen." Ob seine nüchterne, kühle Auseinandersetzung allerdings weiter führt, ist fraglich. Am Ende entledigt sich der Film zu einfach seines Täters und es bleibt nur Bangen um die Rettung des Kindes. Regisseur Schleinzer hat bewusst keine reale Geschichte verarbeitet und „wollte den Stoff aus den Griff des Boulevard befreien". Hört sich besser an, als der Film ist, der im Wettbewerb von Cannes deplatziert war. Ebenso wirft der am Wochenende verliehene, selbst in der Jury umstrittene Max Ophüls Preis für „Michael" ein seltsames Licht auf die deutschsprachigen Nachwuchsfilme, die in Saarbrücken eigentlich prämiert werden sollten.

Arirang - Bekenntnisse eines Filmemachers

2012-01-23T11:32:00.001+01:00

Südkorea 2011 (Arirang) Regie: KIM Ki-duk mit KIM Ki-duk 100 Min. OmU

Der 1960 geborene Süd-Koreaner Kim Ki-Duk realisierte seit seinem Debüt „Crocodile" 1996 in 13 Jahren unglaubliche 15 Filme. Bei seinem letzten, „Dream", wäre eine Schauspielerin bei einer Selbstmordszene fast tatsächlich gestorben, hätte sie der Regisseur nicht im letzten Moment aus der Schlinge um ihren Hals befreit. Dieses Ereignis traumatisierte ihn. Auf den Festivals bemerkte man das Fehlen neuer Filme von ihm. Die entstandenen Gerüchte erhielten mit seiner Wiederkehr nach drei Jahren bei Cannes 2011 eine überraschende und bewegende Antwort: „Arirang" zeigt Kim Ki-Duk zurückgezogen in einer Hütte und in der Hütte ein Zelt, damit er ohne vernünftige Heizung unter winterlichen Bedingungen überleben kann. Es ist ein extrem zurückgezogenes Leben, bei dem sich der Regisseur selbst, völlig ohne Team, aufnimmt. „Ich kann gerade keine Filme machen. Also filme ich mich selbst." Er filmt sich beim Essen machen, beim Heizen, beim unermüdlichen Bau einer selbst entwickelten Expresso-Maschine. Und - dies ist ein Kunstwerk, kein banales Filmtagebuch - auf einer nächsten Ebene, reflektierend vor seinen eigenen Aufnahmen, im Selbstgespräch mit sich auf den Bildschirmen. Denn obwohl die Lebens- mehr als die Schaffenskrise zutiefst erschreckend wirkt, „Arirang" ist auch immer wieder komisch. So dass der Gedanke nicht ausbleibt, dies alles könnte vorgespiegelt sein. Aber er verfliegt auch schnell wieder, spätestens wenn dieser Mann, der die Schründe an seinen Fersen in Großaufnahme zeigt, hemmungslos vor der Kamera weint. Nicht weint, heult, jammert, schreit, bis sein Schmerz einem ins Mark fährt. Der stark besoffene Gesang des titelgebenden koreanischen Schmachtliedes Arirang bleibt nach dem Film unauslöschlich im Gedächtnis. Dass Kim Ki-Duk im Schnitt den selbst auferlegten Sisyphos-Gang des jungen Mönches aus „Frühling, Sommer, Herbst, Winter... und Frühling" mit seinem eigenen Leidensweg verbindet, führt zu einer gewaltigen, ganz großen und tief bewegenden Szene. Bitter und wieder so glaubwürdig, dass man fast die Polizei rufen möchte, sind eingestreute Spielszenen, wie er sich an verräterischen Mitarbeitern rächt, die ihm ein Drehbuch geklaut haben. Mit einer selbst gebauten Pistole, wohlgemerkt. Wie gesagt, „Arirang" ist nicht das auf digitalen Datenträger gespeicherte Selbstmitleid eines Depressiven, es ist - ausgehend von ganz banalen Beobachtungen - ein großes Werk! Wer den zurückgezogenen Koreaner bei der Premiere in Cannes erlebte, kann ihm nur wünschen, dass er bald wieder einen neuen Film macht. Nicht für das Weltkino sondern für sich selbst.

Fellini hatte sein „8 1/2". Kim Ki-Duk mit „Arirang" sein „15 1/2". Nicht nur die Frequenz, mit der die Meisterwerke des gefeierten Süd-Koreaners nach „Frühling, Sommer, Herbst, Winter... und Frühling" auf die internationalen Festivals kamen, unterscheidet sich von der Epoche Fellinis. Auch die Art des Filmemachens hat sich geändert. „Arirang" ist extrem persönlich und trotzdem als Kunstwerk geformt. Ein radikales Eingeständnis der eigenen Depression und der Weg über einfachstes Handwerk zurück zum Film.

Bezaubernde Lügen

2012-01-17T12:00:00.001+01:00

Frankreich 2010 (De vrais mensonges) Regie: Pierre Salvadori mit Audrey Tautou, Nathalie Baye, Sami Bouajila 104 Min. FSK o.A.

Ein zauberhafter Film, nicht nur wegen Audrey „Amelie" Tautou, die erneut einen Tollpatsch in Liebeswirren spielt, sondern auch wegen ihrer Mitspieler „Mama" Nathalie Baye und "Verehrer" Sami Bouajila, die sie mit in das herrlich komische Gefühls-Chaos hineinzieht. Dabei will Émilie Dandrieux (Tautou) als sachliche Leiterin eines Friseursalons am Mittelmeer nichts von Gefühlen wissen: Der anonyme Liebesbrief landet postwendend im Papierkorb - während der unerkannte Absender daneben sitzt. Jean (Sami Bouajila) ist einfacher Handwerker mit eindrucksvoller akademischer Laufbahn, was Émilie später enorm unsicher machen wird. Aber vor allem ihre depressive, frisch getrennt lebende Mutter Maddy (Nathalie Baye) überzeugt als Grund, die Finger von den Gefühlen zu lassen. Doch genauso resolut, wie Émilie einer uneinsichtigen Kundin den Pony stutzt, leitet sich den Liebesbrief anonym an die Mutter weiter. Die Gefühlsaufhellung tritt sofort ein und die Gesetze des Genres sorgen dafür dass Mandy ausgerechnet Jean als uneigentlichen eigentlichen Absender entdeckt. Nun soll er das Liebesspiel mit der Mutter treiben, um - von launiger Entlassung bedroht - in der Nähe seiner eigentlichen Liebe bleiben zu können. Das zunehmend bittere Spiel entgleitet Émilie zusehends, die Verwechslungs-Szenen, die unfreiwillig belauschten Gespräche gelingen zunehmend. Die Komödie ist ein Volltreffer! Neben dem ungewöhnlichen Gefühlsdreieck fährt Regisseur Pierre Salvadori („Die Anfänger") reihenweise komische Figuren auf, kann beim pointierten und nuancierten Komödien-Zusammenspiel der doppelten Verwechslungskomödie auf tolle Schauspieler mit viel Gefühl vertrauen.

J. Edgar

2012-01-17T11:39:00.001+01:00

USA 2011 (J. Edgar) Regie: Clint Eastwood mit Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Armie Hammer 137 Min. FSK ab 12

Dieser Mensch war so unglaublich, dass es eigentlich schon zig Filme über ihn geben müsste: John Edgar Hoover (1895 - 1972) gründete das Federal Bureau of Investigation (FBI) und war 37 Jahre lang, bis zu seinem Tod, dessen Direktor. Dank den immer neuesten Geheimdiensttechniken hatte er Geheimnisse von allen wichtigen Politikern - und deren Frauen - in der Schublade und verheimlichte gleichzeitig seine Homosexualität erfolgreich. Fast-Politiker Clint Eastwood lässt Leonardo DiCaprio eindrucksvoll die Tragik dieses von Kommunisten-Hass und Selbstverleugnung verhinderten Lebens verkörpern. Obwohl nirgendwo ein Computer zu sehen ist, schreit diese Biographie des Gründers von Überwachungsstaat und Geheimdienst-Schnüffelei in jeder Faser „Facebook", „Vorratsdatenspeicherung" und „Staatstrojaner".

Der Film lässt direkt eine Bombe los: Bei einem Attentat in Washington kommt der junge Mitarbeiter des Justizministeriums John Edgar Hoover noch mit Fahrrad zum Tatort. Kriminalistisch seiner Zeit - wir befinden uns am Ende der Zehner Jahre - weit voraus, sammelt er die Flugblätter der Attentäter ein und wird erst später die Methoden vorantreiben, die zur Erkennung der Druckpresse und zu einer brutalen Verhaftung führen werden. So erzählt es jedenfalls der eigene Rückblick eines alten J. Edgar Hoover, der noch im Amt seinen glorreichen Werdegang jungen Untergebenen in die Schreibmaschine diktiert. Erst ganz am Ende des Films enthüllt die Person, die Hoover am nahesten stand, wie sehr dies alles auch bewusste oder unbewusste Erfindung ist. Ob wiederum die Geschichte des Drehbuchs von Dustin Lance Black „wahr" ist, wird vor allem in Bezug auf die Homosexualität von Hoover heftig diskutiert werden. Doch als Film-Biographie funktioniert sie vortrefflich.

Der steife, sozial unbeholfene junge Mann, der bis zu deren Tod mit seiner Mutter (Judi Dench als „M"utter aller Geheimdienste) zusammenleben wird, schürt und nutzt am Anfang seiner Karriere eine verbreitete Hetzjagd auf Kommunisten, um die Rolle seines Leben zu schaffen. Auf Kosten hunderter Menschen, die deportiert wurden, erhält er sein FBI und den Posten als erster Direktor. Privat scheitert sein erstes, unbeholfenes Date, weil seine Vorstellung von Romantik der von ihm angelegte Index der Nationalbibliothek ist. Zwar kann die Kollegin Helen Gandy (erstaunlich: Naomi Watts) nichts mit diesem Muttersöhnchen anfangen, doch inmitten der Grundlage für spätere Rasterfahndung nimmt sie den Job als seine Sekretärin an. Es wird eine lebenslängliche Bindung sein, so wie Hoover auch im neu zu formenden Stab des FBI den eleganten und äußerst charmanten Clyde Tolson (Armie Hammer) zu seiner rechten Hand macht. Man könnte sagen: Liebe auf den ersten Blick. Das Paar wird jeden Tag zusammen essen, doch Kern der herzzerreißenden Tragik dieses verqueren Liebesfilms ist, dass Hoover seine „Geliebten" nahe bei sich hielt, derweil er sie nie an sich ranließ. Die Liebe zu Tolson blieb unerfüllt bis auf einen einzigen, viel zu späten Kuss - auf die Stirn!

Derweil stürzte sich der FBI-Chef auf die Lieben und Leidenschaften „seiner" Politiker: Die Affären John F. Kennedys sind auf Tonband festgehalten. Dessen Bruder, der Justizminister Robert Kennedy, ist ob dieser Erpressung in der Hand seines Untergebenen Hoover. Auch die Frau von Präsident Roosevelt war auf Abwegen, die Position des FBI wird immer stärker. Nur seine Rolle in der Entführung des Lindbergh-Babys fordert das Äußerste an medialer Öffentlichkeitsarbeit vom selbstherrlichen Verteidiger der Freiheit. Nun muss er persönlich Verhaftungen der großen Gangster-Bosse der Zeit vorweisen.

Beim Vornamen nennt „J. Edgar" seinen tragischen Helden und Clint Eastwood macht ein sehr persönliches Porträt aus dem Drehbuch von Dustin Lance Black. Das Spiel von DiCaprio ergreift als linkischer junger Mann und selbst hinter dicker Altersmaske. Doch der einstige Bürgermeister Eastwood, der als Gouverneur für Kalifornien locker jeden Gegner weggefegt hätte, erzählt auch in jeder Faser politisch. Wenn Hoover einen Zustand der Angst schafft, ist das ein rückwärtiges Echo der Angst-Politik von Bush und Co., die Demokratie am Besten in der Hand starker Führer aufgehoben sehen. So gelingt unter den zurückhaltenden Pianoklängen von Eastwood selbst ein emotionaler und gleichzeitig politischer Film, der zum tragischen Ende hin immer bewegender wird.

ghj: Intruders **

2012-01-16T12:44:00.001+01:00

*** eine ghj-kritik **************************************

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Intruders

Spanien, Großbritannien, USA 2011 (Intruders) Regie: Juan Carlos Fresnadillo mit Clive Owen, Carice van Houten, Daniel Brühl, Pilar López de Ayala, Ella Purnell 100 Min. FSK ab 16

Ein kreativer Junge in Spanien will seiner Mutter eine schaurige Geschichte zu Ende erzählen, doch sie ist müde und es wird keine gute Nacht. Ein gespenstiges Wesen dringt durch das Kinderzimmer-Fenster ein und will die Mutter ermorden. Dann packt es das Kind und versucht, es nach draußen auf das Gerüst vor dem Haus zu zerren. Parallel dazu erleben wir wie in London der Gerüstbauer (aufgemerkt!) John (Clive Owen) als liebevoller Vater die Ängste seiner Tochter zu beruhigen sucht. Zusammen verbrennen sie eine Monster-Puppe, doch immer wieder taucht ein gesichtsloses Wesen in Mias Zimmer auf. Dieser Horror begann, als Mia auf dem Hof der Großeltern ein Gedicht in einem Astloch versteckt fand. Sie liest die Geschichte vom Schattenmann vor und vervollständigt die Bedrohung im richtigen Leben.

So weit, so reizvoll verläuft dieser Psycho-Horror-Thriller im Geiste der Magie des Erzählens- Außerdem ist er mit ruckeliger Kamera, unheimlichen Geräuschen und Blicken über die Schulter zeitweise echt spannend. Man fragt sich eine Weile neugierig, wie die beiden Geschichten miteinander verbunden sind, wobei beim aufmerksamen Lesen es schon dieser Text verrät. Doch letztendlich erweist sich die ganze Konstruktion als haarsträubend unsinnig: Wieso kristallisiert sich die kindliche Erinnerung an ein wahres Ereignis eines Jungen bei der Tochter des mittlerweile Erwachsenen in Form eines übersinnlichen Wesens? Die im Medizinerkittel verkündete „Folie a deux", die „Geistesstörung zu zweit" kann es nicht sein. Außerdem ist bei der spanisch englischen Produktion die Rolle des Halbspaniers Daniel Brühl als Priester völlig überflüssig. Trotz dieser Probleme ist die Lösung nicht überraschend, das tricktechnisch völlig übertriebene Finale nervt eher. Für kleinen, dreckigen Horror geriet „Intruders" zu überladen und für eine gute psychologische Geschichte macht er zu viel Theater.

Günter H. Jekubzik * guenter@jekubzik.de

Intruders

2012-01-16T12:43:00.000+01:00

Spanien, Großbritannien, USA 2011 (Intruders) Regie: Juan Carlos Fresnadillo mit Clive Owen, Carice van Houten, Daniel Brühl, Pilar López de Ayala, Ella Purnell 100 Min. FSK ab 16

Ein kreativer Junge in Spanien will seiner Mutter eine schaurige Geschichte zu Ende erzählen, doch sie ist müde und es wird keine gute Nacht. Ein gespenstiges Wesen dringt durch das Kinderzimmer-Fenster ein und will die Mutter ermorden. Dann packt es das Kind und versucht, es nach draußen auf das Gerüst vor dem Haus zu zerren. Parallel dazu erleben wir wie in London der Gerüstbauer (aufgemerkt!) John (Clive Owen) als liebevoller Vater die Ängste seiner Tochter zu beruhigen sucht. Zusammen verbrennen sie eine Monster-Puppe, doch immer wieder taucht ein gesichtsloses Wesen in Mias Zimmer auf. Dieser Horror begann, als Mia auf dem Hof der Großeltern ein Gedicht in einem Astloch versteckt fand. Sie liest die Geschichte vom Schattenmann vor und vervollständigt die Bedrohung im richtigen Leben.

So weit, so reizvoll verläuft dieser Psycho-Horror-Thriller im Geiste der Magie des Erzählens- Außerdem ist er mit ruckeliger Kamera, unheimlichen Geräuschen und Blicken über die Schulter zeitweise echt spannend. Man fragt sich eine Weile neugierig, wie die beiden Geschichten miteinander verbunden sind, wobei beim aufmerksamen Lesen es schon dieser Text verrät. Doch letztendlich erweist sich die ganze Konstruktion als haarsträubend unsinnig: Wieso kristallisiert sich die kindliche Erinnerung an ein wahres Ereignis eines Jungen bei der Tochter des mittlerweile Erwachsenen in Form eines übersinnlichen Wesens? Die im Medizinerkittel verkündete „Folie a deux", die „Geistesstörung zu zweit" kann es nicht sein. Außerdem ist bei der spanisch englischen Produktion die Rolle des Halbspaniers Daniel Brühl als Priester völlig überflüssig. Trotz dieser Probleme ist die Lösung nicht überraschend, das tricktechnisch völlig übertriebene Finale nervt eher. Für kleinen, dreckigen Horror geriet „Intruders" zu überladen und für eine gute psychologische Geschichte macht er zu viel Theater.

Die Muppets

2012-01-16T12:18:00.001+01:00

USA 2011 (The Muppets) Regie: James Bobin mit Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper 109 Min. FSK o.A.

Noch ein Muppets-Film? Ja, aber was für einer! Im Film ist die Truppe um den hektischen Frosch Kermit fast der Vergessenheit anheim gefallen, ihr altes Studio verstaubt und verwaist. Immerhin vergingen 13 Jahre, seit „Muppets aus dem All" ins Kino kam. Eine klägliche Hollywood-Studiotour entsetzt fünf verlorene Gestalten nicht nur wegen des Zustandes vom Ort, der über 600 Muppets-Shows beherbergte. Der kleine Walter belauscht auch noch, dass der fiese Industrielle Tex Richman (Chris Cooper) die Studios aufkaufen, abreißen und unter ihnen Öl finden will. Jetzt muss der scheue Fan die verstreute Muppets-Truppe zusammentrommeln und mit einer neuen Show 10 Mio. Dollar sammeln. Allein dies ein wahnsinniges Unterfangen, zudem ist Walter auch nur eine kleine Puppe.

Aber er wuchs - gemäß dieser sehr vergnüglichen Mischung aus Puppen- und Real-Film - mit seinem größeren Bruder Gary auf, der ganz real von Ko-Autor Jason Segel („How I Met Your Mother") gespielt wird. Zusammen mit dessen Verlobter Mary (Amy Adams) ergibt sich ein munteres Trio von Muppets-Fans, dass die unvergessenen Stars von Gestern zu einen weiteren großartigen Show der meist kleinen Puppen bewegt.

„Die Muppets" spannen den Bogen von aufwändigen Musical-Nummern im Stil der 50er Jahre auf den Straßen von Smalltown (dt: Kleinstadt) bis zum höhnischen Rap des herrlichen Schurken Tex Richman, exzellent von Chris Cooper aufs Parkett gelegt. Menschlicher Gaststar ist der Komiker Jack Black - wider Willen. Eigentlich war er nur ein Beifang des lustigen Aufsammelns verstreuter Muppets: Kermit hing in seiner Villa rum, wo nun verstaubte Erinnerungsbilder wieder ins Leben zurückkommen. Fozzie-Bär spielte sehr schlecht in der Tribute Band „The Moopets". Gonzo war ganz groß im Wasserhahn-Geschäft (Gonzo - Hahn - Hühner! Haah! Haha!!!). Miss Piggy terrorisierte als Schweinefleisch gewordene Teufelin in Paris die Vogue-Redaktion. Und das Tier versuchte bei einer Aggressions-Therapie von seiner Trommel loszukommen, hier war auch Jack Black mit im Team.

„Die Muppets" landen einen Volltreffer, nicht nur für Fans. Zuerst ist Neuzugang Walter umwerfend komisch, dann wird die Erzählung immer wieder von sehr witzigen Wendungen und Kommentaren unterbrochen. Das könnte man glatt postmodern nennen - auf Muppets-Niveau: Als sie endlich alle wieder zusammen gefunden haben, dürfen die sich beschweren, die dabei zu wenig Szenen hatten. Im psychologischen Auge des Komik-Sturms muss sich Walter entscheiden, ob er Muppet oder Mensch ist. Das geriet in einem sentimentalen Song nicht nur zum Schreien komisch-ernst, das wird mit einer zweifachen Doppelung sogar abgedrehte Filmkunst im Stile von „Synecdoche, New York". Doch zum Abschluss einer kompletten Muppets-Show mit den üblichen Pannen, tollen Songs und vielen prominenten Gästen ist alles wieder wie früher.

Once upon a time in Anatolia

2012-01-16T09:35:00.001+01:00

Türkei, 2011 (Bir Zamanlar Anadolu'da) Regie: Nuri Bilge Ceylan mit Muhammet Uzuner, Yilmaz Erdogan, Taner Birsel, Ahmet Mümtaz Taylan 157 Min.

Aus der Tiefe einer trockenen, hügeligen Landschaft nähern sich in der Abenddämmerung die Lichter von Autos. Drinnen bespricht man Qualitäten des Büffel-Joghurts, eine lästige Prostata zwingt die Männer zu einigen Pausen. Der Staatsanwalt "Clark" (Gable) Nusret und Doktor Cemal bestimmen das Gespräch, der Fahrer in Polizeidiensten erkundigt sich nach einem Medikament für seine Frau, im Fond eingequetscht döst ein dürrer Mann. Dabei geht es um ihn, den geständigen Mörder, der die Kolonne zur Leiche führen soll. Doch in der hereinbrechenden Nacht sieht ein Brunnen aus wie der andere. Scheinwerfer tauchen Felder und Steppen in ein unwirkliches Licht. Mit viel, aber nicht endloser Geduld fährt man weiter, ein Gewitter zieht auf, zwei Ortskundige streiten über den Weg.

Auf dieser seltsamen Suche kommentiert Doktor Cemal, der später die Leiche untersuchen soll, als geschätzte moralische Instanz das Geschehen und philosophiert. Seine Gedanken beschäftigen sich wie schon Ceylans erster Erfolg „Uzak" (Großer Preis der Jury Cannes 2003), mit Tradition und Moderne. Die nur oberflächlich unergiebige Odyssee legt ihre Perlen beiläufig aus. Ein Blitz beleuchtet antike Statuen, die Szenerie still beobachtend. Eine Orange rollt in ein kleines Tal, ein merkwürdiges Symbol im düsteren Umfeld des Todes.

In seiner scheinbar nur einfach „epischen" Länge ist „Once upon a time in Anatolia" durchaus raffiniert strukturiert: Das „Warten auf Godot", die fast absurde Suche nach einer Leiche, wird von einer Übernachtung auf einem Hof unterbrochen. Lokalpolitik und die tragische Geschichte einer Frau korrespondieren mit der betörend schönen Tochter des Dorfvorstandes. Die erfolgreiche Fortsetzung der Suche am Morgen bekommt nach einer komischen Episode um die Leiche, die nicht in den Kofferraum passt, im Finale, fast im Epilog, die psychologischen Abgründe einiger Beteiligten nachgereicht. Ein paar - wiederum bewusst beiläufige und musikalisch unbetonte - Szenen sowie eine Leichenschau bringen das - immer noch gemächliche - Handeln in einen schwindelnden Zwiespalt zwischen Recht und Moral. Am Ende ergibt sich eine moralische Volte, die den ganzen Film von den letzten Bildern her im Kopf noch einmal wendet.

Ceylans erstaunlicher Film verlangsamt auf den Rhythmus des Lebens, so dass man in diesem Kammerspiel-Road-Movie fast den einzelnen Herzschlag spürt. Eine intensive Stimmung gräbt sich tief in den Zuschauer ein, vielschichtig und nachhaltig wie das Werk selbst, das 2011 in Cannes ex-aequo mit „Le gamin au vélo" den Grand-Prix erhielt.

Faust (2011)

2012-01-16T09:29:00.001+01:00

Russland 2011 (Faust) Regie: Alexander Sokurow mit Johannes Zeiler, Anton Adassinski, Isolda Dychauk 134 Min. FSK ab 16

„Gut gewählt Löwe" konnte man Venedig 2011, nachdem der Hauptpreis an Alexander Sokurow und seinen „Faust" ging. Der russische Kulturmensch hielt seine elegischen Bilder etwas zurück und schwelgt im Faust-Stoff, der selbstverständlich eine ganz eigenwillige Interpretation erfährt.

Von Murnaus Stummfilm-Klassiker aus 1926 mit Emil Jannings über „Jan Svankmajer's Faust" als Puppenspiel bis Fura del Baus' modernem „Faust 5.0" wurde Goethes Theaterstück immer wieder verfilmt. Der Russe, oder genauer: Petersburger Alexander Sokurow integriert den Klassiker in sein eigenes ästhetisches Universum, macht ihn zum letzten Teil seiner 1999 begonnenen Tetralogie „Moloch Tier Sonne". Auf gut Deutsch gespielt, von mittelalterlichen Gewölben eingeengt, sucht Faust (Johannes Zeiler) zwar nach der Seele des Menschen, braucht aber vor allem Geld. Sein Vater, ein Quacksalber, will dem Denker nichts geben, beim Pfandleiher trifft der verarmte Forscher den Teufel. Sehr frei nach Goethe geht es ins Wirtshaus (von Lars Rudolph geleitet), danach wird Gretchen verführt. Verse gibt es immer nur, wenn ein Stückchen Goethe zitiert wird. Dafür einen Haufen zusätzlicher Figuren, unter anderem Hanna Schygulla als Lustweib, Georg Friedrich als Wagner, Florian Brückner als Valentin und Andreas Schmidt („Im Sommer vorm Balkon") als Valentins Freund.

Sokurows Bilder sind wie oft bei ihm farblich entsättigt und weichgezeichnet. Die künstlich flachen Räume wirken wie über einen verzerrenden Spiegel aufgenommen. Das ist kein neuer Stoff für Literaturkurse, diese Variante wirkt für Fans eines popmodernen „Goethe!" vorgestrig. Altmodisches Kunstkino könnte man schimpfen, aber Kunst in perfekter Form. Und dann gibt es noch das ungewöhnliche Ende, in dem Faust seinen Mephisto namens Maurice Müller in einer Landschaft aus Lava und Geysiren steinigt, um in eisigen Höhen die Luft der Freiheit zu schmecken. Die Seele ist zwar weg, aber: „Natur und Geist, mehr braucht man nicht, um auf freiem Grund ein freies Volk zu erschaffen." Man darf sich Faust als glücklichen Menschen vorstellen!

Anne liebt Philipp

2012-01-11T10:25:00.001+01:00

Norwegen, BRD 2011 (Jørgen + Anne = Sant) Regie: Anne Sewitsky mit Maria Annette Tanderø Berglyd, Otto Garli, Aurora Bach Rodal, Vilde Fredriksen Verlo 86 Min. FSK ab 6

Anne kommt schon als Fünfjährige zu spät und macht sowieso alles anders als andere. Sie ist ein freigeistiger,
lustiger Fratz, mit ihren Sommersprossen keck in die Kamera grinsend und sehr sympathisch gespielt vom erstaunlichen Naturtalent Maria Annette Tanderø Berglyd. Nach fünf Minuten ist die unbeschwerte Kinderzeit für die nun zehnjährige Anne vorbei, als in dem verlassenen Haus, in dem angeblich jemand vergraben wurde, der gleichaltrige Philipp Ruge einzieht. (Weshalb er nicht wie im Original Jorgen heißen darf, ist ein großes Übersetzungs-Rätsel.) Nun bekommt „Romeo und Julia", nun bekommen auch die anderen Bücher, die ihre Freundin Beate immer passend liest, eine andere Bedeutung. Noch stärker zeigt sich Annes Gefühlslage in ihrer eigenen Fantasie, die eine Horrorgeschichte nicht nur sehr spannend sondern auch beängstigend ausmalt.

Mit dem aufwändigen, teilweise rasanten Stil wird auch der Humor ausgestattet, der sehr schräg ausfällt, wenn Anne sich die Köpfe des Schüler-Liebes-Dramas in einer ganzen Reihe von TV-Beiträgen vorstellt. „Anne liebt Philipp" ist ein großartiger Film mit nicht mehr ganz kleinen Kindern und ihrer großen Liebe. Skandinavisch ungezwungen und ehrlich kommt er daher. Das tolle Spiel ist zu loben, die in dem Genre selten sorgfältige Inszenierung und die wichtige Geschichte, wie man seinen eigenen Weg gehen kann, auch wenn es ein anderer ist. Nur die Altersfreigabe ist eindeutig unbedacht, bis 12 sollten Kinder nur in Begleitung der Eltern diesen Film sehen.

William S. Burroughs - A Man Within

2012-01-11T10:04:00.001+01:00

William S. Burroughs: A Man Within

USA 2011 (A Man Within) Regie: Yoni Leyser 91 Min. FSK ab 12

Seine gequetschte Stimme ist unverkennbar und einzigartig wie seine Texte: Der Schriftsteller William S. Burroughs (1914 - 1997) war einer der führenden Köpfe der Beat Generation. Neben Werken wie „Naked Lunch" prägte er ganz nebenbei Begriffe wie Heavy Metal, Steely Dan oder Blade Runner, doch vor allem sein „cut-up-stil" beeinflusste die Literatur. Immer äußerst elegant angezogen, in der Statur hager, im Verhalten zurückhaltend, in seiner Literatur absolut schockend. Die scharfen, bissigen Analysen des amerikanischen Lebens suchen auch noch heute ihresgleichen.
Diese Dokumentation über Burroughs handelt allerdings die Beat Generation ab, bevor alle im Saal sitzen. Regisseur Yoni Leyser konzentriert sich auf das Leben eines Schwulen, der in den Zwanzigern des letzten Jahrhunderts seinen sexuellen Weg finden musste, was übrigens mit „J. Edgar", der Clint Eastwoods fiktionaler Biographie vom FBI-Chef Hoover ein interessantes Doppel gibt. Der nur wenig ältere Hoover gestand (sich) seine Sexualität nie ein, während Burroughs öffentlich lebte und liebte.
In dieser Konzentration und vor allem in den Originalaufnahmen der Gespräche mit Burroughs Freund Allen Ginsberg ergibt sich ein tolles Porträt der Person und ihrer Zeiten. „Robocop" Peter Weller, der Burroughs in Cronenbergs Verfilmung „Naked Lunch" spielte, ist Erzähler und wird ebenso interviewt wie John Waters, Patti Smith, Lauri Anderson. Denn der alte Poet wurde in den 80er- und 90er-Jahren noch einmal richtig populär.

Helden des Polarkreises

2012-01-10T19:16:00.001+01:00

Finnland, Island, Schweden 2010 (Napapiirin Sankarit) Regie: Dome Karukoski 95 Min. FSK ab 12

Aki Kaurismäki hat aus der klimabedingt typischen Depression der Finnen Filmkunst vom Feinsten gemacht. Sein Bruder Mika macht manchmal auch Annehmbares. Die „Helden des Polarkreises" versuchen derartig trockenen, skurrilen Humor auf ein paar moderne Slacker zu übertragen, wie sie Sarazin sich vorstellt.

In einer tristen Gegend mit hoher Selbstmordrate und Arbeitslosigkeit leidet man gerade besonders, weil die Nationalmannschaft im Eishockey gegen Schweden verloren hat. Doch Janne (Jussi Vatanen) hat schon für einen Schulaufsatz den einsamen Baumel-Baum beschrieben, an dem sich Generationen seiner Familie aufgehangen haben. Nun muss Janne in einer Nacht seine trübe Beziehung retten, indem er der alleinverdienenden Freundin endlich eine Digibox besorgt. Vorher hat er ihr Geld dafür versoffen und die Ladenöffnungszeit verpennt. Es beginnt eine nächtliche Odyssee mit Schneeverwehungen, Alkoholseen und viel dämlichem Verhalten. Mit zwei nicht wesentlich klügeren Freunden und einem aufgemotzten Auto bricht Janne auf zur nächsten größeren Stadt. In einem Spaßbad treffen sie ihre Traumfrauen aber laufen davon. Dauernd fehlt Geld für Benzin und für die Digibox sowieso. Problematisch erweist sich auch, dass die Entscheidung zwischen Tankanzeige oder Subwoofer für den satten Sound ausfiel. Während die drei in der Nacht nicht viel lernen, soll der nur selten irgendwie schräge oder originelle Blödsinn Spaß machen. Klappt aber auch nicht.

Man könnte sagen „Slacker-Komödie", man könnte es auch etwas tiefer und dämlicher hängen und den Einfluss der Aptow-Komödien für die Banalisierung des finnischen Humors oder für die unreifen Figuren verantwortlich machen. Die deutsche Synchro macht das Ganze noch etwas depperter, aber die macht ja selten Gutes. Lieber Kaurismäki kucken.

Verblendung (2011)

2012-01-10T12:31:00.001+01:00

USA, Schweden, Großbritannien, BRD 2011 (The Girl with the Dragon Tattoo) Regie: David Fincher mit Daniel Craig, Rooney Mara, Robin Wright, Stellan Skarsgård, Christopher Plummer 158 Min. FSK ab 16

Ihnen gefällt ihr Auto? Gut, dann bauen wir es einfach noch mal, viel teuerer, aber dafür sind alle Beschriftungen in einer anderen Sprache und fast alles stammt aus den großen, tolles US of America! Klingt bescheuert, aber so funktioniert die Filmindustrie, so funktionieren auch die deutschen Kinozuschauer. Die Millennium-Trilogie nach den Romanen von Stieg Larsson wurde - mit gewisser Varianz in den einzelnen Teilen - exzellent verfilmt, war ein großer Erfolg. Auch auf DVD, man kann sich die Filme also jederzeit wieder ansehen. Doch man kann sie auch für hunderte Millionen neu verfilmen. (Irgendwelche Ideen für eine sinnvollere Verwendung des Geldes?) Immerhin sorgt dieser hirnrissige Leerlauf für einen neuen Film von David Fincher - der sicherlich auch originelleres Material gefunden hätte - und Auftritte von Daniel Craig.

Der linke Journalist Mikael Blomkvist (Daniel Craig), der wegen seiner letzten Enthüllungs-Geschichte eine Verleumdungsklage am Hals hatte und auch sonst angeschlagen ist, nimmt den Auftrag eines Industriellen an, die Chronik des Vanger-Clans zu schreiben. Dabei ist diese sehr reiche Familie extrem zerstritten und seit dem Verschwinden von Harriet vor Jahrzehnten traumatisiert. Blomkvist quartiert sich auf der Insel der Familie ein und aus dem Journalisten wird ein Detektiv, der erst mit Hilfe der Cyber-Punkerin Lisbeth Salander (Rooney Mara) einer Serien von Frauenmorden auf die Spur kommt.

Mehr als eine Stunde erzählt „Verblendung 2" zwei getrennte Handlungen mit unterschiedlichen Stimmungen: Hier der Thriller, der gemächlich beginnt und sich immer enger sowie bedrohlicher um Blomkvist zusammenzieht. Dort das auch im Remake faszinierend irritierenden Porträt der jungen Lisbeth Salander, die in Folge von schwer vorstellbaren Verletzungen zu einem aggressiven, gehetzten Tier wurde. Denn als Kreatur stellt der Film Lisbeth mit ihren Tattoos, den Schreiben und der aggressiven Reflexen dar.

„Verblendung" besetzt zwar mit Hollywood-Bekannten und übersetzt den Roman in das Fincher-Universum, belässt die Handlung allerdings in Schweden. Auch hierin ergibt sich also keine eigenständige Adaption wie etwa bei dem grandiosen zweieiigen US/skandinavischen Pärchen „So finster die Nacht" / „Let me in". Fincher sei Dank verlässt sich der Film bei gleicher Story nicht auf die eindrucksvolle Besetzung. Worte wie „Nahrungsersatzstoffe" oder „Industriekäse" brauchen also in diesem Zusammenhang nicht zu fallen.

Obwohl - bei Fincher, dem Regisseur von „Fight Club", „Se7en" und „Zodiac" erwartet man das Dunkle noch etwas dunkler. Wie bei „Zodiac" geht es um einen Serienmörder, die Grausamkeiten von „Millennium" stehen denen von „Se7en" nicht viel nach, biblische Verweise sind sowieso Grundausstattung der meisten Krimis. „Verblendung 2" ist allerdings vor allem stringenter erzählt, Styling und Schnitt sind geschliffener, was vielleicht der Spannung gut tut, aber die Geschichte und ihr Grauen von den realer gefühlten Menschen in den ungefährlicheren Hollywood-Kosmos überführt.

Selbst wenn Rooney Mara als Lisbeth Salander nicht so eindringlich wirkt wie ihr Widerpart Noomi Rapace, ist auch die 2011er „Vergebung" eher eine Salander-Show. Die Szene ihrer Vergewaltigung durch den staatlichen Vormund ist mindestens ebenso brutal, wenn da überhaupt noch Schlimmeres vorstellbar ist. Craig selbst spielt gut, aber bleibt zu körperlich. Der originale Film-Blomkvist Michael Nyqvist war mehr Schreibtisch-Mensch, verletzlicher in den zunehmenden Angriffen. Wenn Craig nach einem Streifschuss unter der Dusche wimmert und Angst vor Lisbeths beherztem Zusammennähen der Wunde (mit Zahnseide!) hat, ist das auch unfreiwillig komisch.

Das verlorene Paradies

2012-01-07T19:15:00.001+01:00

BRD 2011 Regie: Jan Rehwinkel, Axel Schumann 40 Min.

Es ist das elementare Problem jedes Textes über Kunst, also auch über Film - im Moment der Beschreibung wird aus dem Einen etwas ganz Anderes. Man kann es "umschreiben", "beschreiben", aber niemals wiedergeben. Im schlimmsten Fall stellt sich das „Widergeben" gegen das ursprüngliche Kunstwerk. Die Regisseure Jan Rehwinkel und Axel Schuhmann („Die versunkene Stadt", 2003) nähern sich diesem Moment zwischen Kunst und Sprache an. Kreative aus verschiedenen Bereichen äußern sich über das Unsagbare. Der herrlich launige Weinhändler Fritz Köhne beschreibt die Mühen, „lecker" in Begriffe zu fassen. Der „Auszug aus dem Paradies" findet statt, wenn Sinnliches durch „die intellektuelle Mühle gedreht" wird. Denn „in eine Form fassen, heißt alles andere ausgrenzen"! Im Off und den Erläuterungen der Literaturwissenschaftlerin Leyla Haferkamp wird der Mythos Frankenstein als Tragödie des Monsters geschildert, die mit dem Eintritt in die Sprache beginnt. Währenddessen schreitet eine - auch mal mit einem „F" markierte - Figur in den mysteriösen Animationen von Jan Rehwinkel vor flackendem Hintergrund quer übers Bild, oder genauer, mitten im Bild, ohne voran zu kommen.

Frankensteins moderne Verwandte sind die Roboter des flämische Wissenschaftlers Luc Steels, den in einem Labor von Sony interessiert, wie Roboter eine Sprache erfinden. Entsteht in ihrem „selbständigen" Handeln vor dem Spiegel sogar ein Selbstbewusstsein? Der Schriftsteller Jürgen Ploog erklärt, man meine nur, dass man sich versteht, während die Bilder von Rehwinkel/Schumann zahllose sinnliche Varianten des Begriffes „Baum" präsentieren. Eine originelle Animation auf Basis von Realfilm zeigt, was sich hinter dem Namen „VW Bulli" alles verbergen kann. Wir sehen, Sprache kann nur scheitern, doch die Versuche der klug ausgewählten Protagonisten sind vom Feinsten, ein intellektueller wie sinnlicher Genuss. Die komplexe Fragestellung bleibt spannend, wird durch die Menschen vor der Kamera griffig und sogar witzig. Der Pianist Lars Vogt nähert sich im konzertanten E-Werk von Heimbach der scheinbaren Naturkonstanten an, dass Tonhöhen eine bestimmte Richtung von Bildern evozieren. Musik sei sehr viel deutlicher als Sprache, Beispiel: Schuberts „Winterreise". Hier versteht man die eigentliche Verzweiflung im Faseln der Musikkritiker, in der blumigen Sprache der „Weinkenner". Fritz Köhne kostet es aus: Rot ist nicht gleich rot. Und: auf der Wiese ist Grün ein ganzer Kosmos, so der Maler René Faber. Sein „reines Sehen" erfassen Worte nicht. So ist auch „Das verlorene Paradies" ein Film, der unbeschreibbar bleibt, der sich ganz nur im ursprünglichen Sehen und Hören entfaltet.

Interview Elmar Fischer zu seinem neuen Kinofilm OFFROAD

2012-01-07T19:14:00.001+01:00

Bundesweite Premiere von „Offroad" in Alsdorf

Geilenkirchen lacht sich auf die Straßenkarte des Films

Aachen. Mit „Offroad" feiert am Sonntag die bislang größte in unserer Region realisierte Kinoproduktion ihre Premiere. Der aus Geilenkirchen stammende Regisseur Elmar Fischer („Fremder Freund") drehte in seiner Geburtsstadt und in seiner Heimatstadt Berlin die Komödie für über 3 Mio. Euro mit Nora Tschirner in der Hauptrolle. Wie schon beim Grenzland-Klassiker „Sündige Grenze" von Robert A. Stemmle aus dem Jahre 1951 und wie in dem kürzlich in Aachen und Köln realisierten „Diamantenhochzeit" geht es um Schmuggel - wieder findet sich heiße Ware in mehr
oder weniger heißen Autos. Unser Autor Günter H. Jekubzik fragte den Regisseur Elmar Fischer vor der großen Premieren-Tour, wie man das Filmemacher-Navi einstellen muss, um von Geilenkirchen nach Geilenkirchen zu kommen.

Wie kam es zur Deutschland-Premiere in Alsdorf und wie fühlen Sie sich vor der ersten Vorstellung von „Offroad"?

Ich bin sehr nervös, schließlich ist es die Premiere. In Geilenkirchen gibt es leider kein Kino, sonst hätten wir die Veranstaltung dort hin gelegt. So fiel die Wahl auf Alsdorf, das ein schönes Kino hat. Es werden viele Leute aus Geilenkirchen kommen und ich bin gespannt, wie sie den Film aufnehmen. Es gibt nämlich eine Szene, die mir Bauchschmerzen bereitet. Unsere Protagonistin Meike Pelzer (Nora Tschirner) brüllt das Ortschild an: „Tschüss, du Scheißkaff!". Ich hoffe, dass die Geilenkirchener so viel Humor haben und verstehen, dass es der Filmdramaturgie geschuldet ist. Geilenkirchen ist selbstverständlich kein „Scheißkaff".

Wie kamen Sie zu der Idee für „Offroad"?

Vor einigen Jahren habe ich einen Artikel gelesen, in dem ein Mann etwas Ähnliches erlebt hat: Er hat einen
Jeep beim Zoll ersteigert, darin eine größere Menge Kokain gefunden und dann den Wagen zurückgebracht. Ich hab überlegt, was wäre, wenn er das nicht getan hätte, wenn er sich entschieden hätte, sein Leben aufzugeben. Ich habe den Mann dann für unsere Geschichte in eine ‚angry young woman' verwandelt, die sich auf die Reise begibt und alles hinter sich lässt. Die irgendwo in der Provinz schon die nächsten 40 bis 50 Jahre sieht, die vor ihr liegen, sich dann dagegen entscheidet und ausbricht.

Wie lange haben Sie an dem Stoff gearbeitet?

Immer mal wieder über fünf, sechs Jahre. Das wächst nach und nach. Ich bin selbst auf Schützenfesten gewesen, habe mich mit Schützen in Geilenkirchen während der Drehbucharbeiten unterhalten. Man lässt sich inspirieren von Dingen, die irgendwann im Leben mal aufgetaucht sind. So arbeite ich gerne, weil in der Realität spannendere Dinge stattfinden, als man sich ausdenken könnte.

Heimspiel(-film)

Wie kommt Geilenkirchen in den Film?

Ich hab immer Geilenkirchen im Kopf gehabt, als ich die Geschichte entwickelt habe, wusste aber lange nicht, ob wir die nötigen Drehorte dort finden werden. Und ich war mir nicht sicher, ob es schlau ist, den Ort Geilenkirchen zu nennen. Wenn ich hier in Berlin sage, "ich komme aus Geilenkirchen", denken die Leute, ich hätte mir einen witzigen Namen ausgedacht. So eine Gefahr besteht auch beim Ortsnamen in „Offroad".

Wie waren die Dreharbeiten dort?

Wir hatten ein ganz tolles Umfeld. Bürgermeister Thomas Fiedler, die gesamte Stadtverwaltung haben alles für uns möglich gemacht. Wir waren willkommen und die meisten Geilenkirchener waren stolz drauf, dass wir bei ihnen gedreht haben. Das wäre in einem Ort, zu dem ich nicht solche Beziehungen gehabt hätte, bestimmt nicht so gewesen.

Welche Beziehungen haben Sie noch dorthin?

Ich bin regelmäßig noch in Geilenkirchen, meine Eltern wohnen dort. Ich hab auch noch alte Schulfreunde von Grundschule und Gymnasium, mit denen ich mich regelmäßig treffe. Ich bin gerne immer mal wieder da.

Krimis und Komödie

Mit Fernsehkrimis wie „Bloch" und „Tatort" haben Sie immer gut zu tun gehabt. Wie wichtig ist es für Sie, einen Kinofilm zu machen?

Kino ist immer was Besonderes. Das Schöne an meinem Beruf ist, dass man sich immer wieder ausprobieren und neu erfinden kann. Da sind ein Kinofilm mit einem hoffentlich größeren Publikum und ein harter Wechsel im Genre eine einmalige Gelegenheit. Vor allem, wenn man den Film auch noch selbst geschrieben hat.

Liege ich falsch, wenn ich Sie als Krimi-Regisseur bezeichne?

Ja, finde ich schon. Ich habe jetzt zwei Folgen „Bloch" mit Dieter Pfaff gemacht. Das wird oft als Krimi bezeichnet, ist aber in Wirklichkeit ein Psychodrama. Ich habe mit „Im Dschungel" und „Dornröschen erwacht" Psycho- oder Polit-Thriller inszeniert. „Fremder Freund" war eine Mischung aus Politthriller und Freundschaftsdrama. Krimi greift da zu kurz. Aber ich habe nichts gegen Krimis.
Sie sind eine wunderbare Möglichkeit, im deutschen Fernsehen spannende Themen zu erzählen und damit ein großes Publikum zu erreichen. Mit einem Drama oder mit einem Thriller ist das nicht so einfach, denn bei einem Krimi gibt es ein Stammpublikum. Das freut sich auf das Erzählschema „Mord-Opfer-Täter" und damit kann man spielen, die Menschen an Themen heranbringen, die spannend und ungewöhnlich sind. Hin und wieder drehe ich ganz gerne einen Krimi.

Karriereweg

Erinnern Sie sich noch an einen Artikel aus Ihrer Zeit bei den Aachener Zeitungen?

Kurz nach dem Abitur habe ich bei der Geilenkirchener Volkszeitung zuerst alle Hochämter und Messen an Weihnachten in Geilenkirchen und den umliegenden Dörfern zusammengefasst. Eine wahnsinnige Fleißarbeit. Später kamen Jubiläen, auch mal lokale Reportagen und vieles mehr. Das war eine spannende Zeit, weil man sich im Kleinen ausprobieren konnte. Und viel über die Region, in der man schon 19 Jahre gelebt hat, lernen konnte.

Was haben Sie hier gelernt und wie kommt man von dort zur „Süddeutschen Zeitung"?

Ich wollte Journalist werden, habe in München studiert und fünf, sechs Jahre Fernsehjournalismus gemacht. Da hab ich an dem Medium Fernsehen Gefallen gefunden, aber der Alltag, sozusagen die TV-Berichterstattung, oft in 1.30 Minuten Länge haben mich bald nicht mehr erfüllt. So habe ich mich entschlossen, Regisseur zu werden. Das Problem war, dass man ohne Filmhochschule keinen Nachweis hat, dass man das auch kann. So habe ich erst einmal zwei Jahre Schauspielunterricht genommen. Auch um zu wissen, wie das ist, wenn der Regisseur plötzlich sagt: trauriger, witziger, sensibler, etc. In kleinen Schritten ging es dann vorwärts mit Musikvideos und Industriefilmen bis zu „Fremder Freund", meinem ersten Spielfilm.

Wann gibt es den nächsten TV- und wann den nächsten Kinofilm?

Im April werde ich einen Tatort drehen, dann sehen wir mal weiter. Das ist in diesem Geschäft immer so, dass man von Film zu Film schaut. Für den nächsten Kinofilm setze ich mir jetzt keine Jahreszahl. Das muss gut sein und ich will den auch selber schreiben. Es gibt viele Ideen, auch Exposés, aber da ist noch nichts spruchreif.

Der Film
„Offroad" erzählt die Geschichte einer Suche nach dem Sinn oder Unsinn des Lebens und einer unerwarteten Liebe. Eine Komödie mit schrägen Typen und vielen absurden Momenten, in der Nora Tschirner nach Ohren- und Küken-Millionenerfolgen erneut ihre authentische Spielfreude unter Beweis stellen kann.

Der Regisseur
Elmar Fischer rangiert bei Google noch hinter dem 1936 geborenen Bischof gleichen Namens. Der Regisseur - Jahrgang 1968 - wuchs in Geilenkirchen auf und ging dort auf das Bischöfliche Gymnasium St. Ursula. Mit 19 Jahren schrieb er für die Aachener Nachrichten und die Aachener Volkszeitung, bevor er zur Deutschen Journalistenschule ging. Seit 1992 war er als Produzent, Autor und Regisseur für mehrere deutsche Fernsehsender tätig. Nebenher schrieb er für das Jugendmagazin "jetzt" der Süddeutschen Zeitung. 2003 kam sein erster Langspielfilm „Fremder Freund" in die Kinos und erhielt fünf Preise, unter anderem den den First Steps Award. „Fremder Freund" thematisierte auf offene Weise Ängste und Vorverurteilungen nach den Anschlägen vom 11. September 2001. Damit war er beim „Euregio Filmball" in Alsdorf für den „Euregio Film Award" nominiert.

New Kids Nitro

2012-01-04T12:07:00.001+01:00

Niederlande 2011 (New Kids Nitro) Regie: Steffen Haars, Flip van der Kuil mit Huub Smit, Wesley van Gaalen, Steffen Haars, Flip van der Kuil 78 Min. FSK ab 16

Mit verführerischen Besucherzahlen und extrem zerstörerischem Publikum sind die niederländischen „New Kids" gleichzeitig Freude und Schrecken der Kinos. Die saufenden, dauerfluchenden und debilen Vokuhila-Deppen verbreiten auch im zweiten Kinofilm Zerstörungswut ohne weitere Handlung. Dem fünffacher Rudi Völler-Team tut der Erfolg nicht gut, denn mühevoll auf Spielfilmlänge gestreckt, öden die früheren Gag-Clips schnell an. Wer gar nicht zum Zielpublikum gehört, wird es entsetzlich finden.

Ziemlich beste Freunde

2012-01-04T11:59:00.001+01:00

Frankreich 2011 (Intouchables) Regie: Eric Toledano, Olivier Nakache mit François Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny, Audrey Fleurot, Clotilde Mollet 110 Min. FSK ab 6

Der schwarze, junge Arbeitslose Driss (Omar Sy) will sich bei der Vorstellung für einen Pfleger-Job eigentlich nur eine Unterschrift abholen, doch seine respektlose Art beeindruckt den gelähmten Superreichen Philippe (François Cluzet), der ansonsten von übermäßig rücksichtsvollen Personal umgeben ist. Geschickt überzeugt er Driss, doch für ihn zu arbeiten und eine ganze Weile amüsiert man sich an der sorglosen Haltung des eigentlich ungeeigneten Fürsorgers. Er ist eher an den weiblichen Mitarbeitern interessiert und lässt den Querschnittsgelähmten auch schon mal fallen. Nicht erst bei der gemeinsamen Freude am Sportwagen Fahren wird klar, dass hier aus zwei Männern aus unterschiedlichen Milieus, mit völlig verschiedener Bildung und meist anderen Interessen Freunde werden. Der Mann aus dem eindrucksvollen Stadtpalast, der Kunst für unfassbare Summen kauft, kippt in einsamen Nächten sein Herz aus. Driss hält erst mal seine gute Laune dagegen und sorgt recht ruppig dafür, dass Philippe seinen üblichen Trott aufgibt: Mit der Brieffreundin muss er gezwungenermaßen sprechen, statt des Rollstuhl-gerechten Krankenbusses nehmen die beiden fortan den Sportwagen und Philippe genießt es, mal einen Joint zu rauchen.

Driss kümmert sich nicht nur um seinen Auftraggeber und im ernsteren Teil um seine arme Familie, sondern gleich auch um alle Frauen in Philippes Palast, samt Tochter und Haushälterin. Dabei weist der kräftige, sehr gut gebaute Mann mit Messer und Schlagstock im Gepäck auch mal einen Autofahrer, der die Einfahrt versperrt, brutal auf Regeln und Rücksicht hin. Aber keine Sorge, in diesem Film ist alles nett: Die Lähmung, die Pflege, die Gegensätze. Eigentlich eine schöne Utopie, manche werden sagen: Ziemlich verlogen. „Ziemlich beste Freunde" könnte ein ziemlich netter Film sein, hätte es nicht mehr als ein Jahr vorher „Renn, wenn du kannst" von Dietrich Brüggemann gegeben. Dieser ehrlichere Film legte insgesamt die unverkrampfte Haltung an den Tag, mit der Driss hier seinen Arbeitgeber beeindruckt.

Die beiden Regisseure und Autoren Olivier Nakache und Eric Toledano, die schon 2005 mit „Zwei ungleiche Freunde" eine Buddy-Komödie an den Start brachten, legen einen hervorragenden Film mit exzellenten Darstellern hin. Super Szenen gibt es in Serie, ein Musik-Battle mit „Earth, Wind and Fire" vom iPod gegen Vivaldi vom Kammerorchester ist nur ein gelungener Höhepunkt. Perfekte Unterhaltung, gutes Gefühlskino, bei dem man nur nicht an die Straßenschlachten und die Sarkozys sozialen Katastrophengebiete denken darf, in denen Driss stecken würde, wenn ihn nicht dieses Märchen in einen Palast versetzte. Trotzdem waren die französischen Kinokassen begeistert.

Chinese zum Mitnehmen

2012-01-04T10:22:00.001+01:00

Argentinien, Spanien 2011 (Un cuento chino) Regie: Sebastián Borensztein mit Ricardo Darín, Ignacio Huang, Muriel Santa Ana 93 Min. FSK ab 12

Zwei völlig unterschiedliche Männer raufen sich zusammen und heraus kommt eine umwerfende Komödie, pointiert ohne viel drumrum. Pedant, Menschenfeind, Griesgram, Einzelgänger... Das beschreibt auf die Schnelle den Eisenwarenhändler Roberto (Ricardo Darín) aus Buenos Aires. Grimmig begrüßt er die Kunden und wirklich böse wird er, wenn bei einer Lieferung mal wieder nicht die angeblichen 300 Schrauben im Paket sind. Selbstverständlich fehlen immer welche. Ansonsten geht bei ihm pünktlich um 23 Uhr das Licht aus und sonntags sitzt er im Campingstuhl am Flughafen. Dort erlebt er eines Tages, wie ein junger Chinese (Ignacio Huang) ruppig aus einem Taxi gestoßen wird. Der hilflose Mann wendet sich an Robert, der sich vorher vorsichtshalber mal abgewendet hatte. Doch wie Robert verstehen auch wir kein Wort. Irgendwie bekommen die beiden heraus, dass eine Adresse auf dem Arm des Fremden namens Jun zu suchen ist, doch dort verkaufte ein anderer Chinese sein Geschäft schon vor Jahren. Als sich Jun im alten Fiat-Nachbau von Roberto übergibt, reicht es mit der Hilfsbereitschaft. Der Eisenwarenhändler schmeißt ihn raus. Um ihn in der folgenden Regennacht wieder einzusammeln und mit nach Hause zu nehmen.

Eigentlich ist Roberto also doch nicht so ein Menschenfeind. Sonst würde sich auch nicht die kluge und sehr herzliche Marí (Muriel Santa Ana) so für ihn interessieren. Wie er allerdings sein Missfallen ausdrückt, wenn der ungeplante Besucher den exakten Tagesablauf durcheinander bringt, ist herrlich. Nur wenn ein besonders nerviger Kunde den mürrischen Verkäufer so richtig zum Explodieren bringt, ist das Minenspiel von Ricardo Darín ein noch größeres Vergnügen. Dann baut Roberto den verhassten Störenfried auch gerne mal in einen seiner makabren und skurillen Tagträume ein, zu denen ihn Vermischte Meldungen aus der Zeitung inspirieren, die er fein säuberlich ausschneidet und sammelt. All diese Zeitungsschnipsel belegen seiner Meinung nach, dass das Leben eine große Absurdität ist. Die größte davon sitzt vielleicht vor ihm. Denn Jun, dessen Onkel immer noch nicht gefunden ist, erweist sich als tragischer Held einer dieser kurzen Geschichten: Gerade als er seiner Verlobten romantisch mitten auf einem See einen Heiratsantrag machen will, fällt eine Kuh vom Himmel und erschlägt die Frau im Kahn. (Vorher sind moderne Viehräuber mit ihrem Flugzeug aufgescheucht worden und verloren ihre Beute beim Flucht-Flug.) Das alles erfahren wir spät durch die freundliche Übersetzung eines Fahrers vom chinesischen Schnellimbiss. Also selbst der Filmtitel ist mal gut übertragen.

Sebastián Borenszteins gelungene Komödie verläuft gezwungenermaßen recht wortkarg, doch vor allem das Spiel von Ricardo Darín, den man schon aus dem argentinischen Erfolgsfilm „In ihren Augen" (El Secreto De Sus Ojos) kennt, trägt viel zum Gelingen bei. Zu seiner grandiosen Mimik gesellt sich auch mal etwas trockener Slapstick, doch im Gegensatz zu den Schrauben-Verpackungen ist hier alles im exakt richtigen Maß.

Filmstiftung Jahresbilanz 2011

2011-12-28T20:43:00.000+01:00

Rekordjahr und Neuanfang

Köln. Mit einer bislang unerreichten Produktionssumme von 315 Mio. Euro schließt die „Film- und Medienstiftung NRW" das Jahr 2011 ab. An 953 Drehtagen im Bundesland gab es reichlich „Star-Alarm", wie die neue Geschäftsführerin Petra Müller begeistert referierte. Das erste komplette Jahr unter ihrer Leitung charakterisiert sie mit „Phase 1", welche die Grundlage schaffen soll, um „dem Standort NRW eine größere Lebendigkeit zu geben". Die nationale und internationale Präsentation des Standortes NRW, der „in den letzten Jahren nicht die angemessene Wahrnehmung" erhalten habe, liegt Petra Müller am Herzen. So war die Filmstiftung auch auf der MIP, der TV-Messe in Cannes vertreten. Die gewohnten Festivalerfolge im starken Arthouse-Sektor fuhren 2011 Lars von Triers „Melancholia" in Cannes und bei den Europäischen Filmpreisen ein. Der ebenfalls vielfach ausgezeichnete „Pina" von Wim Wenders ist sogar noch im Oscar-Rennen.

133 Filme - vom internationalen Starkino bis zu Abschlussarbeiten der Kölner Filmschulen - wurden 2011 insgesamt mit 30,5 Mio. Euro gefördert. Für jeden Euro Förderung aus NRW werden mindestens 1,50 Euro in Nordrhein-Westfalen ausgegeben. 2011 lag der so erzielte „NRW-Effekt" bei 244 Prozent, jeder Fördereuro wurde also rund zweieinhalbmal im Land ausgegeben. So gelingt es über das NRW-Förderbudget hinaus, weiteres Geld in die NRW-Filmwirtschaft zu leiten. Die Gesamtherstellungskosten der in diesem Jahr geförderten Filme liegen insgesamt bei 315 Mio. Euro – ein Rekord für die Filmstiftung seit ihrer Gründung 1991.

Noch unter dem Eindruck von der Begegnung mit Michael Caine, der gerade in den Hürther MMC-Studios die Dreharbeiten zu „Mr. Morgan's Last Love", dem neuen Film vom Sandra Nettelbeck abgeschlossen hat, kennmerkte Petra Müller die Bilanz des Rekordjahres von drei Entwicklungen: Es gäbe eine verstärkte Rückkehr zu Literaturverfilmungen. Ungewöhnlich erfolgreich war der mit 3,9 Mio. geförderte Dokumentarfilm - nicht nur wegen der Erfolge von „Pina". Auch Künstlerbiografien wie „Gerhard Richter Painting", „Charlotte Rampling – The Look" oder „Brasch – Das Wünschen und das Fürchten" seien sehr gut im Kino angekommen. Zuletzt wäre auch wegen größerer Finanzierungsprobleme ein enormer Zuwachs der Koproduktionen zu verzeichnen gewesen, die von einen Drittel auf die Hälfte der geförderten Filme anstiegen. Ein weiteres wichtiges Förderfeld ist der Kinder- und Jugendfilm mit als Höhepunkt „Tom Sawyer". Andererseits wird es für die Kinos immer schwieriger, Kinderfilm zu zeigen, weil das junge Zielpublikum am Nachmittag kaum noch Zeit hat.

Neue Medien kommen beim Film unter
Die größte Änderung zeigt schon der zur „Film- und Medienstiftung NRW" erweiterte Name der bislang „reinen" Filmstiftung. Die zusätzliche Förderung von Projekten wie „Conserve the Sound", einem Online-Portal für verschwindende Geräusche, mit 30.000 Euro und der Fun-App „Feen flatschen!" (15.000 Euro) lassen den Filmetat unberührt. Zusätzliche 1,5 Millionen Euro für drei Jahre sorgen dafür, dass nicht das Geräusch eines Filmprojektors oder das Öffnen einer Kinotür demnächst mit zu den ausgestorbenen Geräuschen gehören. Petra Müller wollte in diesen frühen Stadium noch keine konkreten Ergebnissen in Sachen Konvergenz von Film und neuen Medien anführen, man sei selbst dabei, die Möglichkeiten der in NRW enorm starken Wachstumsbranchen Games und Digitales Marketing auszuloten. Überraschenderweise zeigten sich eher bei den Dokumentarfilmern Verbindungen zum Thema Crossmedia, der medienübergreifende Behandlung eines Themas, wie in diesem Jahr schon mit der crossmedialen Serie „Alpha 0.7" geschehen. Beim AV-Gründerzentrum, an dem die Filmstiftung mit 25,1 Prozent beteiligt ist, seien die Hälfte der Anmeldungen aus dem digitalen Bereich, fügte Christina Bentlage, Leiterin der Förderung der Filmstiftung, hinzu.

Die Pressekonferenz in Köln war vielleicht die erste der letzten vom Film bestimmten Jahresbilanzen, doch es gibt für die nächsten Jahre noch genug Film zu drehen und zu sehen. 2012 kommen für den Dreh von „Zwei Leben" von Georg Maas Liv Ullmann, Juliane Köhler und Devid Striesow nach Nordrhein-Westfalen und in „Rush" von Ron Howard spielt Daniel Brühl Rennfahrer Niki Lauda.

Und dann kam der Regen - También la lluvia

2011-12-27T22:59:00.001+01:00

Spanien, Frankreich, Mexiko 2010 (También la lluvia) Regie: Icíar Bollaín mit Gael García Bernal, Luis Tosar, Karra Elejalde 103 Min.

Wenn der Film mit seinen großen Produktions-Teams kommt, freut sich jedes Städtchen wegen der eitlen 15 Minuten Ruhm und übersieht dabei, dass hier Ausbeutung stattfindet. Ganz in der Tradition des Kolonialismus, der sich die fremden Rohstoffe raubte und mit den eigenen Produktionsmitteln Gewinn machte. Wie pervers, wenn ausgerechnet ein Film über die grausame Goldräuberei von Kolumbus mit billigen Statisten in Bolivien den Etat klein halten will. Nur dumm, dass der aufbrausende Einheimische die Rolle des rebellischen Häuptlings bekommt, der sich gleichzeitig im Kampf gegen einen multinationalen Wasserkonzern engagiert.

Noch wirkt sie komisch, die Ignoranz des Produzenten Costa (Luis Tosar), der billige Andenbewohner als Statisten für die Ankunft von Columbus castet: Der engagierte Regisseur Sebastián (Gael García Bernal) weiß genau, dass diese Bevölkerung hunderte Kilometer von den Küstenbewohnern entfernt lebt, die Kolumbus zuerst erblickte - und sie sehen auch ganz anders aus! Doch das gefährliche Aufstellen eines Kreuzes von Hand spart noch mal zehntausende Dollar und die ersten Sprechproben im Hotelgarten verlaufen eindrucksvoll: Da bezieht der spanische Schauspieler des (italienischen) Kolumbus die staunenden einheimischen Kellner mit ins Spiel ein - in genau der Rolle, welche die Ureinwohner erleiden mussten. Die ist nur der erste Moment, in dem die Realität die Fiktion einholt, in dieser auf mehreren Ebenen äußerst raffinierten Reflektion von Ausbeutung.

Per Hand graben die Menschen hier einen über sieben Kilometer langen Kanal, um Wasser von einer Quelle zu den Häusern zu bringen. Denn die arme Bevölkerung muss jährlich 450 Dollar für Wasser an einen multinationalen Konzern zahlen und darf nicht mal den Regen einfangen, wie der bessere Originaltitel die Knebelverträge zitiert. Die mit Hilfe der Polizei blutig zerschlagenen Demonstrationen schaukeln sich zu Straßenschlachten auf, derweil das Filmteam bei Tafelwasser, Wein und Zigarren im Hotel diniert und der zynische Hauptdarsteller Marie Antoinettes Spruch vom Kuchen als Ersatz für das nicht vorhandene Brot der Armen in Wasser und Champagner umwandelt. Doch ein anderer Schauspieler schlüpft bei den Gesprächen kritisch in die Rolle seines radikalen Befreiungs-Priesters.

So zeigt sich eine Wechselwirkung zwischen den Ebenen von Film-im-Film, den Dreharbeiten und dem Making Off-Video einer Assistentin, das aufnimmt, was tatsächlich in diesem Land passiert: Die grausame Verstümmelung der Indios, wenn sie ihr Soll an Gold nicht abliefern, spiegelt sich in der Rettung von Belen, der mitspielenden Tochter des Rebellen-Führers Daniel, die ihr Bein nach einer Straßenschlacht zu verlieren droht. Hier zeigt der anfangs aufs Geld fixierte Produzent längst mehr Mitgefühl als der von seinem Film besessene Regisseur. Es ist lächerlich, wie sich diese filmischen Invasoren nur um ihr Werk kümmern, während um sie herum der Krieg ums Wasser tobt - selbst bei einem angeblich engagierten Film! Richtig pervers wird deren Handeln, als sie ihren indianischen Hauptdarsteller nur für dessen letzte Szene aus dem Knast holen und dabei der Miliz die Rückgabe versprechen. Mittlerweile liegt soviel Verlogenheit (und Tränengas) in der Luft, dass auch der Produzent anfängt zu trinken. Aber in dieser großen Finalszene holt die Realität die Fiktion noch einmal ein: Daniel wird noch im Kostüm von seinen Indianern gerettet. Nur die Eroberer tragen statt Rüstungen Demokratie vortäuschende Polizei-Uniformen. „Und dann kam der Regen" schlägt immer wieder den Bogen vom Kolonialismus des Kolumbus zum Kapitalismus unserer Zeit.

Nach ihrem erschütternden Plädoyer gegen häusliche Gewalt „Öffne meine Augen" (2003) gelang der spanischen Darstellerin und Regisseurin Icíar Bollaín erneut ein herausragendes Werk. Mit dem Star Gael García Bernal als Aushängeschild, aber vor allem mit einer äußerst klugen und bedenkenswerten Geschichte verändert sie die Sicht auf Film und Filmemachen nachhaltig.

Blutzbrüdaz

2011-12-27T20:16:00.001+01:00

BRD 2011 Regie Özgür Yildirim mit Sido, B-Tight, Milton Welsh, Claudia Eisinger 87 Min. FSK ab 12

Yo! Was geht ab, Alter!? Nicht viel, weil deine Mudda is so alt, die hat so 'nen Film schon 100 mal gesehen, mal gut, mal scheiße. Mit dem Elvis seine Karriere, mit den Abbas ihren Hits (gekonnt: Lasse Hallström), mit den Commitments (klasse: Alan Parker), die gab aber gar nicht und mit Eminems „8 Mile" (rund: Curtis Hanson), womit wir beim Genre HipHop wären.

Die Blutzbrüdaz Otis (Sido) und sein Kumpel Eddy (B-Tight) fangen an als zwei Deppen, die sich das Mikro fürs erste Tape klauen müssen, keine Ahnung vom Rappen haben, aber Karriere wollen. Dick und doof für Disser, kurz gereimt. Es gibt in Berlin noch die Mark und den Walkman, ebenso eine Beziehungsgeschichte mit Kassiererin und die klassische Erfolgsmontage, wenn die ersten Tapes weggehen wie warme Sampler. Doch für den Erfolg verrät Eddy seinen „Bruder" an Sony, Otis macht trotzdem seinen Weg gegen das System.

Deutsch-Rapper und Frauenverachter Sido gibt sich als alter ego Otis ganz zahm und weichgespült, singt er doch sowieso nur den Refrain auf Bushidos peinliches „Zeiten ändern Dich". Dabei sieht er aus wie ein Spießer und kann wirklich nicht gut schauspielern. Der Film schießt angeblich gegen böse Medienkonzerne und ihre klischeehaften Manager, wurde aber neben Fatih Akins unabhängiger Corazon-Produktion auch von der richtig fetten Constantin produziert. Falls man so was überhaupt ernsthaft kritisieren will.

Ich reise allein

2011-12-27T14:39:00.001+01:00

Norwegen 2011 (Jeg reiser alene) Regie: Stian Kristiansen mit Rolf Kristian Larsen, Amina Eleonora Bergrem, Pål Sverre Valheim Hagen, Ingrid Bolsø Berdal 93 Min.

Wie bereitet man Cock au vin eigentlich auf Norwegisch? Man nehme einen verantwortungslosen, aber nicht unsympathischen Mann, konfrontiere ihn mit der schon etwas älteren Frucht einer lang vergessenen, aber kurzen Affäre, fügt etwas Studentenleben in fortgeschrittenen Semestern hinzu, ein paar schöne Bilder, einen netten Fratz, der herrlich schmollen kann. Das Ganze lässt man mit dem Publikum circa 90 Minuten in sanft süßer Soße schmoren und fertig ist der Wohlfühl-Film. Auch auf Norwegisch.

Unser zu läuternder Held heißt Jarle Klepp (Rolf Kristian Larsen) und passt mit seinen wilden, roten Haaren wunderbar zur Bude, in der sich die Bücherborde biegen und die Aschenbecher überfließen. Hier feiert er mit seinen Kumpels und diesem studentischen Lotterleben entsprang Ende der Achtziger die kleine Lotte (Amina Eleonora Bergrem). Deren Mutter kann Mitte der Neuziger nicht mehr, so dass Jarle plötzlich von seiner Vaterschaft erfährt und direkt am nächsten Tag auf das Kind aufpassen muss, während Mutter endlich mal Urlaub macht.

Nun ist Lotte echt ein nettes (Film-) Kind und macht so gut wie keine Probleme. Die hat Jarle mit seiner lockeren Bett-Freundin Herdis (Ingrid Bolsø Berdal), die doch mehr will und es ihm deutlich macht, indem sie zuerst mit Jarles Freund und dann mit ihrem Professor ins Bett geht. So macht der behauptete Bohemien Jarle, ein Literatur-Student ohne echte Geldsorgen, weiter wie gehabt. Lotte verdrückt mal ein paar Tränchen über die drohende Scheidung ihrer Eltern, aber ist vor allem ein schöner Katalysator für die Umgebung Jarles: Die enttäuschte Nachbarin, lässt ihre verlorenen Hoffnungen mit einer Ohrfeige raus. Der Kumpel schmilzt dahin, als er zum „Onkel" ernannt wird. Jarles Mutter kümmert sich gerne um das unerwartete Oma-Glück.

Ihren leiblichen Papa erdet das Mädchen mit einfachen Fragen: Reparieren die hier irgendwas an der Universität? Weil der vergeistigte Philosoph sich schwer mit dem Mädchen und ihren Kinderliedern verständigen kann, müssen sie eine gemeinsame Sprache finden. Auf diesem Weg klickt Lotte sehr symbolisch den großen Artikel für die renommierte Tageszeitung Morgenposten endlich als Mail weg - der Denker war nicht zu dieser Tat fähig. Mit intellektuellem Gesülz redet er an den Realitäten vorbei und versucht, sich aus ihnen raus zu stehlen. Doch er lernt schnell, organisiert (mit Hilfe der Karnevals-Philosophie von Michail Michailowitsch Bachtin) einen tollen Kindergeburtstag, küsst bei der Feier aber wieder die Falsche. Oder doch nicht?

Im offenen Prozess, den vergeistigten, unreifen Jarle zu erden, bleibt auch der Film angenehm am Boden. Er rührt ohne großen Schmalz, unterhält recht lebensnah. Die eigentlichen Dinge werden klar gesagt: „Ich reise allein" gilt für Lotte, die alleine im Flieger ankommt. Und für Jarle, der alleine im Bus nach Hause fährt, nachdem Lotte und ihre Mutter wieder weg sind. Das ist ein schönes Bild für das gefühlte furchtbar allein im Leben sein - ganz pur und ohne Zitate großer Philosophen.

„Ich reise allein" ist vielleicht nicht so populär wie der auch emotional geschwätzige Schweiger „Kokowääh",ist nicht so verlogen wie in der Science Fiction-Variante „The Kid" mit Bruce Willis. Es ist halt das norwegische Rezept.

In guten Händen

2011-12-21T12:46:00.001+01:00

Großbritannien, Frankreich, BRD, Luxemburg 2011 (Hysteria) Regie: Tanya Wexler mit Maggie Gyllenhaal, Hugh Dancy, Jonathan Pryce, Felicity Jones, Rupert Everett 100 Min.

Vibratoren setzt man eher mit Beate Uhse in Verbindung als mit Queen Victoria und ihrem als prüde geltenden Zeitalter. Doch Anfang der Achtziger des vorletzten Jahrhunderts feiert der Londoner Arzt Dr. Robert Dalrymple (Jonathan Pryce) große Erfolge mit einer besonderen Behandlungsmethode. Seine „Manipulation" zu Entspannung angeblich hysterischer Frauen, die komplett bekleidet im Behandlungsstuhl liegen, führt bei wöchentlichen Terminen sicher zum - rein medizinisch notwendigen - Orgasmus. Als der junge Kollege Dr. Mortimer Granville (Hugh Dancy,) in das Arzthaus mit braver, junger Tochter Emily Dalrymple (Felicity Jones) einzieht, füllt sich der Terminkalender, aber auch eine Art Tennisarm macht sich bei Behandler störend bemerkbar. Während sich äußerst zurückhaltend eine Verbindung mit Emily anbahnt, sind die Begegnungen mit der verstoßenen Tochter Charlotte Dalrymple (Maggie Gyllenhaal) vor allem stürmisch. Das liegt an ihrem enormen Temperament, mit dem sie ihr Armenhaus unterstützt, in einer Zeit mit zwei Dritteln der Bevölkerung in elender Armut. Aber erst nachdem Mortimer zusammen mit seinem ebenso lebenslustigen wie einfaltsreichem Erfinderfreund Lord Lord Edmund St. John-Smythe (Rupert Everett) einen elektrischen Apparat zur Unterstützung seiner „Manipulation" entwickelte, kommen Dickkopf Charlotte und der verhaltene Mortimer zusammen

Maggie Gyllenhaal spielt in dieser komischen Rolle die leibhaftige Provokation Charlotte herrlich unweiblich. Die tolle Frau mit dem großen Herzen beeindruckt nicht nur als Gegensatz zur braven Streberin in Form der kleinen Schwester. Hugh Dancy als Dr. Mortimer hingegen steht nur der selbst total verklemmte Schwiegersohn. Der unauffällige Schauspieler verblasst in fast allen Szenen, vor allem, wenn Rupert Everett als lustig lustvoller Lord nicht nur eifrig eines der ersten Telefone nutzt, sondern gleichzeitig auch Telefonsex erfindet oder seiner Mutter einen Vibrator empfiehlt. Wenn auch die furchtbar sexistische und grausam behandelte Hysterie ebenso wie die Erfindung des Vibrators historisch korrekt sind, ebenso wie die historisch sehr interessanten Modelle im Abspann, geht es der Geschichte vor allem um großen Spaß: Die Opernsängerin Castellari (oder Castafiore?) trällert auf dem Höhepunkt der „Behandlung", die Wissenschaftler staunen und vor allem die Frauen im Saal amüsieren sich köstlich. Denn trotz zahlreicher Orgasmen ist fast jeder bei diesem Film, der nicht einmal ein nacktes Frauenknie zeigt, in guten Händen.

Sherlock Holmes - Spiel im Schatten

2011-12-21T10:47:00.001+01:00

USA 2011 (Sherlock Holmes: A Game of Shadows) Regie: Guy Ritchie mit Robert Downey jr., Jude Law, Jared Harris, Noomi Rapace, Stephen Fry 128 Min. FSK ab 12

Zweiter Teil und doch sensationell: Die Fortsetzung der in Retro-Futurismus getauchten Sherlock Holmes-Verfilmung ist dank eines hervorragend aufgelegten Guy Ritchie ein großartiger Action-Spaß mit tollen Figuren und einer erschreckend treffenden Anti-Kriegs-Thematik.

Europa wird von Bomben-Attentaten erschüttert und Watson (Jude Law) heiratet. Es bleibt unklar, was von beiden schlimmer ist für Meisterdetektiv Sherlock Holmes (Robert Downey jr.). Doch mit seiner Gabe, Dinge vorauszuberechnen, wird der Junggesellenabschied in einer Spielhölle zum Multitasking-Abenteuer. Holmes befragt eine Hellseherin (Dragon Girl Noomi Rapace aus „Millennium") nach deren Bruder, rettet sie vor einem kosakischen Killer und mischt den ganzen Laden kräftig auf. In rasender Abfolge von Schlägen und Wendungen führt die Spur zum Erzfeind Professor Moriarty (Jared Harris), der bald Holmes geliebte Feindin Irene Adler (Rachel McAdams) ermordet. Sie ist jedoch nur ein Bauernopfer im großen (Schach-) Spiel zwischen Holmes und Moriarty, bei dem es nebenbei darum geht, einen Weltkrieg zu verhindern.

Neu ist die Idee nicht, dass der Oberschurke große Mächte für sich gewinnbringend aufeinander hetzen will, das gab es in zahllosen Filmen, Bonds, dem letzten „Mission Impossible" und sogar im parodistischen „Johnny English". Doch diese innere Triebfeder bleibt im Hintergrund und die vorgeführte Mechanik ist auf allen Ebenen zum Staunen. Erst einmal ist der Action-Clown Holmes in vielen Verkleidungen damit beschäftigt, eifersüchtig zu sein. Das Beziehungsdrama mit Watson geht so weit, dass Holmes die frisch vermählte Ehefrau aus dem Zug wirft und sich selbst in Frauenkleidern mit dick Lippenstift neben den Partner legt. Allerdings fliegen ihnen da auch schon wieder Kugeln um die Ohren und die Mordinstrumente kommen alle aus einer Fabrik. Die düstere Waffenschmiede bei Heilbronn (Mischung zwischen Mauser und Krupp) ist zum Bersten gefüllt mit Todesmaschinen, die grimmige Germanen zu gerne auf Holmes und seine Gefährten richten.

Diese stärkste Szene des Films verbindet für Ritchie typische Zeitlupen und -raffer, brutale Einschläge in Super-Slow-Motion und die Poesie extrem gestylter Stilleben, die zuletzt in „Melancholia" des Lars von Trier zu erleben waren. Der Schrecken gigantischer Kanonen, die erst im Ersten Weltkrieg zum Einsatz kommen werden, ist nicht die einzige, deutliche politische Stellungnahme. Moriarty macht finster lächelnd klar, dass der Geist des Kapitalismus mit der für die Exportbilanz so wichtigen Waffenindustrie ganz von allein Kriege produziert, dass es gar keines Bösewichtes bedarf, um Staaten gegeneinander aufzuhetzen. Wenn Moriarty Holmes zu den Klängen von Schuberts Forelle zur Folter an den Fleischerhaken hängt, ist dies auch ein kleiner Vorgeschmack vom Nazi-Grauen-Klischee des Hochkultur-Barbaren.

Doch dies ist nur ein Aspekt des gelungenen Comebacks von Guy Ritchie. Mit großem Vergnügen stürzte sich der frisch Getrennte in die Möglichkeiten des Steampunk, lässt Holmes 1891 mit dem ersten Auto durch London fahren und zieht die Erfindung des Giftgases ein Viertel Jahrhundert vor. Robert Downey jr. gibt seinem Holmes kräftig Zucker, dessen Depression aus Teil Eins ist verschwunden, vielleicht liegt es an den Cocablättern aus seinem Büro. Jude Law geht zurückhaltend in die Rolle des Watson auf. Nebenbei ist es herrlich, wie die stockschwule Oscar Wilde-Wiedergeburt Stephen Fry Holmes' schwulen Bruder Mycroft gibt. Eigentlich auch nicht verwunderlich, dass das Universalgenie Fry hier mitmacht, denn dieser „Sherlock Holmes" ist tatsächlich eindrucksvolle Action mit Stil und Köpfchen.

Sarahs Schlüssel

2011-12-20T10:45:00.001+01:00

Frankreich 2010 (Elle s'appelait Sarah) Regie: Gilles Paquet-Brenner mit Kristin Scott Thomas, Mélusine Mayance, Niels Arestrup, Frédéric Pierrot, Michel Duchaussoy 104 Min.

Die Deportation von Zehntausenden Juden durch die Mithilfe der Pariser Polizei am 16. und 17. Juli 1942, „La Rafle" genannt, war schon Thema des Films „Die Kinder von Paris". Diese Kollaboration ist also nicht ein „Ein Geheimnis" wie im ähnlich gelagerten Film von Claude Miller. Regisseur Gilles Paquet-Brenner schickt in der Bearbeitung des gleichnamigen Romans von Tatiana de Rosnay die bekannte Schauspielerin Kristin Scott Thomas („Der englische Patient") als Journalistin Julia Jarmond auf die Suche nach einer düsteren Vergangenheit. Als ihr Mann die Wohnung seiner Großeltern für das Paar renovieren will, zeigt sich, dass diese Nachmieter einer gerade deportierten jüdischen Familie waren. Die Tochter Sarah versteckte damals ihren kleinen Bruder geistesgegenwärtig im Wandschrank, doch niemand rechnete damit, dass ganze Familien in einem Radstadion und später in Lagern festgehalten wurden, bevor viele von ihnen umgebracht wurden. Sarah kann zwar fliehen und sich unter Bauern verstecken, aber ihren Bruder nicht retten. Die Schuld zerstört auch ihr Leben.

Diese dramatische Geschichte wird scheinbar unvermittelt mit den heutigen Problemen von Julia montiert, die spät schwanger wird und deren überarbeiteter Mann nicht noch ein Kind will. Dabei bleibt Julias Motivation für ihre obsessive Suche schwer verständlich. Zwar wird bei dieser französische Vergangenheitsbewältigung klar, dass viele Leute eine Leiche im Keller oder im Wandschrank haben, dass es viele Arten gibt, von Krieg Vertreibung und Völkermord zu profitieren, sei es mit florierender Waffen-Industrie oder mit einer neuen Wohnung. Dass der vielleicht nicht geeignete Partner nun sogar noch solche Profiteure als Großeltern hat, ist zuviel des Schlechten. Auch wenn Julia sich vom Leid der Opfer selbst in dritter Generation emotional angezogen fühlt, wirkt das befremdlich. So verlieren (sich) die erschütternden Szenen aus Stadion und Lager in einer ansonsten inhaltlich und auch im Verlauf zerfaserten Rahmenhandlung. Da kann auch die ansonsten zu mehr Ausdruck fähige Kristin Scott Thomas nichts mehr retten.

Alvin und die Chipmunks 3: Chipbruch

2011-12-19T11:32:00.001+01:00

USA, Kanada 2011 (Alvin and the Chipmunks: Chip-Wrecked) Regie: Mike Mitchell mit Jason Lee, David Cross, Jenny Slate 87 Min.

Das Traumschiff für Kinder: Wo sich ansonsten Harald Schmidt und Christoph Maria „Stromberg" Herbst von jeder geistigen Anstrengung erholen, breitet sich nun einer der nervigsten Kinderfilme aus. Die sechs animierten Beutelratten (oder waren es doch Eichhörnchen?) namens Chipmunks reisen mit ihrem Zoowärter Dave (Jason Lee) per Schiff und nerven nicht nur mit quietschenden, viel zu hohen Stimmen, sondern auch mit typisch kindischem Verhalten. (Kindern das zu zeigen, sollte schon deshalb verboten sein!) Die pädagogische Lerneinheit in einer Nussschale lautet dabei: Die Kleinen sollen mal selbst etwas Verantwortung übernehmen dürfen. Deshalb stranden die sechs Nager und Nerver auch auf einer einsamen Insel und der Hauptquerulant Alvin übernimmt Führung und Verantwortung, während der Besserwisser Simon dank exotischer Drogen zum durchgeknallten Abenteurer wird.

Kein Eisberg rettet weit und breit, selbst der Vulkan der Insel sorgt viel zu spät für Mini-Action. „Alvin und die Chipmunks" zeigt wieder einmal das Verständnis von us-amerikanischen Produzenten, man könne Kindern alles verkaufen, wenn es nur niedlich ist und komische Geräusche macht. Dazu verkaufen wir ihnen noch eine Schiffsreise, eine CD und vielleicht ein paar Puppen der Filmhelden. Die weiblichen Chipmunks hören sich an wie Heidi Klum und betätigen sich dabei zu grausamer Billigmusik als Hupfdohlen mit Klamotten, die ihre beste Zeit als Tischdecke hatten. Denn die Chipmunks singen immer zwischendurch, was alles noch viel schlimmer macht. Dass auch Kinder Gutes hören können, bewies Disneys „Küss den Frosch" mit seinen Jazz-Einlagen. Es ist erstaunlich, welch enormer Aufwand an die Animation von tausenden Härchen und an eine extrem detaillierte Mimik verschwendet wird, während der Rest möglichst anspruchslos aus viel Geschrei und Klamauk zusammengeschustert wird. Jason Lee muss am Tiefpunkt seiner Karriere dauernd mit leerer Luft auf Fußhöhe reden. Mehr als heiße Luft kommt da nicht bei raus, allerdings schmerzhaft für Augen und Ohren.

Ronal der Barbar

2011-12-19T11:03:00.001+01:00

Ronal der Barbar

Dänemark 2011 (Ronal Barbaren) Regie: Kresten Vestbjerg Andersen, Philip Einstein Lipski, Thorbjørn Christoffersen 89 Min. FSK ab 12

Wickie und die Eierwärmer. Oder wäre das komisch, wenn man simplen Zeichentrickfiguren unten rum möglichst wenig anzieht? Nein, weder komisch, noch frech, noch originell. Eher entsetzlich im kläglichen Scheitern eines pubertär anzüglichen (sprich: nicht ange- oder erzogen) Mischmaschs aus geklauten Szenen.

Wie viele Grade der Blödheit gibt es und wieso ist „Ronal, der Barbar" immer noch kein „Trash", der dann schon wieder gut ist? Das Entsetzen, das dieser Film auslöst, ist größer als die Lacher, selbst bei einem nicht besonders kritischen Sneak-Publikum. Es ist eine alberne Animation, deren nordische Figürchen vor allem durch ihre ausgestellten Genitalien auffallen. Der Rest kommt so simpel und glatt aus dem Computer, dass die Verbindung von Animiert - Anima - Seele mal gar nicht funktioniert.

In Kopie von „Wickie" erzählt der Jungsfilm wie Ronal als einziger Schwächling unter den Barbaren sein Volk retten muss, nachdem es vom dunklen Herrscher entführt wurde, um mit deren Blutsuppe einen mythischen Dämonen zu beschwören. Zur Rettung muss wenig originell erst mal ein magisches Schwert gefunden werden. Als lächerliche Gefährten versammelt Ronal auf seinem „Abenteuer" eine kampfeslustige Schildmaid (unbesiegte Jungfer wie Brunhild), den bescheuerten und lüsternen Barden Alibert und einen tuntigen Elfen, dem man furchtbar dämliche Schwulenscherze anhängen kann.

Handlung, Szenen und Akteure sind extrem einfallslos zusammengebastelt aus Fantasy wie „Herr der Ringe" und sonstigen Nerd-Blockbustern wie „Star Wars". Man kommt nicht umhin, sich angewidert ein paar notorische Stubenhocker vorzustellen, die all ihre gesammelten Film-Erfahrungen mit der debilen Begeisterung von „Beavis and Butt-Head" in einen zotigen Abklatsch verwandeln, der auch nicht als Parodie funktioniert. Als Höhepunkt darf eine ganze Szene lang der Hodensack von Ronal die Handlung alleine bestreiten - was die Essenz des überzotigen Films zumindest recht gut ins Bild bringt.

Die Iden des März

2011-12-18T20:18:00.001+01:00

USA 2011 (The Ides of March) Regie: George Clooney mit George Clooney, Ryan Gosling, Marisa Tomei 96 Min.

„Die Iden des März" präsentieren von und mit George Clooney einen spannenden Politthriller, bei dem am Ende alle verlieren. Die eindrucksvolle Starriege des Films mit Clooney, Ryan Gosling, Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei und Evan Rachel Wood steht im Dienste einer Anklage, wie im Wahlkampf Anstand, Moral und Glaubwürdigkeit verkauft werden. Clooney gibt den hoffnungsvollen Präsidentschaftskandidaten, Ryan Gosling den naiven Mitarbeiter, der sich zum Königsmörder wandelt.

Erzählt wird von den Vorwahlen zur US-Präsidentschaft, bei denen in Ohio eine Entscheidung unter den beiden letzten demokratischen Kandidaten fallen soll. Es ist aber auch das Duell der Wahlkampf-Manager, die durch Paul Giamatti und Philip Seymour Hoffman wie der ganze Film großartig besetzt sind. Stephen Myers (Ryan Gosling), ein Frischling unter diesen alten Hasen, glaubt ein Idealist zu sein und kämpft voller Engagement für seinen Kandidaten, den fortschrittlichen, toleranten, ja fast grünen Gouverneur Mike Morris (Clooney). Bis er ein unmoralisches Angebot vom gegnerischen Wahlkampfleiter Tom Duffy (Paul Giamatti) erhält und zu spät von dieser Unkorrektheit berichtet. Stephens Boss Paul Zara (Philip Seymour Hoffman) reagiert sehr empfindlich auf diese Illoyalität, aber der noch profillose Jung-Demagoge hat nach ein paar Nächten mit der forschen Praktikantin Molly Stearns (Evan Rachel Wood) ein As im Ärmel oder im Bett. Ein schmutziger und gar nicht mehr idealistischer Kampf um Jobs beginnt und beeinflusst sogar die große Politik. Denn Stephen zwingt Morris schließlich gegen dessen Grundsätze, den wichtigen Posten des Innenministers der Vereinigten Staaten für die Stimmen von ein paar Wahlmännern zu verkaufen. Spätestens jetzt ist das Ideal des unkorrumpierbaren Politikers vom hohen Sockel gestürzt.

George Clooneys vierte Regiearbeit ist wieder politisch, so wie vor sechs Jahren "Good Night, and Good Luck" medien-politisch war. Durchaus ernst zu nehmen ist seine Anklage von Politikern und deren Teams, die schon bevor sie ihr Amt erhalten, ihre Seele verkauft haben. „Die Iden des März" basiert auf dem Theaterstück „Farragut North" von Beau Willimon, in dem es um die Präsidentschafts-Vorwahlen des Jahres 2004 geht.

Aus der ruhigen Erzählung mit vielen Interna der politischen „War Rooms" entwickelt sich, als Stephen einerseits das Angebot der Gegenseite erhält und von einer schmierigen Seite seines Idols hört, ein moralisches Trauerspiel. Clooney inszeniert erneut enorm sicher mit einer Dynamik, der man sich kaum entziehen kann, mit sparsamem Musikeinsatz und mit überzeugendem Cast. Als Hauptattraktion hat der unfehlbare Überstar Clooney sich selbst vor der Kamera, unterstützt haben ihn dabei Clooney als Co-Produzent und Clooney als Co-Drehbuchautor. Wem dies zuviel Stargetue ist, darf sich über einen Tyrannenmord im übertragenen Sinne freuen: Der Titel „Die Iden des März" (The Ides of Mars) referiert auf den 15. März im Jahre 44 - vor Christus. An diesem Tag wurde Julius Cäsar bei einer Senatssitzung ermordet. So wird nicht nur Clooneys Figur des Gouverneurs mit Stephen Myers von Ryan Gosling ein junger, aufstrebender Wahlkampfmanager zur Seite gestellt, der sich für keine Intrige zu schade ist. („Auch du mein Sohn, Stephen!?") Auf einer zweiten Ebene (und auf dem Festivalplakat in Venedig) besteht der bislang höchstens an der Kasse geschätzte Gosling seine Bewährungsprobe in einem anspruchsvolleren Film, nachdem er selbst in „Blue Valentine" das gleiche Gesicht über mehrere Jahre zeigte. Clooney gelingt sogar die perfekte Integration dieses Gesichts, so wie er Unterhaltung und Botschaft, Spannung und glaubwürdige Figuren in diesem in jeder Hinsicht gelungenen, klugen wie kurzweiligem Werk vereint.

Local Heroes Aachen: Verführung von Engeln

2011-12-13T18:37:00.001+01:00

BRD 2000 - 2007 Regie: Jan Krüger 70 Min. FSK 16

In den vier Kurzfilmen von „Local Hero" Jan Krüger sind Liebe, Verführung, Beziehungen immer auch ein Spiel um Macht, eine Suche nach Sicherheiten, eine Bewegung zwischen Distanz und Entgrenzung. Ein Mann, der auf der Suche nach Liebe durch die Großstadt streift, erfährt das genauso wie die beiden Schulfreunde, die sich gegenseitig verführen. Oder das in Hassliebe verbundene Paar, das sich trennt und einen letzten Tango tanzt. Oder der schöne Streuner, der immer selbst das Objekt der Begierde war und plötzlich die Erfahrung macht, wie es ist, wenn jemand mit seiner Liebe spielt. Wie verführt man also einen Engel?
Die vier Kurzfilme des jungen deutschen Regisseurs Jan Krüger, die für ein neues, aufregendes deutsches Kino stehen, sind lakonisch, dicht und lebensnah, voller Andeutungen und visueller Freiheiten. In Anwesenheit des Regisseurs Jan Krüger und des Kameramannes Oliver Schwabe werden neben dem titelgebenden „Verführung von Engeln" (2000), auch „Freunde" gezeigt, der 2001 den Silbernen Löwen beim Internationalen Filmfestival Venedigs erhielt. Weiterhin laufen „Tango Apasionado" (2006) und die niederländisch-deutsche Ko-Produktion „Hotel Paradijs" (2007).
(Aachen, Eden-Palast nur Fr., 18 Uhr)

First Squad – Moment der Wahrheit DVD

2011-12-13T18:30:00.001+01:00

Japan/Russland 2010 Regie: Yoshiharu Ashino

Anime

Die russisch-japanische Kriegs-Fantasy „First Squad" stammt vom renommierten japanischen Animationshaus „Studio 4c" und gehört bei aller handwerklichen Brillanz zu den Kuriositäten dieses schon in allen Seltsamkeiten schillernden Marktes: Wir sehen, dass der Zweite Weltkrieg eigentlich auf parapsychologischer Ebene entschieden wurde. Die 14-jährige Nadya und weitere russische Jugendliche müssen verhindern, dass Nazi-Parapsychologen den 700 Jahre alten Geist des Deutschorden-Ritters Von Wolff beleben. Reichlich Kriegsaction und Geistererscheinung füllen atmosphärisch tatsächlich faszinierend diese okkulte Anime-Action. Dabei baut die Erzählung ähnlich wie die Traumsequenzen in „Sucker Punch" auf simple Figuren und reichlich kantige Klischees. Das bunte Spektakel gibt es auch in einer „Mockumentary"-Version, in der Veteranen, die wirklich und in echt dabei waren, erzählen, wie alles war. Leider fehlt diese Variante auf der DVD - Platz wäre sich noch gewesen, es gibt keine Bonus-Tracks.

Chelsea Hotel - Premium Edition DVD

2011-12-13T18:29:00.001+01:00

USA 2008 (Chelsea On The Rocks) Regie: Abel Ferrara

Dokumentation

Der geniale bis wahnsinnige Regisseur Abel Ferrara („Body Snatchers", „Bad Lieutenant") feiert das legendäre Chelsea Hotel auf unkonventionelle Art. Er führte zahlreiche Interviews mit Bewohnern des Chelsea, verwendete Archivmaterial für seinen Film und stellte einige historische Szenen nach. Damit schuf er nicht bloß eine Dokumentation, sondern erfasste das Wesen und den Charme des Chelsea-Hotels.

Einst galt das Chelsea Hotel als unnahbarer Ort für Schriftsteller, Künstler, Musiker und Rebellen, und erst vor wenigen Jahren wurde es in ein Luxushotel umgebaut, dessen Besitzern, einer Investorengruppe, die beeindruckende Historie des Hotels vollkommen gleichgültig ist. Das denkmalgeschützte Gebäude gilt als amerikanische Kultur-Ikone und ist berüchtigt durch diejenigen, die in dem Hotel gelebt und gewirkt haben. Zu diesen zählen Sir Arthur Clarke, Bob Dylan, Stanley Kubrick, Arthur Miller, Joni Mitchell, Mark Twain, Tennessee Williams, Milos Forman, Janis Joplin, Donald Sutherland, Patti Smith, Dennis Hopper, Andy Warhol, Jane Fonda, Leonard Cohen, Tom Waits, Courtney Love, Charles Bukowski, Jimi Hendrix und viele andere.

Die DVD erscheint als Premium Edition mit Bildband (ca. 100 Seiten) und A1-Plakat. Als Bonus-Material enthält sie einige geschnittene Szenen.

Mein Freund, der Delfin

2011-12-13T16:19:00.001+01:00

USA 2011 (Dolphin Tale) Regie: Charles Martin Smith mit Morgan Freeman, Ashley Judd, Kris Kristofferson, Nathan Gamble, Harry Connick jr. 113 Min.

Laut Douglas Adam sind sie die intelligentesten Wesen der Erde. Das US-Militär missbraucht sie als die billigsten und besten Minensucher des Meeres. Delfine sind im Leben etwas Besonderes und im Film fast so effektiv wie Hunde. Deshalb wurden auch so viele Delfine für „Flipper" verschlissen, dass der Tierschutzbund wohl niemanden aufnimmt, der je eine Folge gesehen hat. Nun führt ein Film wieder dressierte Tiere vor, angeblich um ein Bewusstsein zu schaffen, damit die kleinen Kinogänger später dagegen protestieren, dass man Tiere für Zirkus, Zoo und Film (was ja alles irgendwie das Gleiche ist) dressiert.

Der Nintendo-Nerd Sawyer (Nathan Gamble) findet auf dem Weg zur Schule einen schwer verletzten, in Netze verwickelten Delfin am Strand. Fast ebenso wie vom Tier mit den klugen Augen ist er von der herbei eilenden, coolen Eingreiftruppe begeistert. Die hellblauen Helden der Meeresbiologie nehmen das gestrandete, bald Winter getaufte Säugetier mit zu ihrer heruntergekommenen Auffang-Station. Dort lernt Sawyer das gleichaltrige Mädchen Hazel kennen, ihre Familie kümmert sich um Tiere und Station. So viel Engagement ist selbstverständlich finanziell bedroht. Doch Saywer, der mit schulfrei belohnt wird, kümmert sich um Winter, deren Schwanzflosse amputiert wurde. Über den schwierig integrierten Handlungsstrang um Sawyers Cousin - der einstige Starschwimmer kommt als gehbehinderter Soldat aus dem Krieg - entwickelt der Junge die Idee, dem Delfin eine Prothese für die Flosse zu entwickeln...

Nach einer wahren Geschichte filetiert der Kinderfilm den Delfin für Unterhaltung und Rührung bis auf die letzte Gräte. Florida gibt den Hintergrund für dieses Kinderparadies am Meer. Dass Sawyer kaum von seinem Computerspiel aufblickt, bleibt kurz angedeutet und schnell gelöst, wie jedes andere Problem des kurzatmig effektheischenden Films. Die kleine Spannungs- und Erzählbögen könnte man als kindgerecht bezeichnen, doch da passen die zwei Stunden Lauflänge nicht zu. Die Rettung eines Delfins wird aufgelockert von vielen witzigen Einlagen wie dem Pelikan als Wachhund. Das digitale 3D-Getrickse geht (in wenigen Szenen) soweit, dass die Säuge-Tierchen sich selbst Luftringe ins Wasser blasen, durch die sie dann, gegen jedes Strömungsgesetz, schwimmen. Obwohl das Filmchen mit Morgan Freeman, Ashley Judd, Kris Kristofferson und Harry Connick jr. sehr, sehr prominent besetzt ist, scheitert die sympathische Begeisterung für ein paar andere Kreaturen auf dieser Erde an mangelndem Vertrauen auf die Kraft des einfachen Erzählens.

Rubbeldiekatz

2011-12-13T15:29:00.001+01:00

BRD 2011 Regie: Detlev Buck mit Matthias Schweighöfer, Alexandra Maria Lara, Detlev Buck 119 Min.

Mannomann, was für ein klasse Film! Oder besser: Mannofrau? Mann oder Frau, egal, die geniale Verwechslungskomödie „Rubbeldiekatz" rüttelt nicht nur die Geschlechter durch, auch das Genre erlebt eine frech, fröhlich, freie Runderneuerung. Buck eben, kann man anlässlich des grundlos zurückhaltenden Regie- und Schauspiel-Könners Detlev Buck sagen. Der kann so ziemlich alles, sogar Hitler privat gegen die Liebes-Wand laufen lassen. Und Tarantino sowieso...

Von „Viktor und Viktoria" (1933) bis „Tootsie" (1982) diente die Jobsuche immer als glaubhafter Einstieg eines unbedarften Schauspielers in zu hohe High Heels einer Frauenrolle. Diesmal erwischt es den Berliner Alex und wie Matthias Schweighöfer dessen Wandel zu Alexandra hinbekommt, ist erste Sahne!

Buck selbst spielt Alex' Bruder und Manager Jürgen Honk. Zusammen mit dem dritten Bruder Basti (Maximilian Brückner) und dem vierten Freund Jan (Denis Moschitto) hausen sie in einer Fabrikhalle und teilen sich sogar Teile der Geheimzahl ihres konstant blanken Kontos. So war auch die amateurhafte Website Jans schuld am Angebot einer großen amerikanischen Nazifilm-Produktion, die gerade in Babelsberg dreht. Der hysterische und egozentrische Regisseur ist nicht nur wegen des Telefonats mit Uma-Schätzchen als Quentin Tarantino erkennbar. Man sollte mal Diehl & Co. fragen, ob das große Regie-Kind wirklich so beschränkt ist.

Alex alias Alexandra alias Nazi-Lesbe Maria Schneider ist auf jeden Fall bald der Hit des Drehs und versteht sich vortrefflich mit dem großen Star Sarah Voss (Alexandra Maria Lara). Kein Wunder, waren die beiden doch noch in der Nacht vor Drehstart zusammen im Bett, allerdings als Mann und Frau. Die frisch unglücklich getrennte Sarah ahnt nichts. Alex hingegen muss die Avancen des männlichen Stars Thomas unterminieren und sich gleichzeitig als Alexandra der Attacken des sehr mit seiner Rolle und dem Schnurbart verwachsenen Hitler-Darstellers Jörg (Max Giermann aus „Switch Reloaded") erwehren. Nebenbei prügelt sich Jürgen Honk auf Film-Partys, der herrlich tuntige Kostümchef (Milan Peschel) freut sich heimlich, dass Alexandra doch was in der Hose hat, und die große Hollywood-Produktion wird wunderbar durch den Nazi-braunen Kakao gezogen: „Ohne Hitler wären die Amis nicht gekommen..."

Buck bringt's! Auf Basis eines Drehbuchs von Anika Decker („Keinohrhasen", „Zweiohrküken") legt er eine knallige Satire hin, eine wundervoll unkonventionelle Freundestruppe, eine klassische Verwechslungskomödie und - vor allem immer mehr zum Ende hin - eine schöne Liebesgeschichte. Dass die erste Kuschelsex-Nacht von Alex und Sarah mit einer märchenhaften Einlage vom Schwulenstrich im Tiergarten verschnitten wird, ist seine besondere Note. „Strangers in the Night" dazu auf der Tonspur ist bester Stil, genau wie all die anderen Hits. Typisch Buck sind auch die trockenen Knaller-Sprüche. Beispiel: „Das Problem mit der Mode ist, dass oben die Köpfe rausgucken." Das ist schon fast Oscar Wilde-genial, genau wie Alex's Abschiedsspruch für die Hollywood-Heinis, nachdem er seine Silikon-Einlagen losgeworden ist: „Ihr schafft es noch nicht mal, echte Titten von falschen zu unterscheiden!" Während die vielen schrägen Nebenfiguren den großen Spaß steigern, erweist sich Rehauge Alexandra Maria Lara in dieser Rolle halbwegs erträglich. Der Überflieger bleibt allerdings Matthias Schweighöfer („What a Man") als „Alex und Alexandra"! Ein Muss von A bis A!

Mission: Impossible - Phantom Protokoll

2011-12-13T12:08:00.001+01:00

USA 2011 (Mission: Impossible Ghost Protocol) Regie: Brad Bird mit Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg, Paula Patton 139 Min.

Man kann ja wirklich nicht mehr mit Büchsen in der Fußgänger-Zone für Scientology sammeln, deshalb war zu erwarten, dass Tom Cruise als Produzent und Hauptdarsteller noch mal das Konzept „Mission Impossible" bemühen würde. Doch schon der Vorspann stimmt irgendwie nicht, spart er sich doch das Erzählen und klebt wie ein Trailer wahllos Szenen hintereinander. Dann wird der Teaser gleich zweimal erzählt und auch sonst sieht Film 4 der neuen Kino-Serie nicht danach aus, als wenn jemand die auf Action-Terrain zeitweilig bemerkenswerten Vorgänger toppen wollte.

Budapest, Moskau, Dubai, Mumbai und Seattle sind die mäßig attraktiven Stationen, der Kreml fliegt in die Luft und mal wieder versucht ein Schurke (Michael Nyqvist als Kurt Hendricks), den Atomkrieg zu provozieren. Zwischen Pakistan und Indien? Israel attackiert den Iran? Nein, wie gehabt müssen die Russen herhalten. Das ist so altmodisch wie im Großen und Kleinen unglaubwürdig.

Auffällig dagegen, wie zweitrangig das Team an der Seite von Tom Cruise wirkt. Statt Actionhelden gibt es den komischen Techniker Benji Dunn (Simon Pegg) und den albernen Analytiker Brandt (Jeremy Renner), der sein tragisches Dilemma erst später nachgereicht bekommt. Dazu Jane (Paula Patton) fürs gute Aussehen. Nachdem sie ihr Frauenduell - selbstverständlich wegen des Mannes, den die Killerin mit dem Püppchen-Gesicht Moreau (Léa Seydoux) ihr nahm - ausgefochten ist, läuft sie auch nur noch mit. Tom Wilkinson, der in wenigen Minuten beeindruckt, ruft ein Kopfschuss früh aus dem Film ab.

Vor allem wenn Cruise in den Kreml eindringt, wähnt man sich im falschen Film: Wieso untergräbt das Agenten-Groupie Pegg die Spannung, weshalb hat man nicht wenigstens versucht, den alten Cruise mit der Coolness von früher auftreten zu lassen? Ethan Hunt überlässt viel Zeit zu vielen Assistenten, dabei geht erstaunlich viel schief.

Große Szenen - neben sich selbst auflösenden Tonbändern, das Markenzeichen von „Mission Impossible"? Da gäbe es einen Gefängnisaufstand samt -Ausbruch zu Dean Martin-Song. Am höchsten Hotel der Welt muss Hunt mit defekten Spiderman-Handschuhen rumklettern. Aber die Geschwindigkeit im Erzählen und in den Einzelszenen wirkt gebremst. Raffiniert sind ein riskanter Parallel-Deal mit doppeltem Hotelboden und die finale Action in einem futuristischen Parkhaus. Hier flammt kurz der Ideenreichtum asiatischer Action auf, hier denkt man wehmütig an John Woos MI2 zurück.

Für Masken ist keine Zeit, viel Raum bekommen oft gesponserte Technik-Spielereien, eine „enhanced" Kontaktlinse, die direkt alle Facebook-Mitglieder im alltäglichen Gewusel identifiziert, der Navi auf der Windschutz-Scheibe. Das meiste soll futuristisch Werbung machen, nur die Apple-Geräte sind in der aktuellen Version anscheinend cool genug. Irgendwie löst sich dieser Film noch während des Sehens im Nichts auf, wie einst die Tonbänder der alten TV-Serie. Da sehnt man sich tatsächlich nach der souveränen Klarheit der Spionagegeschichte „Dame, König, As, Spion" nach John le Carré. Die startet aber erst im Februar.

Let me in

2011-12-12T18:20:00.001+01:00

Großbritannien,USA 2010 (Let Me In) Regie: Matt Reeves mit Chloë Moretz, Kodi Smit-McPhee, Richard Jenkins 116 Min. FSK ab 16

„Wenn ihr uns beißt, bluten wir nicht?" Dieser bekannte Satz aus Shakespeares „Der Vampir von Venedig" kommt einem in den Sinn, wenn man nach all dem blutarmen „Twilight"-Gedöns so einen exzellenten, spannenden Kindervampir-Film sieht. Wohlgemerkt: Nicht Kinder-Vampirfilm! Die beiden Protagonisten, blasse Außenseiter aus unterschiedlichen Gründen, sind zwar erst 12 Jahre alt, doch die drastische Darstellung auch von Jugendgewalt eignet sich mit sinnvoller Freigabe frühestens ab 16. Matt Reeves' eigenständiges Remake des schwedischen Films „So finster die Nacht" - basierend auf einem Roman von John Ajvide Lindqvist („Menschenhafen") - erweist sich als Glücksfall in Sachen Film und als selten gelungene Bearbeitung.

Über das Fenster zum Hof beobachtet der zurückgezogene, ängstliche Owen (Kodi Smit-McPhee aus „The Road") seine sexy Nachbarin. Doch wirklich aufregend findet er das Mädchen, das nebenan einzieht: Trotz des Schnees läuft sie barfuß über den Innenhof. Dort werden sich die Gleichaltrigen öfter treffen, obwohl Abby (Chloë Moretz) direkt meint, sie könne nicht seine Freundin werden. Später wird sie dem Jungen, der von Mitschülern brutal misshandelt wird, wichtige Tipps geben. Er leiht ihr seinen Zauberwürfel „Rubik's Cube", von dem sie so fasziniert ist.

Nicht nur der Cube, auch Walk- und Pacman, sowie bekannte Hits und das stimmige Retrodesign machen klar, dass wir uns im winterlichen Los Alamos der Achtziger befinden. In einer Rückblende erlebten wir, wie sich der erwachsene Begleiter Abbys mit horrenden Verätzungen aus dem Krankenhausfenster stürzte. Das mysteriöse Ereignis klärt sich vollständig erst später auf, da sind wir schon völlig gefangen in der ungewöhnlichen Freundschaft zwischen Owen und Abby. Sie betont immer „Ich bin kein Mädchen". Was sich hinter dem ängstlichen, Hilfe geradezu erflehenden Gesicht verbirgt, haben wir schon kurz gesehen. Als ihr alter Helfer zu müde zum Blutbeschaffen wird, muss das Vampirmädchen selber jagen und beides ist nicht schön. Wer vom Twilight-Kitsch kommt, erlebt dass es nicht nett oder romantisch ist, Menschen leer zu saugen. In der faszinierenden Inszenierung vom Cloverfield-Regisseur Matt Reeves wandelt sich die - mehr oder weniger - Zwölfjährige Abby zum Tier mit eckigen Bewegungen, die an Japan-Horror erinnern. Dies ist mal kein Vampirfilm mit der Süßlichkeit von Lillifee!

Spannung wie bei Hitchcock. Das kalte, blaue Licht aus „Cloverfield". Immer wieder sagenhafte, atemberaubende Szenen. „Let me in" lässt das schwedische Original „So finster die Nacht" mit eigenständigen Varianten glatt vergessen - und auch das war schon ein hervorragender Film. Die Geschichte einer ungleichen Freundschaft gibt nicht nur der Nachtigall-Frage von „Romeo und Julia" eine ganz andere Bedeutung. (Wenn es tagt, droht der Vampir zu entflammen!) Exzellent fotografiert, sehr zurückhaltend in der Musik (Michael Giacchino) und von den jungen Darstellern glaubhaft gespielt, ist das Remake wesentlich drastischer in der Gewalt-Darstellung. Nebenbei hat Richard Jenkins einen großen, tragischen Auftritt als Abbys Helfer mit Blutfleck (sic!) und zerbrochenem Brillenglas im Gesicht. Eine TV-Rede von Reagan, die schwarz-weiß und extrem raffiniert in die Handlung reingespiegelt wird, gibt dem Ganzen auch noch eine politische Dimension. Kann Böses in Gutes gewandelt werden und geschieht dies nur auf religiösem Wege? Auf jeden Fall kann ein guter Film zu einem noch besseren werden...

Michel Petrucciani - Leben gegen die Zeit

2011-12-06T16:43:00.001+01:00

Frankreich, Italien, BRD 2011 (Michel Petrucciani) Regie: Michael Radford 103 Min. FSK: o.A.

Auch wer nicht mit der Jazz-Szene vertraut ist, hat in vielleicht mal bei Roger Willemsen in dessen Sendung gesehen: Michel Petrucciani (1962 - 1999) war ein genialer Pianist, der auf Pierre Lachaise neben Chopin begraben liegt. Obwohl er mit der Glasknochenkrankheit geboren wurde und nicht einmal ein Meter groß war, wollte er ein großer Pianist werden. Das Spielzeugpiano, das ihm der Vater, ein Musik- und Jazz-Fan, schenkte, zerschmetterte das Kind wütend. Er brach sich dauernd alle möglichen Knochen, auch später während seiner Konzerte, aber machte und spielte immer weiter.

Petrucciani wollte nie Zeit verlieren, in seiner Karriere, bei den Frauen und auch im ausschweifenden Genuss. Der Franzose lernte schnell Englisch, hatte mit 13 seinen ersten Auftritt, spielte mit dem berühmten Trompeter Clark Terry und zog 1982 nach Kalifornien zu Charles Lloyd. Die Karriere ist unvergleichlich, der Mensch dahinter faszinierend ambivalent. Selbstsicher bis zur Arroganz, jähzornig, eigenwillig, frauenverschleißend und genial. „My foolish Thing" wäre er als Jazz-Standard, meint er selbst. Vor seinem frühen Tod, an dem er selbst kräftig mitarbeitete, äußerte er seinen größten Wunsch: Am Strand spazieren mit einer Frau neben ihm!

Diese faszinierende Dokumentation über einen unglaublichen Menschen stammt von „Postino"-Regisseur Michael Radford. Roger Willemsen, den wir oft bei Interviews und als Freund sehen, hatte hinter den Kulissen auch großen Anteil an diesem sehr sehenswerten Film.

Habemus Papam - Ein Papst büxt aus

2011-12-06T13:45:00.000+01:00

Italien, Frankreich 2011 (Habemus Papam) Regie: Nanni Moretti mit Michel Piccoli, Jerzy Stuhr, Ulrich von Dobschütz, Nanni Moretti, Margherita Buy 104 Min. FSK o.A.

Wer Nanni Moretti, den Regisseur von „Der Italiener" (2006), „Das Zimmer meines Sohnes" (2001), „Aprile" (1998) und „Liebes Tagebuch..." (1993) kennt und mag, erwartet beim Thema Papst bitterböse Satire. Doch vielleicht ist Moretti zu sehr Italiener, vielleicht wollte er nicht wieder Erwartungen bedienen. Sein „Habemus Papam" fiel in Sachen aufgeklärter Kritik an der prähistorischen Institution Papst geradezu niedlich aus. Aber es ist trotzdem ein guter Film, nämlich im persönlichen Kampf des von Michel Piccoli gespielten Kandidaten um seinen Platz in der Welt.

Fast wie eine Dokumentation werden der Tod des Papstes und der Einzug der Kardinäle ins Konklave dargeboten. Die Berichterstattung übereifriger Society-Journalisten vom Roten Teppich wie bei den Oscars irritiert zwar etwas, doch dies deutet nur die seltsamen Einblicke an, die uns Moretti in die Welt der Konklave erlaubt. Wir dürfen beispielsweise bei den Wahlgängen in die Köpfe der Kirchenmänner horchen - keiner will es werden und bei allen bis auf einem hilft das Beten tatsächlich. Der französische Kardinal Melville (Michel Piccoli), ein stiller, freundlicher Herr wird es und ist völlig geschockt. Wie in Trance lässt er sich ins Ornat hüllen, doch zur Rede an das jubelnde Volk auf dem Balkon reicht es nicht mehr. Ein verzweifelter Schrei lässt die Stadt und das Erdenrund erstarren. Melville weiß nicht, ob er dieser Aufgabe gewachsen ist. Nun holt der umtriebige Pressesprecher (Jerzy Stuhr) Nanni Moretti als Psychologen ran, der den stellvertretenden Patienten sehr vertraulich unter den Augen aller immer noch im Konklave eingesperrten pinken Priester behandeln soll.

Zwar interpretiert der Atheist ihnen gewitzt die Bibel und Zeichen einer Depression. Doch Seele und Unbewusstes erweisen sich hartnäckig als unvereinbare Konzepte, der Papst nutzt einen Ausflug ausgerechnet zur geschiedenen Gattin und Kollegin des Psychologen zur Flucht und Nanni Moretti organisiert als Gefangener des Vatikans das Freizeitprogramm der Geistlichen. Samt Volleyball-WM für Kardinäle! Während die Scherzchen im Konklave, das Menscheln der von der Flucht ahnungslosen Soutanen-Träger zum niedlich netten Charakter des Films beitragen, spielt sich in den Gassen Roms ein wahres Charakterdrama ab. Tief verzweifelt trifft Melville auf eine wilde Theatertruppe, die Tschechows „Die Möwe" inszeniert, und findet in einer irren Wendung zu seinem Jugendtraum, dem Theaterspiel zurück. Doch während Melville auf der Bühne sein Glück findet, kommt der Klerus auf seine Spur...

Der hochintelligente linke Kritiker und Komödiant Nanni Moretti scheint auf den ersten Blick zahm geworden. Doch die Geschichte eines Menschen, der nicht weiß, welche Rolle er spielen soll, ist ungeheuer universal und darin vielleicht wichtiger als leicht gefundene Religionskritik. Michel Piccoli spielt großartig im Komischen und Verzweifelten, ist glaubhaft verzagt und schwach. Dafür dass Moretti seine Clownereien derweil im Vatikan einsperrt, darf man ihm zusätzlich dankbar sein.

Der Weihnachtsmuffel

2011-12-05T22:08:00.001+01:00

Großbritannien, 2009 (Nativity!) Regie: Debbie Isitt mit Martin Freeman, Marc Wootton, Jason Watkins, Ashley Jensen 105 Min. FSK o.A.

Ein frustrierter englischer Grundschullehrer, der eigentlich Schauspieler sein wollte, hat traumatische Erinnerungen an seine ehemalige Weihnachtsspieltruppe, weil ein Kollege an der Elite-Schule immer bessere Kritiken in der Lokalzeitung bekommt. Obwohl Weihnachtshasser, muss er noch mal mit unglaublich unfähigen Kindern ein Weihnachtsspiel inszenieren. Vor seinem Konkurrenten gibt er beim Weihnachtsbaum-Kauf an, Hollywood würde das Laientheater in 3D verfilmen. Die Geschichte verselbständigt sich und die Lüge animiert alle, über sich selbst hinauszuwachsen. Bis zum großen Finale, das tatsächlich 20 Minuten Krippenspiel-Musical über uns ausbreitet und einen Stern am Himmel erscheinen lässt: Den Helikopter aus Hollywood.
„Der Weihnachtsmuffel" ist ein verstaubter britischer Fernsehfilm, der in völlig unerklärlichem Mangel an tannennadel-verseuchten Themen vom Pandastorm-Verleih auf den Markt geworfen wurde. Weltweit ist das BBC-Filmchen nur an deutsche Kinos verkauft worden, DVD-Ausgaben erlebten nur Ungarn und die Niederlande. Sagt das was über die Qualität? Ja! Hier ist ein in Lumpen gehülltes, ärmliches Thema, dass auf den Erlöser auf Hollywood wartet.

The Help

2011-12-05T13:08:00.001+01:00

USA, Indien, Vereinigte Arabische Emirate 2011 (The Help) Regie: Tate Taylor mit Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain, Sissy Spacek 146 Minuten FSK o.A.

„The Help" erzählt die Erfolgsgeschichte eines Buches und ist gleichzeitig bewegender Lebensbericht. Der Ort: Jackson, Mississippi, die Stadt vom Cash-Song tief im Süden der USA. Die Zeit, 60er-Jahre, als man noch Zigaretten Kette rauchte und zu glauben wusste, dass "Schwarze andere Krankheiten übertragen". Die junge, rebellische Eugenia „Skeeter" Phelan (Emma Stone) will Autorin werden und findet in den Haushaltshilfen der reichen Weißen das ideale Sujet - nach Meinung der New Yorker Redakteurin. Vorerst bestreitet Skeeter in der lokalen Zeitung die Kolumne mit den Haushaltstipps, was auch eine gute Tarnung ist. Denn die Rassengesetze sind harsch und werden auf beiden Seiten ängstlich befolgt.

So gibt Aibileen (Viola Davis) anscheinend Tipps, traut sich aber immer mehr von ihrem Schicksal zu erzählen. Aber erst als die aufmüpfige, alte Minny Jackson die Erniedrigungen nicht mehr aushält, kommen genügend Geschichten zusammen. Die Emanzipation der rothaarig-wilden Skeeter als Tochter und Autorin ist Triebfeder in der Verfilmung des Romans „The Help" („Gute Geister") von Kathryn Stockett. Das satt gezeichnete Sittengemälde ist gleichzeitig ein entlarvendes Porträt der dekadenten weißen Gesellschaft. Da ist die Mutter ohne Interesse am eigenen Kind, denn gesellschaftliche Ereignisse wie die Bridge-Runden mit ihren Freundinnen sind wichtiger. Aber auch Hilly Holbrook (Bryce Dallas Howard), die rassistische, angepasste Altersgenossin Skeeters, die sich ausgerechnet als Wohltäterin aufspielen will. Sie ist der Teufel dieser Geschichten, in ihr sammelt sich der Rassismus, gegen sie wendet sich der Widerstand der unterdrückten Haushaltshilfen. Mal mit einer ekeligen Attacke, mal mit folgenreichen Druckfehlern bei einem Wohltätigkeits-Aufruft und vor allem mit der Anklage durch Skeeters Buch.

Im Herzen dieses - bei allem Unrecht - Wohlfühlfilms liegen die Schicksale der schwarzen Frauen, etwa das von Aibileen, die ihren Sohn verloren hat. Und da ist auch noch Skeeters eigenes, altes Kindermädchen Constantine, die nach 29 Jahren Dienst plötzlich verschwand. Sie hatte Eugenia großgezogen und ihr viele wichtige Dinge über das Leben beigebracht. Dann wurde die sehr weise Frau von Mutter Charlotte kaltherzig abgeschoben, weil sie einen snobistischen Hausfrauenverein („Töchter Amerikas"!) echauffiert hat. Sie gönnt Constantine nicht mal die Gnade, bis zum Lebensende weiter zu arbeiten. (Was selbst uns bald wieder per Gesetz garantiert wird.) Doch auch darüber lügt oder schweigt man, wie über vieles andere.

Was „The Help" vom Rassismus zeigt, ist traurig: Die Angestellten dürfen nicht auf die Toilette der Herrschaft im Haus, selbst wenn draußen vor ihrer Garten-Toilette ein Tornado wütet. Auch eine brutale Verhaftung mit den Schlägen der Polizei erschreckt. Alle Schwarzen erzählen von ihrer Angst vor dem Kuklux-Clan, der an ihre Häuser Feuer legt. Aber was wirklich und ungeschönt in dieser Zeit passierte, zeigt eher ab nächste Woche die Doku-Kompilation „The Black Power Mixtape 1965 - 1973" im Kino. „The Help" ist eine schön, eine hervorragend erzählte Geschichte, in der alles gut ausgeht. So wurde sie auch heftig als Schönfärberei angegriffen. Wer sich drauf einlässt, kann sich über exzellente Bilder, eine (im Original) reizvolle Sprache und tolle Schauspieler freuen. Sissy Spacek als Skeeters Großmutter ist eine böse, bissige Lachnummer. Jessica Chastain fällt schon wieder ganz anders positiv auf: Als Celia Foote ist sie die vom Zirkel frustrierter Hausfrauen Ausgestoßene, nicht besonders intelligente, die allerdings als einzige Hausherrin ein natürlich menschliches Verhältnis zum Personal zeigt.

Der gestiefelte Kater (2011)

2011-12-05T11:26:00.001+01:00

USA, 2011 (Puss in Boots) Regie: Chris Miller 90 Min. FSK o.A.

Kater entlaufen! Braunes Fell, Stiefel, Schwert und Hut. Bitte abzugeben bei Familie Shrek im Wald. Er ist klein und wird verlacht. Der gestiefelte Kater gilt als Ein- und Herzensbrecher, wird auch Katernova genannt. Rasant rasiert er seine Gegner mit dem Degen, seine Milch schlürft er noch schneller. Mitten im Westernland Mexiko reitet dieser einsame Räuber immer auf der Suche nach Gold. Als er die Zauberbohnen der schrecklichen Menschen Herr und Frau Jack und Jill klauen will, trifft er auf einen mysteriösen Gegner. Grandios das Duell mit dieser „Catwomen", die zuerst in mexikanischer Wrestling-Verkleidung auftritt. Die rasante die Verfolgungsrutscherei auf den Dächern des Dorfes endet in einem heißen Flamenco-Battle, das sehr an „West Side Story" erinnert.

Doch wie in großen Filmen erweist sich auch in diesem Zeichentrick für Kinder alles als abgekatertes Spiel: Hinter den legendären Zauberbohnen, die zur Gans mit den goldenen Eiern führt, steckt Katers Jugendfreund Humpty Alexander Dumpty! (Schon 1922 verkörpert von Stan Laurel, im Original gesprochen von Billy Bob Thornton, deutsch von einem nachnamenlosen Elton.)

Seiner verführerischen Konkurrentin erzählt der Gestiefelte die alte Geschichte von der gemeinsamen Kindheit im Waisenhaus. Damals schon war Kater ein furchtloser Kämpfer und Held. Humpty dagegen kam auf die schiefe Bahn, was schlecht ist, wenn man eine dünne Schale und darunter viel wabbeligen Eidotter hat. Beider Wege trennten sich, doch jetzt vereint sie die Suche. Wie der heilige Gral sollen die Goldenen Eier wieder alle(s) gut machen, zudem liefern sie noch einen Haufen deftiger Wortwitze für Erwachsene. Humptys geniale Erfindungen müssen es dabei mit einer futuristischen, von Wildschweinen gezogenen und mit Kanonen aufgerüsteten Kutsche aufnehmen.

Der Sidekick, die lustige Nebenfigur, bekommt einen eigenen Film - das kennt man, das passiert bestimmt auch noch mit Scat aus „Ice Age". Für den Kater aus „Shrek" ist dies ein „Prequel", wir erfahren, was vor seinem sensationellen Auftritt bei den grünen Riesen geschah. Die Rückblenden zu einer Kindheit im Waisenhaus von San Ricardo sind nicht wirklich so langweilig, dass man wie Kitty Softpaws einschläft.

Sie suchten Ärger und haben ihn oft gefunden - solch lässige Sprüche charakterisieren vor allem den Helden dieses gut gezeichneten Western, in dem die Tiere viel Charakter haben und Menschen die Klischees abbekommen. Einem Mieze-Zorro angemessen, erschüttern Mariachi-Melodien die Weite der Prärie. Im Stile Tarantinos zerschneiden Splitscreens das Bild wie Katers Degen die Unterhosen seiner Gegner. Während der komische spanis-lisspelnde Dialekt des Katers nicht an seine Originalstimme Antonio Banderas herankommt, wirkt Humpty über Elton sehr ver- und gleichzeitig angeschlagen.

Der erste Osterfilm der Saison bietet neben vielen Eier-Scherzen eine unterhaltsame, witzige Spielerei. Der anarchische Humor von Shrek ist völlig weg, der nicht nur mit seiner unwiderstehlichen Augennummer einschmeichelnde Kater legt alles Rebellische schnell ab. Das 3D läuft ohne beeindruckende Effekte ab. Die negative Folge ist, dass vor allem die Innenszenen sehr dunkel bleiben - die unbequemen Brillen fordern ihren Preis nicht nur an der Kasse. Auf der Basis der Märchen von Charles Perrault und der Brüder Grimm zeigt sich „Der gestiefelte Kater" fantastisch wenn auch nicht wirklich märchenhaft. Trotzdem ist es mit originellen Charakteren, mit viel Trick und Akrobatik ein großer Film für einen kleinen Kater.

Local Heroes - Filmemacher in und aus Aachen sowie drumherum

2011-11-30T21:28:00.001+01:00

Wo bitte geht es zum Film?

Was macht man und frau eigentlich, wenn es dem Schicksal gefiel, einen in diesen Westen der Republik zu versetzen und das Leben ohne Film nicht weitergehen soll? Zum Bahnhof und eine Fahrkarte an die Filmhochschulen von München oder Berlin lösen? Ganz einfach schnell werden wir diese Frage auch nicht beantworten können, aber wir fragen mal Menschen, die beim Film und auch aus Aachen sind. Und wenn sie schon mal da sind, zeigen wir auch die Filme dieser „Local Heroes". Den Anfang machen noch im Dezember 2011 Jan Krüger mit seinem brandaktuellen Drama „Auf der Suche" sowie Oliver Schwabe mit „Zärtliche Parasiten" als weitere Aachen Premiere. An drei Terminen (8., 16., 22.12.) zeigen wir zudem ältere und Kurz-Filme der beiden Regisseure. Außerdem gibt es einen exklusiven Auftritt der Band Tin Drum.

Local Heroes wird von Biografien, die vor der eigenen Haustür anfingen aus erster Hand erzählen. Wir wollen „uns" dabei nicht per Nabelschau mit Kamera selbst tolltolltoll finden. Bei erfolgreichem Start des neuen Film- und Gästereigens werden wir regelmäßig kompetente „Player" des Filmemachens einladen, um mit ihren neuesten und wichtigsten Werken Blicke hinter die Kulissen und auf unterschiedliche Wege zum Film zu werfen.

Dabei erweitern wir auch gerne den Blick auf mehrfache Cannes-Sieger in Lüttich (die Brüder Dardenne) oder Grimme Preis-Träger in Lontzen (Bernd Mosblech). Neben solch alten Löwen der gefährlichen Film-Savanne freuen wir uns auf den Nachwuchs. Ausgezeichnete Regisseure, Produzenten, Autoren, Schauspieler, Komponisten, Set-Designer und auch die Region selbst als Kulisse und Drehort - all das ist reichlich vorhanden und wartet auf eine geschlossene Präsentation. Wobei jeder Film nicht nur einfach abgespielt werden soll - die Kreativen werden ihre Werke begleiten und im Gespräch mit dem Publikum kommentieren. Dabei werden international anerkannte Künstler und Kreative mit ihren Anfängen in der Euregio ebenso vorgestellt wie aktuell in der Region Aktive. Die konzentrierte Darstellung kann der Szene einen Treffpunkt und eine Plattform für Austausch sowie zur Entwicklung neuer Projekte bieten.

Stoff gibt es genug: Ab dem 6. Dezember dreht Georg Maas mit Liv Ullmann in Norwegen dem Spielfilm „Zwei Leben", die Geschichte einer ehemaligen DDR Spionin, welche die Liebe ihres Lebens, ihre Familie und ihr ganzes Dasein in Norwegen auf einer gefälschten Identität aufgebaut hat. Der Kinofilm ist eine Co-Produktion von Zinnober Film (Aachen). Am 12. Januar 2012 startet bundesweit „Offroad" mit Nora Tschirner und Elyas M'Barek. Für den Dreh kehrte Elmar Fischer, der Regisseur von Fremder Freund 2010 in seine Heimatstadt Geilenkirchen zurück. In Afrika beschäftigt sich Bernd Mosblech für den abendfüllenden Dokumentarfilm „Der Löwe" mit dem „König der Tiere". In Basel werden Jan Rehwinkel und Axel Schumann die Premiere von „Das verlorene Paradies" feiern. Ein Film-Fest, für alle, die den Vorgänger „Die versunkene Stadt" in der faszinierenden Mischung aus Animation und Realfilm, aus Doku und Fiktion kennen. Es gibt viel zu sehen, laden wir sie ein....

Aachen, Eden 5, Franzstr.

Do, 8.12.: 20 Uhr
Aachen-Premiere von
„AUF DER SUCHE" (2011)
Anschließend Werkstattgespräch mit Jan Krüger

Fr, 16.12.: 18 Uhr
Kurzfilmprogramm
„VERFÜHRUNG VON ENGELN"
4 Kurzfilme von 2000 bis 2007,
3 davon mit Oliver Schwabe an der Kamera. Gesamtlänge ca. 70min
Anschließend Werkstattgespräch mit Oliver Schwabe und Jan Krüger;
danach ca. 21 Uhr: Spielfilm „RÜCKENWIND" (2009) von Jan Krüger

Do, 22.12.: 20 Uhr
Double Feature Aachen-Premiere von „ZARTE PARASITEN" (2010)
und „EGOSHOOTER" (2004) von Oliver Schwabe und Christian Becker.
Werkstattgespräch mit Oliver Schwabe und Christian Becker

CSI-Boxen

2011-11-30T10:57:00.001+01:00

Universum Film

TV-Krimi

Das Böse ist immer und überall ... Diese Kommissar-Weisheit von Falko kann man auf New York, Miami und Las Vegas konkretisieren, wo laut „CSI" Verbrechen besonders raffiniert stattfindet. Die Serie wuchert über verschiedene Ableger, haufenweise Sender und Sendeplätze. Gut, dass es die Folgen auch schön geordnet als DVD- und BluRay-Boxen gibt. Hier finden sich die unvermeidlichen Crossover-Folgen, eine unerlässliche Variante bei so heftiger Diversifizierung. (Wie einst bei Tatort-Opa Krug und den Ost-Kollegen vom Polizeiruf, liebe ältere Krimifans.) Prominente Darsteller wie Gary Sinise als New Yorker Detective Mac Taylor, in Las Vegas Laurence Fishburne als lässiger Dr. Raymond Langston und der mit einer Switch-Parodie geehrte David Caruso als Horatio Caine in Miami sind Aushängeschilder, werden aber kaum noch mit ihren Filmen identifiziert. (Wer war Pillen-Verkäufer in „Matrix"?) In Miami ist man bei Season 8 angekommen, CSI: NY bei Season 6 und in Las Vegas schon bei der 10. Staffel. Jeweils um die 1000 Minuten mit reichlich Boni sorgen für soviel Fernseh-Untersuchung, dass einem glatt der Weihnachtsbaum weggeklaut werden kann, ohne dass es der Krimi-Fan merkt. Vor allem bei den Navy-Varianten von CSI sollte man vielleicht öfter die Verbrechen der Soldaten in Einsatzländern wie Irak oder Afghanistan verfolgen. Aber was Serien-Unterhaltung angeht, steht diese Jerry Bruckheimer-Produktion an der Spitze der Kriminalität-Statistik.

Shark Night

2011-11-29T18:55:00.001+01:00

USA 2011 (Shark Night 3D) Regie: David R. Ellis mit Sara Paxton, Dustin Milligan, Chris Carmack 91 Min. FSK ab 16

Exploitation Filme nennt man billige Streifen, die simpel und billig ein paar niedere Triebe bedienen. Billig ist es nicht mehr, wenn man dem 3D-Hype aufsitzt, aber ansonsten liefert „Shark Night" genau, was der Titel verspricht: Ein paar knapp bekleidete, junge Menschen werden zu Fischfutter. Völlig überraschend im amerikanischen Studenten-Milieu angesiedelt, darf man wieder raten, wer den Ferien-Ausflug auf eine kleine Insel überlebt. In Konkurrenz zu den schützenswerten Killern der Meere treten die üblichen Hinterwäldler - in den Versionen debil und durchgedreht. Das Ganze wird realisiert mit Darstellern, bei denen man froh ist, dass sie nicht vor Stolz über ihre Rolle direkt in die Kamera schauen. Allerdings wird beim Sub-Genre mit den vielen Unterwasseraufnahmen die Brutalitätsschraube heftig angedreht: Hier übernimmt der Hai die Rolle von Freddy Krueger oder Jigsaw. Kein Wunder, denn der Regisseur David R. Ellis verantwortete schon „Final Destination 2 + 4", sowie den hochfliegenden „Snakes on a Plane" und die Produzenten beschmutzen sich die Hände mit dem Blut von „Hostel" und dem „Texas Chainsaw Massacre".

London Boulevard

2011-11-29T18:16:00.001+01:00

USA, Großbritannien 2010 (London Boulevard) Regie: William Monahan mit Colin Farrell, Keira Knightley, David Thewlis, Anna Friel, Ben Chaplin, Ray Winstone 107 Min. FSK ab 16

Gerade noch terrorisierte er als Vampir in „Fright Night" die Nachbarschaft, nun macht Colin Farrell den Bodyguard für Keira Knightley, die hier Charlotte heißt. Aber die wirklich große Nummer in diesem coolen Männerfilm ist David Thewlis als Charlottes Manager Jordan. Das Regiedebüt des Drehbuchautors William Monahan („Königreich der Himmel", „Departed") im Stile von Guy Ritchie und seinen satten Gangster-Komödien trifft genau zwischen die Augen und Ohren.

Mitchel (Colin Farrell) scheint ein grundanständiger Typ zu sein. Trotzdem wird er, kaum aus dem Knast, respektiert, in Gangster-Kreisen gar gefürchtet. Schnell tritt er ansehnlich im Anzug auf, kann sich aber auch äußerst brutal durchsetzen. Während er die noch freundlichen Angebote alter Kumpel ablehnt, nimmt er einen Job als Bodyguard an. Sein Objekt ist Charlotte (Keira Knightley), ein Star in sehr frühem Ruhestand, der zu Bob Dylan ein wenig malt und ansonsten versucht, den Paparazzi zu entkommen. Aber auch der Gangster-Boss Gant („Sexy Beast" Ray Winstone) will ihn haben und nebenbei noch die eindrucksvolle Autosammlung in Charlottes Garage (selbstverständlich mit E-Type neben dem Rolls). Auch wenn hier Leidenschaft ausbricht, ist dies nicht „Bodyguard". „London Boulevard" wird am Ende sehr hässlich. Nicht nur ist die Mischung aus Prominenz und Verbrechen hochexplosiv, auch der Kampf zwischen Gant und Mitchel geht bis in die letzte Runde.

Bei kräftigem Brit-Rock gelang William Monahan in seinem Regiedebüt ein exzellent gestylter Gangsterfilm (Kamera: Chris Menges!). Die Geschichte eines guten Kerls auf Abwegen zeigt richtige Charaktere mit Ecken und Kanten, etwas Seele gibt es auch dazu. Monahan zelebriert seine Nebenfiguren, grandios bei dem unter all seiner vollendeten Form noch äußerst gefährlichen Gangster Gant und vor allem bei David Thewlis mit der Attitüde einer verwelkten Film-Diva, der Weisheit eines spirituellen Lehrers und der Entschlossenheit einer abgefeuerten Kugel.

Aduni - Fremde Heimat

2011-11-29T12:03:00.001+01:00

BRD, Luxemburg 2011 Regie: Samira Radsi mit Irina Potapenko, Florian Lukas, Tilo Prückner 91 Min.

Zwischen den Kulturen - da findet man viele Filme. Einige gut, die Mehrzahl gut gemeint. Gut an diesem „Anduni" ist die Hauptdarstellerin Irina Potapenko und sind ein paar atmosphärische Momente. Der Rest ist wohlbekannt: Als der Vater der Studentin Belinda (Potapenko) stirbt, wird sie sich anlässlich des komödiantischen Chaos ihres armenisch-türkischen Familienclans ihrer Wurzeln bewusst. Die Beziehung mit dem verheimlichten deutschen Freund Manuel (Florian Lukas) läuft gerade nicht rund, weil der sich selbst verwirklichen will. Zwar funktionieren die Kuppelversuche der aufdringlichen Tante, die immer auf Familienbande pocht, auch nicht, doch Nachdenken ist deutlich ins Gesicht und in die Szenen geschrieben. Der nette Onkel Levon (Tilo Prückner) lässt Lebensweisheiten ab und deutet das türkische Massenmorden an den Armeniern an. Irgendwann kommt es, wie in diesen Filmen immer, zur gemeinsamen Reise nach Armenien, wo Belinda sich ein Stückchen selbst und am Berg Ararat auch die Liebe wiederfindet.

Selbstverständlich füllt der Film der TV-Regisseurin Samira Radsi auch noch viele Details des Immi-Lebens in Deutschland an, ist mit Kölner Beamten, die auch Untertitel brauchen, mal lustig. Doch mitreißen kann dieses Lamento, dem man nur ansieht, was es will, so gut wie nie. Jeder der alten Egoyan-Filme lässt diesen Schmerz viel stärker spüren, hier aber fehlt das Ganze, das mehr als die Summe der brav aufgezählten Lebens-Teile ist.

Jane Eyre

2011-11-29T11:26:00.001+01:00

Großbritannien, USA 2011 (Jane Eyre) Regie: Cary Joji Fukunaga mit Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell, Sally Hawkins, Judi Dench 121 Min. FSK ab 12

Man muss mal abergläubig auf das Holz des Bücherregals klopfen: Die Literaturverfilmungen der letzten Zeit verwöhnen die Kinogänger durchgehend. Dass Mel Gibson als Hamlet seinen Hintern hinhält, scheint endgültig überstanden. Mit „Bright Star - Meine Liebe. Ewig" zeigte Jane Campion die letzten Monate im Leben von Keats wie ein Gedicht von Keats. Andrea Arnold begeisterte in Cannes mit einer naturgewaltigen „Sturmhöhe" nach Emily Brontë. Nun „Jane Eyre" von der Schwester Charlotte Brontë, statisch gesehen sowieso immer in den Top 10 der Literaturverfilmungen.

Regisseur Cary Joji Fukunaga ist die erste Überraschung - überzeugte er doch mit der latein-amerikanischen Gangster-Geschichte „Sin Nombre", aber man würde ihm daraufhin nicht unbedingt einen Kostüm-Klassiker zutrauen, der 1847 erstmals veröffentlicht wurde. Zu unrecht, denn wenn Fukunaga die melodramatische Geschichte der Gouvernante Jane Eyre (Mia Wasikowska) auch chronologisch umkrempelt und gezwungenermaßen einkürzt, bleibt er dem Werk erstaunlich treu: Die völlig erschöpfte Frau, die sich im Haus ihres Retters Vikar St. John Rivers („Billy Elliot" Jamie Bell) als Jane Elliot ausgibt, erinnert sich an eine grausame Kindheit. Als unschuldiges Mädchen, das sich gegen Unrecht wehrt, wird sie von einer hartherzige und hinterhältigen Tante (herrlich gemein: Sally Hawkins) in ein düsteres Waisenhaus abgeschoben. Brutale Prügelstrafen und Erniedrigungen sind hier täglich Brot, Janes einzige Freundin stirbt unter den erbärmlichen Bedingungen.

Doch Jane überlebt - in rascher Zusammenfassung - diese harte Schule und wird als Gouvernante auf dem Herrensitz Thornfield Hall angestellt. Es wäre mit der Haushälterin Mrs. Fairfax (Judi Dench) fast ein freundliches Frauenhaus, wenn nicht der düstere Hausherr Edward Rochester (Michael Fassbender) immer mal wieder vorbei schauen würde. Aber in der neuen Gouvernante mit dem direkten Blick und der offene Sprache findet der grimmige, ältere Mann eine Seelenverwandte. Jane muss noch eine Weile auf den Heiratsantrag warten, aber dann kann auch das dunkle Geheimnis von Rochester für einen neuerlichen Schicksalsschlag sorgen.

Die neue „Jane Eyre" ist eine BBC-Produktion, doch das bedeutet nicht wie bei uns, wenn Fernsehen draufsteht, dass es meist minderwertig auf dem einen oder anderen oder gleich auf jedem Gebiet ist. Mit der jungen Australierin Mia Wasikowska, die perfekt unauffällig faszinierend wirkt, als Hauptdarstellerin eines sehr eindrucksvollen Casts passt alles in diesem Rahmen der Roman-Verfilmung. Man schwelgt neugierig in dessen (extrem guten) Bildern, in den Räumen, in den Gesichtern und den Leben. Die Geistergeschichte entfaltet ihre Wirkung (mit genial eingesetzten kargen Licht), ein paar Schreckmomente dürfen auch sein. Wieder brilliert Michael Fassbender. Nach der Rolle des C.G. Jung in Cronenbergs „Eine gefährliche Methode" pflegt er hier das verbitterte Selbstmitleid Rochesters und man darf durchaus im gleichen Satz erwähnen, dass der große Orson Welles diese Rolle einst spielte. Diese „Jane Eyre" kann man sich - nicht nur für den Englischunterricht - merken, genau wie den Namen Cary Joji Fukunaga.

In Time – Deine Zeit läuft ab

2011-11-29T10:43:00.001+01:00

USA 2011 (In Time) Regie: Andrew Niccol mit Amanda Seyfried, Justin Timberlake, Cillian Murphy, Vincent Kartheiser, Olivia Wilde 109 Min.

Zeit ist Geld! Dieser meist falsch verstandene Spruch wurde in der Zukunftswelt von „In Time" so kurzgeschlossen, dass Zeit direkt zur Währung wird. Lebenszeit wohlgemerkt! Das oft gehörte „Keine Zeit fürs Frühstück" heißt hier ganz einfach, keine Geld-Minuten, um Kaffee und Brot zu bezahlen. Eine Busfahrt kostet zwei Stunden, die Strecke zu Fuß gehen, würde zwei Stunden dauern. Das hört sich gerecht an, aber eine unverschämte Inflation lässt den armen Menschen nichts zum Leben übrig. „Ich habe keine Zeit mehr" wird existenziell, die Straßen sind mit Leichen gepflastert. Abgerechnet wird nicht mehr futuristisch über das Handy, sondern direkt aus dem Zeit-Konto einer in den Arm implantieren Digitaluhr. Dabei könnte es das Paradies sein: Die Körper hören mit 25 auf zu altern, alle bleiben gleich alt, doch die Lebens-Zeit läuft weiter. Wenn die Countdown-Uhr zum 25. startet, ist es für alle ein Schock. Sie versichern sich im Spiegel ihrer nun endlichen Existenz.

Will Salas (Justin Timberlake) gehört zu den armen Menschen im Getto Dayton. Er lebt von der Hand im Mund - selten zeigt seine Lebensuhr mehr als einen Tag Restguthaben an. Nachdem er in der raschen Erzählung einem uralten und lebensmüden Zeit-Millionär ein letztes Mal das Leben rettete und seine Mutter nicht mehr rechtzeitig ihr Guthaben aufladen konnte, dringt Will mit Hilfe eines Zeitgeschenks in New Greenwich, die heftig gesicherte Zeitzone (sic!) der Reichen ein. Denn wie im guten Science Fiction seit H. G. Wells' „Zeitmachine" gibt es die Elois und Morlocks, gibt es eine Unter- und Oberwelt. Die dekadente Gesellschaft dort pokert mit Lebensjahren. Das wirkt besonders pervers - und sehr spannend, wenn Will alles auf die letzte Sekunde setzt. Schnell erwischen ihn die bedrohlichen Zeitjäger, doch mit Sylvia (Amanda Seyfried), Tochter des millionenschweren Konzernchefs Weis, flieht er zurück ins Getto, wo wieder die Regeln des Survival of the fittest herrschen. Die verwöhnte Göre findet Spaß am rauen Typen sowie am Bonnie und Clyde-Spiel, denn die beiden machen bald auf Robin Hood und kämpfen gegen das System.

„In Time" fesselt mit einer hervorragenden Sci Fi-Geschichte, bei der man gar nicht glauben will, dass sie mal nicht von Philip K. Dick geschrieben wurde. Autor Andrew Niccol ist verantwortlich und auch der perfekte Regisseur, konnte er doch schon bei „S1m0ne" (2002) und „Gattaca" (1997) mit glaubwürdigen Zukunfts-Atmosphären überzeugen. Der Unterschied und die Ausbeutung zwischen den Zeitzonen thematisieren treffend die sozialen Diskrepanzen unserer Gegenwart: Die Reichen bekommen immer mehr Zeit, die Armen sterben. Bei Widerstand drohen die Machthaber mit Systemversagen, doch die Menschen verlassen schließlich ihr Gefängnis wie beim Fall der Mauer in Berlin.

Justin Timberlake spielt dabei ganz anständig einen Messias, der eine neue Zeitrechnung einführt, nicht nur nimmt, sondern gibt. Aber vor allem Cillian Murphy („The Wind That Shakes the Barley", 2006) ist großartig gefährlich und mysteriös als Zeitjäger Raymond Leon. Außerdem glänzt „In Time" mit Retroautos wie Jaguar E-Type und Citroen DS, auf Partys läuft Nouvelle Vague, der Soundtrack von Craig Armstrong will Blade Runner-Erinnerungen hervorrufen. Die (in der Originalfassung) guten Dialoge erfreuen konstant mit Zeit-Wortspielen. Der Film ist seine Laufzeit wert!

Breaking Dawn - Bis(s) zum Ende der Nacht (Teil 1)

2011-11-23T16:06:00.000+01:00

Biss 4 1/2

Nach vielen Schmerzen ist die Verwandlung abgeschlossen, ein neues Wesen tritt in die Welt: Darth Vader wird am Ende von Episode 3 zum Schalentier, das „Star Wars" geprägt hat! Oops - falscher Film, man kann aber auch durcheinanderkommen bei den vielen verlängerten Enden im aktuellen Kino. Also, nach vielen Schmerzen ist die Verwandlung abgeschlossen, ein neues Wesen tritt in die Welt, Bella öffnet ihre Augen und rote Pupillen verraten: Ich will Blut, Menschenblut!

Bis es dazu kommt, ist „Biss 4 1/2" allerdings fast eine Stunde lang ein Heiratsfilmchen mit ganz, ganz viel Schmalz und ohne eine Spur von Hämoglobin. Die Kamera ist vor lauter Glück zwischen Edward und Bella so trunken, sie hört gar nicht mehr auf zu kreisen. Echte Männer sagen da längst wie Werwolf und Zweitliebhaber Jake: „Ich weiß, wie das endet und ich werde nicht hier bleiben und zusehen!"

Ein reiner Frauenfilm, wenn nicht der Bräutigam vor der Hochzeit gestehen würde, dass er früher, als noch James Whales „Frankensteins Braut" im Kino lief, massig Massenmörder leer gesaugt hat. Und wenn nicht ein schön schrecklicher Albtraum in weiß und Blut mit den Volturi und einer Menge Leichen Schlimmes voraus deutete. Doch erst muss der Nicht-Fan eine Hochzeitsreise mit Traumurlaubsbildern durchstehen, die nur von den unerträglich kitschigen Musik untertroffen wird. (Im Saal fließen schon Tränchen...) Dazu unendlich viel Gerede, denn dass der Mann beim Sex zum bissigen Tier wird, ist hier mal nicht erwünscht. Obwohl, Sex ist hier wieder in kindergartentauglicher Form dargeboten. So wundert man sich eher, dass Bella überhaupt schwanger ist, als dass der kleine Vampir in ihr lebensgefährlich rasant heranwächst.

Bislang wurde die Zeit für einen zweiten Teil gestreckt, es dauert fast eine Stunde, bis das Drama beginnt und dann ein Jahr bis es mit dem zweiten Teil 4 im Kino beendet wird - Vampirtempo halt. Jetzt überstürzt sich alles, eine ins Mythische übertragene, aber ansonsten veritable Abtreibungsdiskussion beginnt, bei der Männer den Frauen sagen wollen, was zu tun ist. Gleichzeitig bricht die Vereinigung von Mensch und Vampir den Waffenstillstand zwischen Saugern und werwölfischen Beißern. So belauern die immer noch furchtbar schlecht animierten Zotteltiere das Glashaus, in dem die Vampirfamilie völlig ausgehungert um Bellas Leben bangt. Jake gibt den Doppelagenten und ein komplexes Finale um Leben und Sterben, um das weibliche und das vampirische Lebengeben, sowie um den Kampf zwischen höheren Wesen und den Tieren (den Edel-Designern des Hauses Cullen und den Proletariern vom Stamme Wolf) endet enttäuschend mit einem Deus ex machina namens Prägung.

Das geriet immer mal wieder lustig, wenn die blasse Verwandtschaft mit leichter Hand den Hochzeitspavillon aufbaut und man über alte Feindschaften schmunzelt - man stellt sich zwischendurch die entsprechende Situation zwischen übermäßig siedelnden Zionisten und ebenso militanten Palästinensern vor. Aber „Biss 4 1/2" ist Lichtjahre davon entfernt, sarkastisch zu sein. Bis zur Diskussion über Kindernamen bedient er sein weibliches Zielpublikum, verbrämt unglaublich altbacken die Angst vor der „ersten Nacht" und transponiert auch andere, durchaus brisante Themen in den Kosmos alter bekannter Fangzahn-Nutzer. Dass dies wenigstens in der zweiten Hälfte der ersten Hälfte vom vierten Teil noch ganz gut unterhält, ist Planerfüllung. Der Stachel wurde vorher mit einem kleinen Film in Film gesetzt: „Frankensteins Braut" verweist auf das Meisterwerk „Gods and Monsters" des Biss-Regisseurs Bill Condon, gegen den dies alles nicht nur ein bisschen blutleer bleibt.

Die Mühle und das Kreuz

2011-11-23T10:27:00.001+01:00

Schweden, Polen 2011 (The mill and the cross / Mlyn i krzyz) Regie: Lech Majewski mit Rutger Hauer, Michael York, Charlotte Rampling 95 Min. FSK ab 12

Der Kummer von Flandern, Teil 2

Das Bild als Geschichte - wie es Greenaway mit der Nachtwache machte, wird hier „Die Kreuztragung Christi" von Pieter Brueghel dem Älteren, entstanden 1564 in Flandern, wieder ins Leben gerufen. (Oder in eine neue Kunstform transformiert.) Aus den hunderten Figuren der Gemälde-Totalen pickt sich Lech Majewski2, ein polnischer Künstler, der bereits vom MOMA in New York ausgezeichnet wurde, einige Menschen heraus.

Es ist der Tag des Gemäldes, in dem auch der Maler, gespielt von der niederländischen Legende Rutger Hauer („Blade Runner") herumwandelt. Der Alltag bei den Brueghels beginnt mit einer Vielzahl von Kindern, die sich aus den dicken Deckbetten schälen. Holzfäller schlagen den Baum für das Kreuz. Komisch wirkt das durch den Wald gerollte Rad, das später grausames Folterinstrument wird. Denn spanische Inquisitoren mit roten Mänteln verbreiten reitend Terror im Land. Im Hintergrund mal echte, karstige Landschaften, mal auf riesiger Leinwand die Grundierung des Gemäldes. Dabei schafft Majewski selbst immer wieder faszinierend Visionen, etwa indem er zu der hoch auf einem kahlen Berge stehende Windmühle das tief im Gestein liegenden Räderwerk (der Welt) belebt. Einige Bilder haben die nachhaltige Wirkkraft guter Gemälde, die ganze Komposition saugt in das große Zeitbild, das bis in kleinste Details historisch nachfühlbar und glaubwürdig nachgestellt wurde. Nur drei Figuren sprechen, neben Brueghel auch Michael York als Kunstsammler Nicholas Jonghelinck und Vanessa Redgrave als klagende Maria. „Die Mühle und das Kreuz" erzählt Geschichten und Geschichte eines Bildes auf faszinierende Weise, bei der die Grausamkeiten der Zeit ebenso wenig ausgespart werden wie einfache Freuden. Gleichzeitig ist das Meisterwerk eine spannende, auf einem Buch von Michael Francis Gibson basierende Bildinterpretation, die immer wieder von Stillleben der Figuren unterstützt wird.

Bullhead

2011-11-22T18:27:00.001+01:00

Belgien, Niederlande 2011 (Rundskop) Regie: Michaël R. Roskam mit Matthias Schoenaerts, Jeroen Perceval, Jeanne Dandoy, Barbara Sarafian 129 Min. FSK ab 16

Der Kummer von Flandern, Teil 1

Der belgische Oscar-Kandidat ist ein moderner Heimatfilm: So flämisch, dass es niederländische Untertitel braucht. So dunkel, dass man gerne pharmazeutische Aufheller hätte. Wenn man nicht danach nie wieder was von illegalen Mitteln wallonischer Apotheker wissen will. „Bullhead" erzählt von der Hormon-Mafia in Belgisch-Limburg, die zu neugierige Polizisten umbringt. Und von Jacky Vanmarsenille (Matthias Schoenaerts), einem Bauern, der mittendrin steckt. Als dessen Limburger Gang Kontakte mit ähnlich gelagerten Kriminellen aus Ost-Flandern aufnimmt, treffen sich zwei alte Bekannte mit besonders düsterer Vergangenheit. Was vor zwanzig Jahren passierte, zeigt eine Rückblende und stellt Belgien in Erinnerung an Dutroux und die „Bende van Nijvel" wieder als Brutalistan dar. Ein extrem brutaler flämisch-wallonischer Kinderkrieg an der Sprachgrenze zerschmettert ein Leben und führt zu einem unlösbaren Zwiespalt zwischen Rache und Leidenschaft.

Die Helden in „Bullhead" sind Tiere, die Tiere sind Opfer. Irgendwie bekommen sie die gleichen Wachstumshormone, was wohl auch ihre Intelligenz nivelliert. Das könnte komisch werden, ist aber tragisch ernst. Auch weil das flämische Drama auf beeindruckende Weise Krimi und persönliches Drama verknüpft. Da gibt es Zeitlupen im Leone-Stil bei großen Momenten, depperte Autodiebe aus Lüttich für ein wenig „comic relief", eine Steilvorlage für alle, die gerne Gotteslästerung rufen, und in einem magischen Geburtsmoment sogar etwas vom Flandern des Bruno Dumont. So ist „Bullhead" verständlicherweise seit seiner Premiere in Cannes 2010 im Gespräch - auch als heißer Oscar-Kandidat.

30 Minuten oder weniger

2011-11-22T14:56:00.001+01:00

USA 2011 (30 Minutes or less) Regie: Ruben Fleischer mit Jesse Eisenberg, Danny McBride, Aziz Ansari 83 Min. FSK: ab 16

Nach der flotten und witzigen Horror-Parodie „Zombieland" (2009) liefert Regisseur Ruben Fleischer ein gleich mehrfach misslungenes B-Filmchen ab, die Gauner-Komödie sein will. Immerhin ein interessantes Studienobjekt zu Einigem, das beim Filmen schief gehen kann. Die Grundidee ist ok: Rasender Pizzabote Nick (Jesse Eisenberg) wird von zwei Idioten unter Affenmasken überwältigt und wacht mit einer „Bomben-Jacke" auf. Es habe zehn Stunden, um 100.000 Dollar aufzutreiben, ansonsten macht es Bumm! Außerdem würde man ihn genau im Auge behalten. Nun versöhnt sich Nick erst mit seinem Freund, verabschiedet sich dann von dessen Schwester, in die er verliebt ist, klaut ein Auto, holt etwas zu essen und beraubt eine Bank. Erst bei der Übergabe der Beute an einen Killer (welcher eigentlich den Vater eines der Affen ermorden soll) geht es schief, denn auch Nick findet wohl, dass die Situation nicht wirklich bedrohlich, der Film überhaupt nicht spannend und auch nur selten lustig ist.

Wenn sich einige Leute dämlich kriminell und auch kriminell dämlich verhalten, ist dies längst noch kein „Fargo". Dazu müsste man vielleicht die Figuren besser besetzen. Wenn man eine Stunde nach dem Film die große Liebe und den besten Freund des Helden nicht mehr erinnern kann, stimmt da was nicht. Emma Stone aus „Zombieland" zum Beispiel erkennt man seitdem immer wieder. Jesse Eisenberg, der prinzipiell melancholisch und minimal intelligenter aussieht, als sich seine Figuren verhalten müssen, dient hier nur als Markenzeichen für zottige Blödelfilme. Diesmal sind selbst pure Slapstick-Figuren wie Fred Ward als zu ermordender Idioten-Vater mit militärischer Deformation verschenkt. Man denke nur kurz an John Goodman, Steve Buscemi oder John Turturro in „The Big Lebowski". Doch die Meßlatte muss gar nicht auf Coen-Höhe liegen, etwas Spaß und Spannung hätten gereicht - Fehlanzeige. Seltsam mechanisch funktionieren nur die Verfolgungs-Szenen mit eingebauter Verschrottung: Das ist Realismus pur, der Raser-Wahnsinn auf unseren Straßen findet nicht wegen Räuber und Gendarm statt. Piazza-Service oder Paket-Dienst verpulvern Verkehrsregeln und die Sicherheit auf den Straßen.

Der Gott des Gemetzels

2011-11-21T09:23:00.001+01:00

Frankreich 2011 (Carnage) Regie: Roman Polanski mit Christopher Waltz, Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly 79 Min.

Hinter dem wunderbar ironischen Titel „Gott des Gemetzels" verbirgt sich eine herrliche Gesellschaftskomödie. Roman Polanskis Kammer-Quartett mit zwei New Yorker Elternpaaren, die zivilisiert die Prügelei ihrer Söhne klären wollen, ist schon ein unterhaltsamer Lacherfolg, noch bevor bei fortschreitender Entwicklung unter Alkoholeinfluss die letzten Masken fielen. Christopher Waltz spielt mit wenig zurückhaltender Ironie seiner aalglatten Anwaltsfigur tatsächlich etablierte Weltstars wie Jodie Foster, Kate Winslet und John C. Reilly an die fein dekorierte Wand (Produktions-Design: Dean Tavoularis).

Das zugrunde liegende Theaterstück von Yasmina Reza lässt unterschiedliche Charaktere aufeinanderprallen und zurückgehaltene Wahrheiten entgleiten. Obwohl die Eltern des „Täters", Nancy und Alan (Winslet, Waltz), eigentlich schon aus der Tür raus sind, will man noch einen Kaffee trinken. Dazu gibt es selbstgemachten Kuchen von Penelope (Foster) und Streit. Kleine Spitzen schleichen sich in die bemüht freundlichen Sätze, die Masken des zivilisierten Umgangs verrutschen zusehends, obwohl Michael (Reilly) geradezu mitleiderregend um Ausgleich bemüht ist. War der Stock, der zwei Zähne kostete, eine Waffe? Und hat das Kind von Nancy und Alan vielleicht echte Probleme? Alan sagt geradeheraus, sein Sohn sei ein Verrückter, dem könne man nicht helfen. Aber Formulierungen eines absichtlichen Angriffs verbittet er sich, wenn es sein Handy erlaubt. Denn parallel muss der Anwalt die Krise eines Pharma-Unternehmens managen, deren Blutdruck-Medikament ein paar Opfer zuviel gefordert hat. Dass ausgerechnet Michaels Mutter dieses Medikament nimmt, gehört zu den vielen humoristischen Volltreffern des Skripts. Ein Knaller ist es auch, wenn Nancy in hohem Bogen auf Penelopes geliebte Teatable-Kunstbücher kotzt. War Penelopes Kuchen schuld? Aber keine Angst: Kotzen auf Kokoschka ist neben dem grunzenden Lachen von Waltz ein seltener Moment groben Humors in diesem gefährlichen Feld scharfer Wort-Spitzen. Zuerst bricht die Solidarität der Ehepartner auf, dann sorgt ein alter Scotch für einen Männerbund und alle verbünden sich gegen Alan als sein Handy endlich in der Blumenvase versenkt wird.

Ob wir tatsächlich alle Tiere oder Egoisten sind und ob Männer sich auf den John Wayne-Typus reduzieren lassen, bleibt offen und diskutabel. Derweil macht diese überraschende Enthüllung wahrer Persönlichkeitszüge durchgehend viel Spaß. Der neue Polanski ist fast ein Woody Allen. Bei diesem humorigen Quartett-Spiel stellt sich selbstverständlich die Frage, wer wen sticht. Bei den Figuren darf jeder mal jeden. Bei den Schauspielern erweist sich Waltz als eindeutiges As - vielleicht auch, weil er wieder das Aas spielt. Die Rolle des fiesen Zynikers gibt ihm die besten Karten, doch wie er mit kleinen Gesten, mit nur einer Bewegung des Fingers Pointen setzt, ist großartig. Betrunken spielt er noch viel besser als die anderen. Jodie Foster bleibt dagegen leider insgesamt unter ihrem Vermögen. Ihre Hysterie wirkt gezwungen, während Winslet den Typ eines frustrierten Edelweibchens sehr schon den Bach runter gehen lasst. Das „Gemetzel" belohnt kurz und kurzweilig mit intelligentem Spaß und unaufdringlicher Reflektion über das wahre Wesen des Menschen.

ghj: Breaking Dawn - Bis(s) zum Ende der Nacht (Teil 1)

2011-11-20T20:37:00.000+01:00

*** eine ghj-kritik **************************************

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Breaking Dawn - Bis(s) zum Ende der Nacht (Teil 1)

Biss 4 1/2

Nach vielen Schmerzen ist die Verwandlung abgeschlossen, ein neues Wesen tritt in die Welt: Darth Vader wird am Ende von Episode 3 zum Schalentier, das „Star Wars" geprägt hat! Oops - falscher Film, man kann aber auch durcheinanderkommen bei den vielen verlängerten Enden im aktuellen Kino. Also, nach vielen Schmerzen ist die Verwandlung abgeschlossen, ein neues Wesen tritt in die Welt, Bella öffnet ihre Augen und rote Pupillen verraten: Ich will Blut, Menschenblut!

Bis es dazu kommt, ist „Biss 4 1/2" allerdings fast eine Stunde lang ein Heiratsfilmchen mit ganz, ganz viel Schmalz und ohne eine Spur von Hämoglobin. Die Kamera ist vor lauter Glück zwischen Edward und Bella so trunken, sie hört gar nicht mehr auf zu kreisen. Echte Männer sagen da längst wie Werwolf und Zweitliebhaber Jake: „Ich weiß, wie das endet und ich werde nicht hier bleiben und zusehen!"

Ein reiner Frauenfilm, wenn nicht der Bräutigam vor der Hochzeit gestehen würde, dass er früher, als noch James Whales „Frankensteins Braut" im Kino lief, massig Massenmörder leer gesaugt hat. Und wenn nicht ein schön schrecklicher Albtraum in weiß und Blut mit den Volturi und einer Menge Leichen Schlimmes voraus deutete. Doch erst muss der Nicht-Fan eine Hochzeitsreise mit Traumurlaubsbildern durchstehen, die nur von den unerträglich kitschigen Musik untertroffen wird. (Im Saal fließen schon Tränchen...) Dazu unendlich viel Gerede, denn dass der Mann beim Sex zum bissigen Tier wird, ist hier mal nicht erwünscht. Obwohl, Sex ist hier wieder in kindergartentauglicher Form dargeboten. So wundert man sich eher, dass Bella überhaupt schwanger ist, als dass der kleine Vampir in ihr lebensgefährlich rasant heranwächst.

Bislang wurde die Zeit für einen zweiten Teil gestreckt, es dauert fast eine Stunde, bis das Drama beginnt und dann ein Jahr bis es mit dem zweiten Teil 4 im Kino beendet wird - Vampirtempo halt. Jetzt überstürzt sich alles, eine ins Mythische übertragene, aber ansonsten veritable Abtreibungsdiskussion beginnt, bei der Männer den Frauen sagen wollen, was zu tun ist. Gleichzeitig bricht die Vereinigung von Mensch und Vampir den Waffenstillstand zwischen Saugern und werwölfischen Beißern. So belauern die immer noch furchtbar schlecht animierten Zotteltiere das Glashaus, in dem die Vampirfamilie völlig ausgehungert um Bellas Leben bangt. Jake gibt den Doppelagenten und ein komplexes Finale um Leben und Sterben, um das weibliche und das vampirische Lebengeben, sowie um den Kampf zwischen höheren Wesen und den Tieren (den Edel-Designern des Hauses Cullen und den Proletariern vom Stamme Wolf) endet enttäuschend mit einem Deus ex machina namens Prägung.

Das geriet immer mal wieder lustig, wenn die blasse Verwandtschaft mit leichter Hand den Hochzeitspavillon aufbaut und man über alte Feindschaften schmunzelt - man stellt sich zwischendurch die entsprechende Situation zwischen übermäßig siedelnden Zionisten und ebenso militanten Palästinensern vor. Aber „Biss 4 1/2" ist Lichtjahre davon entfernt, sarkastisch zu sein. Bis zur Diskussion über Kindernamen bedient er sein weibliches Zielpublikum, verbrämt unglaublich altbacken die Angst vor der „ersten Nacht" und transponiert auch andere, durchaus brisante Themen in den Kosmos alter bekannter Fangzahn-Nutzer. Dass dies wenigstens in der zweiten Hälfte der ersten Hälfte vom vierten Teil noch ganz gut unterhält, ist Planerfüllung. Der Stachel wurde vorher mit einem kleinen Film in Film gesetzt: „Frankensteins Braut" verweist auf das Meisterwerk „Gods and Monsters" des Biss-Regisseurs Bill Condon, gegen den dies alles nicht nur ein bisschen blutleer bleibt.

Günter H. Jekubzik * guenter@jekubzik.de

Breaking Dawn - Bis(s) zum Ende der Nacht (Teil 1)

2011-11-20T20:32:00.001+01:00

Submarine

2011-11-15T20:21:00.001+01:00

Großbritannien, USA 2010 (Submarine) Regie: Richard Ayoade mit Craig Roberts, Yasmin Paige, Sally Hawkins, Noah Taylor, Paddy Considine 97 Min. FSK ab 12

Als Jugendlicher hat man's schwer: Nicht nur muss man die Gratwanderung zwischen Außenseiter und Schul-Bully meistern, auch gilt es, die Ehe der Eltern zusammen zu halten. Oliver Tate (Craig Roberts) kontrolliert dafür regelmäßig den Dimmer im heimischen Schlafzimmer - zu seinem Entsetzen ist das Licht immer viel zu hell für gesunde Ehehygiene. Färbt der skurrile Kauz Oliver auf den Film ab oder umgekehrt? Auf jeden Fall ist sind beide sehr vergnüglich. Mal stellt der walisische Teenager sich seinen Tod vor, samt Kerzen, Trauerparade und TV-Reportage. Zwischen durch gibt der Tagträumer mit Blick in die Kamera schon mal Tipps, wie man nicht gehänselt wird. Was ihm gut gelingt, bis er Jordana Bevan (Yasmin Paige) näher kommt. Zuerst gibt es in dieser besonderen Beziehung ein Kuss auf Polaroid, um ihren Ex-Freund eifersüchtig zu machen. Dann beeindruckt Oliver sie doch nachhaltig mit seinem Heldentum. Eine Romanze spielt sich vor betont unromantischen Hintergründen etwa von Hafenanlagen ab. Statt Aufklärung vom Vater gibt es eine Kassette mit Kuschel-Musik. Dann verwandelt Oliver seine Eindrücke direkt in eine Super8-Erinnerungssequenz. Klingt albern, funktioniert aber trotzdem. Doch seine Eltern sind noch seltsamer als er. Der ungelenke Vater, ein depressiver Meeresbiologe, weiß nicht, wohin mit seinen Händen. Als gibt er eine von ihnen immer seinem Sohn zum Schütteln. Die Mutter (wieder schrill: Sally Hawkins) lässt sich mit Stichworten aus ihrem Buch über gestörte Jugendliche gekonnt beschäftigen, doch irgendwann zieht ihre Jugendliebe, ein alberner Esoteriker, ins Nebenhaus. Nun muss Oliver sich entscheiden, ob er mit zu Jordanas Mutter ins Krankenhaus kommt oder die Ehe der Eltern zu retten versucht...

Schöne Bilder, tolle Musik, origineller Schnitt, der auch mal in voller Aktion stoppt. Richard Ayoade zieht in seiner ersten Kinoregie alle Register einer humorigen und gefühlvollen Komödie mit Tiefgang. Oliver ist eine alberne Figur, die äußerlich an Harold aus „Harold und Maude" erinnert. Alles um ihn ist schräg, aber man wünscht sich doch, dass er mal eine Weile lang das Richtige macht. Aber auch er droht in Unentschlossenheit zu verharren, ähnelt darin sehr seinem Vater. Vor dem erfährt er, Depression fühle sich an wie unter Wasser, so heißt der Film „Submarine". Er findet aber mit Kinderspielen am Strand ein schöne eigene Art, sich zu versöhnen und zu verzeihen. Genau in solchen Momenten, weniger im sehr betonten Spiel mit der Kamera, die mal statisch frontal, dann frei kreisend arbeitet, liegt die Stärke dieses sehenswerten Films.

Der ganz normale Wahnsinn - Working Mum

2011-11-15T18:14:00.000+01:00

USA 2011 (I Don't Know How She Does It) Regie: Douglas McGrath mit Sarah Jessica Parker, Pierce Brosnan, Greg Kinnear 89 Min. FSK o.A.

Da ackert sich eine Frau an allen Fronten ab, eifrig, fleißig und vor allem bemüht. Doch richtige Anerkennung ist ihr nicht gegönnt. Gemeint ist nicht die Hauptfigur dieses Films, Kate Reddy, sondern Sarah Jessica Parker, die nach „Sex and the City" als richtige Schauspielerin in anderen Rollen anerkannt werden will. Vergebens! So muss man sich nicht nur über eine ausgesprochen dämliche Argumentation in Sachen Herdprämien-Diskussion aufregen. Es ist auch ernüchternd, wie blass Sarah Jessica Parker angesichts von Mitspieler Pierce Brosnan bleibt.

Kate Reddy ist eine Karrierefrau mit dauerhaft schlechtem Gewissen, weil entweder die Familie, der Job oder der Mann zu kurz kommen. Der Kuchen für den Flohmarkt der Kinder soll ja enorm wichtig für deren Entwicklung sein, deshalb wird der gekaufte albern auf selbergemacht umgestaltet. Der Kindergeburtstag will geplant sein, während für die Investmentfirma Geschäftsreisen an der Tagesordnung sind. In witzigen Animationen und Situationen darf die beleidigte Tochter zicken und der Babysitter wird wichtigste Person im Haushalt. Jetzt macht auch der Mann Karriere und den gesteigerten Stress kommentieren sowohl schreckliche Momsters (Mum + Monster) wie auch der eklige Konkurrent aus dem Büro direkt in die Kamera. Da erweist sich Kates Plan, den Sparern das letzte Geld aus der Tasche zu leiern, als Hit. Trotz Chaos in der Handtasche mit Handy und Kinderkram, trotz eines Pitchings mit akutem Läusebefall darf sie mit dem Ober-Investor Jack Abelhammer (Pierce Brosnan) in New York ein neues Produkt entwickeln. Der Stress nimmt zu, bis sich Kate ein Wochenende frei nimmt und sich zu Familie bekennt.

Auf lustig gemacht sollen alltägliche Probleme berufstätiger Frauen mit der Serien-Ikone Sarah Jessica Parker einen erfolgreichen Frauenfilm ergeben. Darf deshalb das Drehbuch so hirnrissig sein wie die Familienpolitik der Regierung zwischen Von der Leyen und Schröder? Obwohl die Vorlage von Aline Brosh McKenna stammt, der Autorin von „Der Teufel trägt Prada", baut der Film völlig auf das Gefühl des Sich-Verstanden-Fühlens ohne wirklich Probleme oder Lösungen aufzuzeigen. Es hat sich nicht viel geändert seit Doris Day und Sandra Bullock.

Tom Sawyer

2011-11-15T17:26:00.001+01:00

BRD 2011 Regie: Hermine Huntgeburth mit Louis Hofmann, Leon Seidel, Heike Makatsch, Benno Fürmann, Joachim Król 109 Min. FSK ab 6

Ein ewig junger Jugendstoff kommt wieder ins Kino. Doch im Vergleich zur gefeierten neuen Übersetzung des Romans „Die Abenteuer des Tom Sawyer" von Mark Twain durch Andreas Nohl lässt der Film von Hermine Huntgeburth („Die weiße Massai", „Bibi Blocksberg") viel von dem Freien und Rebellischen vermissen, mit dem Tom und Huck Generation nach Generation neu begeistern.

In warme Farben schöner Jugenderinnerungen kommt „Tom Sawyer" schnell witzig und spannend mit üblen Streichen daher. Von einem Schiff wird Kaviar geklaut, einem einfältigen Alkoholiker macht Tom weiß, er sei bereits tot. Dann dümpelt die Handlung umher, bevor Indianer Joe (Benno Fürmann) ebendiesem Muff Potter (Joachim Król) einen Mord in die Schuhe schiebt, den er selbst begangen hat. Nun muss der Lausbub Tom als Zeuge mit der Wahrheit ringen, während ihm der wahrlich erschreckende Joe drohend sogar in seinen Träumen auftaucht. Nebenbei steht der Junge zwischen zwei Mädchen seiner Klasse, zwischen der streng strafenden Religion und dem Aberglauben Hucks, zwischen der braven Tante Polly und dem wilden Leben in der Natur.

Gerade hier lässt die neue Verfilmung viel vom Geiste Twains vermissen: Bei all der Handlung kommt das freie Erleben der Natur zu kurz. (Ganz eilig wird übrigens auch gerade schon die Fortsetzung „Huck Finn" gedreht.) So ahnt man nur eine Szene die großartig sein könnte: Tom haut rennend von der förmlichen Kaffeetafel bei Becky Thatcher ab und entledigt sich im Rennen seiner schicken Klamotten. Diese doppelte Befreiung ist kein Fest, nur noch eine nette Szene in der für Mississippi auffallen hügeligen Landschaft.

Ansonsten hängt das Gelingen der auch landschaftlich eingedeutschten Szenen von den Darstellern ab, die teilweise exzellent agieren, andererseits aber auch sehr unauffällig besetzt sind. Benno Fürmann beeindruckt als beängstigend gut geschminkter Indianer Joe nachhaltig. Heike Makatsch passt die Tante Polly, aber schon Joachim Król pflegt als aufgedunsener Trinker zu sehr seine Aussprache. Es fehlt nur noch Peter Lohmeyer als Richter Thatcher und schon ist der kalkuliert bekannte All Star-Cast der deutschen Leinwand fertig. Bei den Nebendarstellern stellt sich ganz schnell das Bad Segeberg-Gefühl mit Fremdschämen für ambitionierte Laien ein. Dabei muss gerade wegen des hervorragenden Fürmann in bösen Albträumen und bei der Mord-Szene über die Kinder-Eignung nachgedacht werden. Ab 6 Jahren ist da eine Garantie für schlimme Träume auch beim Publikum.

Arthur Weihnachtsmann 3D

2011-11-15T13:34:00.001+01:00

Großbritannien, USA 2001 (Arthur Christmas) Regie: Sarah Smith 98 Min. FSK o.A.

Zu dieser Zeit drohen dem Filmkritiker mannigfaltige Gefahren: Akute Stichverletzungen durch Tannennadeln, Zuckerschock wegen übersüßer Filme und vor allem ein Jetlag, hervorgerufen von vorzeitigen Weihnachtsfilmen! Diesmal rennt „Arthur Weihnachtsmann" als erster die Türe ein, vor der Weihnachten noch lange nicht steht. Aber man kann dem zurückhaltenden jungen Tollpatsch Arthur gar nicht böse sein - zu sympathisch begeistert er sich für die Freude der Kinder in aller Welt und zu heldenhaft kämpft er noch für das letzte Päckchen, während sich die etablierte Verwandtschaft längst zu Ruhe gesetzt hat...

Dieser Weihnachtsfilm aus dem Animations-Hause Aardman ist von anderer Art! (Mann!) Nicht dass uns hier Verwandte von „Wallace & Gromit" anspringen oder dass „Hennen rennen" jetzt aussieht, wie „Elfen helfen". Nur dieser verrückte britische Aardman-Humor springt uns wieder direkt an, wenn abertausend Elfen in Tom Cruise-Manier über der Stadt abgeseilt werden, um in Sekundenschnelle alle Geschenke an den richtigen Fleck zu liefern. Damit wäre auch die Frage nach der Mission Impossible geklärt, wie der Weihnachtsmann in nur einer Nacht alle (Christen-) Kinder beschenken kann, ohne - im Stile heutiger Paketboten - die Hälfte von ihnen über den Haufen zu fahren (Ups...). Einen Schlitten benutzt Weihnachtsmann, der Zwanzigste, auch schon lange nicht mehr. Nur die Form des gigantischen und hypergalaktisch schnellen Raumschiffs S1 erinnert entfernt an altmodische Transportmittel. Hinter der ganzen generalstabsmäßigen Aktion steht in der Schaltzentrale am Nordpol Steve Claus, der Sohn vom Weihnachtsmann, der auch gut in einem Action-Film neben Stallone oder Dwayne „The Rock" Johnson spielen könnte. Mit neuester Technik und militärischem Führungsstil bringt er die Operation Weihnachtsnacht über die Bühne und freut sich, dass er bald selbst Weihnachtsmann wird. Doch Papa, der nur noch symbolisch ein einziges Geschenk ablegt und dabei sogar ein Kind aufweckt, will noch weitermachen. Das gibt Ärger bei der Familie Claus. Beim Streiten merkt nur der schmächtige Arthur, dass ein Paket vergessen wurde. Zusammen mit seinem anarchischen Großvater, der den Ruhestand nicht verkraftet, und dem superwitzigen Verpackungs-Elfen Bryony („Für eine Schleife ist immer Zeit") starten sie sich auf einem vergessenen Schlitten in eine verrückte Nacht...

Von Anfang an begeistert „Arthur Weihnachtsmann" als rasante und immer wieder herrlich komische Animation, die niemals Weihnachts-Schmalz ansetzt. Dazu überzeugen die erstaunlich lebensecht angelegten Figuren, die gleich einen multiplen Generationen-Konflikt austragen. Hier haben Kinder und Erwachsene viel Spaß. Die Kleinen sehen zudem, wie man seinen richtigen Platz im Leben findet, die Großen können sich eventuell Gedanken drüber machen, den angestammten Platz mal abzugeben. Oder wenigstens ein Plätzchen. Nur das 3D ist so sinnvoll oder sinnlos wie die S1 - der alte Schlitten mit der Magie und dem Zauberstaub des Kinos tun's genauso. Die Brille stört, ohne einen großen Mehrwert zu liefern.

Halt auf freier Strecke

2011-11-14T10:47:00.001+01:00

BRD 2011 Regie: Andreas Dresen mit Steffi Kühnert, Milan Peschel, Talisa Lilli Lemke, Mika Nilson Seidel, Ursula Werner 110 Min. FSK ab 6

Film ist, dem Tod bei der Arbeit zuschauen

Vor weniger Wochen zeigte Gus van Sants „Restless" eine poetische, zarte Annäherung an das Sterben. Im Vergleich zu „Halt auf freier Strecke" von Andreas Dresen wird daraus allerdings eine schöne Lüge, die US-Version von Schöner Sterben. Denn Dresen, der Regisseur von „Wolke 9", „Sommer vorm Balkon" oder „Halbe Treppe" wirft einen nüchternen Blick auf ein baldiges, wirklich nicht schönes Sterben. Auch diesmal lässt ein Hirntumor nur noch ein paar Monate Leben. Das Ehepaar Lange erfährt es von einem eher uninteressierten Arzt, der sogar zwischendurch telefoniert. Die Kamera hingegen bleibt konzentriert dabei und fängt die Tränen von Simone (Steffi Kühnert) auf. Was sagt man den Kindern? "Wie es ist. Es ist sozusagen das Schicksal", antwortet die psychologische Niete im Kittel. Wie sagt es Andreas Dresen, lautet die zusätzliche Frage. Zu allererst ist es gut, dass Dresen Sterben zeigt. Um noch einen der vielen gewöhnlich wirkenden, aber doch sehr gewichtigen Sätze zu zitieren: Frank (Milan Peschel) solle, auch wenn seine Aus- und Anfälle es allen schwer machen, zu Hause bleiben, damit die Kinder sähen, dass Sterben nichts Schreckliches ist und damit sie nicht ihr Leben lang Angst vor dem Tod hätten. Damit trifft der Film einen wunden Punkt unserer Gesellschaft und auch des Unterhaltungskinos. Es wird zahlreich gestorben, aber man sieht nie, was Sterben bedeutet.

Nach „Restless" und dem schwedischen Meisterwerk „Eine Familie" bekommt der Hirntumor wieder eine Hauptrolle, tritt sogar personifiziert bei Harald Schmidt auf! Abgesehen von dieser schrägen Idee und einigen iPhone-Spielereien führt Dresen den Niedergang eines Menschen und einer Familie nüchtern vor und lässt nichts dabei aus. Nicht die Übelkeit bei der Chemotherapie, nicht das verwirrte Pinkeln im Zimmer der Tochter, nicht peinliche Therapeuten mit albernen Sprüchen. Aber auch nicht die hervorragende Ärztin der letzten Tage. (Alle Mediziner und Helfer werden übrigens von echten Medizinern und Helfern gespielt!) Franks Frau und die beiden Kinder versuchen wie der Film einige Situation noch mit Humor zu nehmen, das gelingt immer weniger. Beim Weihnachtsessen im neuen, stark von Ikea verstrahlten Eigenheim lässt man ihn doch lieber oben im Bett liegen. Da hat er wenigstens noch eine schöne Aussicht. Irgendwann fragt auch der Sohn: „Ist es wahr dass du stirbst? Krieg ich dann dein iPhone?" Vielleicht bitter, aber auch banal, denn das Leben geht weiter. So lautet nach diesem sicher nicht „schönen", aber guten und wichtigen Film der ganz prosaische Schluss-Satz der Tochter „Ich muss zum Training."

Rembrandt gespiegelt

2011-11-11T09:20:00.001+01:00

Spieglein, Spieglein an der Wand,
wer ist der schönste Stich bei Rembrandt?

Spekulieren über die richtige Richtung bei unerkannt bleibenden Spekulatius

„Rembrandt gespiegelt" im Suermondt-Ludwig-Museum Aachen (12.11.2012 - 5.2.2012)

Das Kunstwerk im Zeitalter seiner einfachen Reproduzierbarkeit führt zu einer Ausstellung, in der man doppelt sieht: Um die Verdrehtheit einer Situation deutlich zu machen, bei der ein Künstler für Radierungen seitenverkehrt denkt - oder auch nicht - wurden Radierungen von Rembrandt (1606-1669) neben ihre seitenverkehrten Fotografien gehängt. Eine simple Versuchsanordnung mit verblüffendem Effekt, ein Augenspiel (Museumsdirektor und Rembrandts Landsmann Peter van den Brink), eine „Schule des Sehens" (Kurator Dr. Heinrich Becker): Welche Version sieht besser, überzeugender aus? Meist scheint es eindeutig, wobei eine kulturübergreifende Empfindung sehr deutlich wird. Die dunklen Wolken links von der Baumgruppe wirken bedrohlich. Rechts angeordnet, scheint das Gewitter vorüber gezogen. Wir schauen von links nach rechts, in diese Richtung geht es voran, die andere ist Vergangenheit. Links und rechts hat Bedeutung als gute oder schlechte Seite. Auch hier zeigt sich bei Rembrandt eine irritierende Auffälligkeit, in einem Kreuzigungsbild sind diese Bedeutungen vertauscht, in einer anderen Radierung sind Jesus und andere linkshändig oder bei einer Stadtansicht wurde die Reihenfolge der Kirchen verkehrt!

Diese schizophrene Sichtweise ist gerade bei Rembrandt reizvoll, da er die meisten Radierungen als Originale eigenhändig angefertigt hat, im Gegensatz zu etwa Rubens, der Radierungen seiner Gemälde von Lehrlingen anfertigen ließ, um sie als günstigere Kopie zu verkaufen. Ein Jahr lang beschäftigte sich Rembrandt sogar nur mit Radierungen, auch als er nach der „Nachtwache" keine Aufträge für Porträts mehr bekam, brauchten die Stiche Geld ein. Und fast immer hat Rembrandt selbst auf der Platte gearbeitet, dabei im seitenverkehrten Denken originäre Werke erstellt, also nicht andere Zeichnungen umgesetzt. So hilft das Doppeltsehen beim Verstehen, wie der Künstler gedacht hat.

Ein verwirrender Prozess, dessen Entwirren auch nicht ohne ist, wie Kurator Dr. Heinrich Becker bei seiner Vor-Führung für die Presse verdeutlicht. Das Foto ist zwar immer rechts, aber ist die Kopie der Kopie jetzt auch richtig? Kommt die Prozession von links oder rechts ins Bild? Weist die Hand in die Vergangenheit oder voraus? Noch eine Spiegel-Windung im Hirn mehr verursacht das Selbstporträt. An sich schon eine Spiegelung des Malers und jetzt noch mal verdreht? Oder jetzt wieder richtig? All dies erläutert auch der gelungene Katalog zur Ausstellung mit seinen kommentierten Abbildungen. Nur eines wurde von den begeisterten Fachleuten völlig übersehen: Die Spekulatius auf dem Tisch als Radierungen in Holz, abgedruckt in Zucker sind derart artverwandt mit den „Prenten" (Drucke auf Niederländisch, lieber Aachener, der auch hier wieder Süßwaren hört) an der Wand, das sie sich als weitere Irritation ins Gesamtbild schleichen.

Space Dogs

2011-11-09T11:48:00.001+01:00

Russland 2010 (Belka i Strelka. Zvezdnye sobaki) Regie: Inna Evlannikova, Svyatoslav Ushakov 85 Min.

Mit schönen Anspielungen auf Laika, der ersten Hündin im All, wird in diesem netten Zeichentrickfilm die russische (Hunde-) Raumfahrtgeschichte geehrt und eine russische Hunde-Raumfahrtgeschichte erzählt. Der zottelige Zirkusstar Belka schießt bei einem unfreiwilligen Raketen-Akt übers Ziel - und Zelt - hinaus. Sie landet bei der Straßentöle Strelka und dessen Kumpel Lyonya, einer frechen Ratte mit Goldzahn auf den Straßen Moskaus. Auf der Flucht vor Bulldog und seinem Handlanger Pug sowie dem Hundfänger geraten alle ins Ausbildungscamp des russischen Weltraumprogramms. Nun werden die kleinen Kläffer richtige Weltraum-Stars... (und jetzt ist wohl auch noch die Milchstraße von Hundkot versaut.)

Es ist immer etwas los in der munteren Trickkomödie aus Russland. Von der Geschichte her erinnert „Space Dogs" an Ben Stassens belgischen „Fly me to the Moon", auch wenn die digitale Machart bei den Russen etwas besser ist. Sie erzählen auf originelle und witzige Weise, hinzu kommt die ungewohnte Kulisse Moskaus, die in sehr detaillierten Hintergründen sorgfältiger gestaltet scheint, als die Menschen im Hintergrund. Die Macher bringen in ihrem prallen Spaß selbst noch den Running-Gag um einen fabelhaften Raben und seinem Stück Käse unter.

Woyzeck DVD

2011-11-09T11:05:00.001+01:00

BRD 1979 Regie: Werner Herzog

Es ist ein gewaltiger Zeitsprung von Herzogs aktueller Dokumention „Die Höhle der vergessenen Träume" zu seiner Büchner-Adaption „Woyzeck" aus dem Jahr 1979. Dabei lohnt sich das Wiedersehen nicht nur wegen Kinski in der Hauptrolle und anderen alten Bekannten wie Eva Mattes, Irm Hermann, Herbert Fux oder dem jungen Josef Bierbichler als Tambourmajor. Herzog holt das auf einem authentischen Mordfall des 19. Jahrhunderts basierende Theaterstück (nicht zu verwechseln mit der Adaption von Robert Wilson und Tom Waits!) von der Bühne und siedelt es in einer historischen, kleinen Garnisonsstadt an: Der Offiziersbursche Woyzeck (genial verkörpert von Klaus Kinski) verdient mit allerlei Nebentätigkeiten etwas Geld, um Marie und sein uneheliches Kind zu ernähren. Doch dann betrügt ihn Marie mit einem Major. Woyzecks Eifersucht und Verzweiflung sind grenzenlos...
Der immer wieder sehenswerte Klassiker fasziniert gleichzeitig durch Büchners und Herzogs Gnadenlosigkeit mit einem zum Scheitern verurteilten Individuum. Als Bonus gibt es einen Audiokommentar von Werner Herzog und Laurens Straub, dazu den Kurzfilm „La Soufrière - Warten auf eine unausweichliche Katastrophe". Darin reist der immer wieder für extreme Ideen zu begeisternde Herzog nach Guadeloupe, wo der Vulkan der Insel explodieren soll. Bis auf einen alten Mann haben alle den Ort verlassen. Am Rand des Vulkans - das passt zu Herzog, Kinski und Woyzeck!

Krieg der Götter

2011-11-09T10:07:00.001+01:00

USA, 2011 (Immortals) Regie: Tarsem Singh mit Henry Cavill, Stephen Dorff, Isabel Lucas 110 Min.

Bildgewaltig wie kein anderer zeigte sich Tarem Singh in seinen beiden bisherigen Filmen „The Fall" (2006) und „The Cell" (2000). Doch weniger der Regisseur als „die Macher von 300" stehen ein für den simplen und blutigen Film in dem sich Mickey Rourke in griechische Götter- und Heldensagen mischt - Clash of the ehemaligen Boxer.
Rourke spielt den unbarmherzigen König Hyperion, der mit seiner blutdürstigen Armee eine blutige Spur der Verwüstung quer durch ein danach blutrotes und meist totes Griechenland zieht. Zwischen dem Blutgespritze sinnt der junge Krieger Theseus auf Rache und wird dabei gesponsert von dem mächtigen Zeus. Vor allem zum Ende von Film sollte man noch mal Blut erwähnen, doch die Action soll hier auch eindrucksvoll sein. „Soll" weil sich der Verleiher Constantin in Deutschland gescheut hat, den Film vorher der Presse zu zeigen. Und auch in den USA ist es den Machern wohl lieber, dass keiner vorher ein (schlechtes?) Wort über den Film verliert.

Der König der Löwen 3D

2011-11-09T09:47:00.001+01:00

USA 1994 (The Lion King) R: Roger Allers, Rob Minkoff, 88 Min.

Dieser Zeichentrickfilm hat in 17 Jahren eine erstaunliche Karriere erlebt, nach vielen Preisen und Verkaufshits gab es wenige Jahre nach der Premiere ein Musical, das seitdem ebenso erfolgreich ist. Die filmischen Fortsetzungen „König der Löwen 1 1/2" und „König der Löwen 2" landeten allerdings direkt im DVD-Regal. Nicht nur wegen der Lieder von Elton John wurde „der Kinderfilm" mittlerweile zum allgemeinen Kulturgut, Wissenschaftler meinten unter anderem rassistische und antisemitische Elemente zu entdecken. Nun gibt es „König der Löwen" wieder im Kino, aber dies ist nicht die Verfilmung des Musicals von Julie Taymor, was typisch wäre („Der ewige Kreis" der Verwertungskette), sondern der digital aufgehübschte Originalfilm. Vom jungen Zielpublikum wird zwar niemand ihn je im Kino gesehen haben, doch riecht die Wiederaufführung in 3D stark nach 'ner schnellen Mark (jetzt in digitalem 3D: Euro) für Disney.

Wie der Kreislauf der Verwertung dreht sich auch der des Lebens in schillernden Farben von Geburt zu Geburt: Simba, Sohn des Löwenkönigs, erblickt mit dem Licht der Welt die riesige Schar seiner zukünftigen Untertanen. Nur Onkel Scar, der neidische, raffinierte aber schwächere Bruder von König Mufasa, brütet in seiner Höhle Rachepläne. Mit Hilfe dreier albern-gieriger Hyänen, die am Rande des Reiches im Elefantenfriedhof-Slum hausen, will Scar König werden. Während Simba sorglos spielend das Reich erkundet, fällt Mufasa einem Anschlag zum Opfer, der Simba galt. Der kleine Löwe flieht vor der ihm von Scar eingeredeten Schuld.

Der Erfolg vom „König der Löwen" basiert auf einer sehr konservativen, eigens für diesen Film geschriebenen Geschichte: Das gute Herrschaftsprinzip heißt Monarchie, die Hyänen dagegen sind eine graue Masse gieriger Idioten. Weil das oft präsente Hyänen-Trio stark an eine Latino-Gang erinnert, gab es in den USA Vorwürfe wegen der Ausgrenzung von Minderheiten. Im Finale stellt dann ein Faustkampf zwischen Löwen den Höhepunkt eines Prinzips der Stärke und der Vermenschlichung dar. Anklänge an „Das Dschungelbuch" und „Bambi" sind nicht zu übersehen.

Allerdings garantiert die Mischung von Spaß, Spannung und nicht zuviel Romantik zusammen mit den Songs von Elton John sowie der afrikanisch-ethnisch eingefärbte Musik von Hans Zimmer die sorglose Unterhaltung. Während Simba wachsend dem Kreislauf des Lebens folgt, schlagen ein ganzen Haufen ulkiger Tierchen um ihn herum umwerfend komische Kapriolen.

Auf der Suche nach Jan Krüger

2011-11-07T09:31:00.001+01:00

Der Autor und Regisseur im Gespräch mit Günter H. Jekubzik

Berlin. „Auf der Suche" erzählt von einer Mutter auf der Suche nach ihrem Sohn, der in Marseille verschwunden ist. Wie hast du den Stoff gefunden?
Der Auslöser war sehr konkret. Der Freund eines Freundes hatte sich umgebracht, wie im Film, in Marseille. Daraufhin habe ich dort einige Orte seines Lebens besucht und aus dieser kraftvollen Inspiration die Geschichte entwickelt.

Was suchtest du in Corinna Harfouch, deiner sehr prominenten Hauptdarstellerin?
Das Projekt lief schon eine Weile, aber ich bin immer wieder bei Corinna Harfouch hängengeblieben. Ihr Filmtyp ist oft auch eine brüchige Frau, die wenig Gefühl zulässt. Ich wollte nicht, dass es jemand ist, der seine Gefühle zu leicht zeigt, dann drohte die Geschichte sentimental zu werden.

Wie fandest du die Arbeit mit Harfouch?
Vor dem Dreh sagte sie ganz klar: „Ich hab 80 Filme gedreht, lass mich mal machen!" Letztlich hat es funktioniert, wenn ich Vorschläge gemacht hab, aber man musste drum kämpfen. Was auch nicht so leicht war, weil ich einen wahnsinnigen Respekt vor ihr hatte. Aber das Drehen funktioniert ja immer über das gemeinsame Andocken an die Geschichte.

An welchem Projekt versuchst du dich als nächstes?
Anders als bisher möchte ich mal von einer Figur ausgehen, die aus ihrem Alltag heraus eine Veränderung erfährt. Ohne Ortswechsel wie in „Unterwegs" oder „Rückenwind". Es wird die Geschichte eines Gebäudeverwalters, eines einfachen Angestellten hier aus Berlin. Gleichzeitig entwickle ich ein Tatort-Drehbuch für den WDR - mit den Kölner Kommissaren Max Ballauf (Klaus J. Behrendt) und Freddy Schenk (Dietmar Bär). Bei denen habe ich nicht das Gefühl, dass ich mich verbiegen muss.

Welche Suche stellt der Film „Auf der Suche" für dich persönlich dar?
Einerseits interessiert mich, zu sehen, dass Suchen seine Grenzen hat, dass man nicht immer klare Antworten finden kann. Zudem glaube ich - obwohl ich keine Selbstmordgedanken habe - ist man vielleicht gar nicht so weit von so einer Tat entfernt. Viele Leute können sich in dieser Erfahrung wiederfinden.

Jan Krüger wurde am 23. März 1973 in Aachen geboren. Er studierte an der RWTH Aachen und später an der Kunsthochschule für Medien, Köln. Seinen ersten Film drehte er 1999, das Musikvideo „Verführung von Engeln"; 2001 folgte der Kurzspielfilm „Freunde (The Whiz Kids)", der den Silbernen Löwen der Filmfestspiele Venedig erhielt. Sein erster Langspielfilm „Unterwegs" erhielt u.a. den Tiger Award in Rotterdam. Neben seiner Arbeit als Filmemacher ist Krüger seit 2006 als Dozent für Filmregie und Drehbuch an der KHM Köln tätig.

Auf der Suche

2011-11-07T09:28:00.001+01:00

BRD, Frankreich 2011 Regie: Jan Krüger mit Corinna Harfouch, Nico Rogner, Valérie Leroy, Mehdi Dehbi 89 Min.

Er war viel früher fertig, doch Jan Krügers Suche kommt erst nach Jan Schomburgs filmische Vermisstenanzeige „Über uns das All" ins Kino. Die Ähnlichkeiten sind frappant: Ein junger Mediziner aus Deutschland bringt sich in Marseille um und hinterlässt Fragende. (Dass beide Jans auch noch aus Aachen stammen ist ein seltsamer Zufall.) Doch der Ton beider sehr reizvoller Autorenfilme ist ganz unterschiedlich. Während sich bei Schomburg alles um die egozentrische „Witwe" Sandra Hüller dreht, rätseln beim Berliner Krüger („Rückenwind", „Unterwegs") der Ex-Liebhaber und die Mutter über die Leerstelle, die in ihrem Leben entstanden ist.

Ein fast typisches Treffen mit der Schwiegermutter steht am Anfang: Er holt sie in Marseille vom Flughafen ab, sie fahren in die Wohnung des noch vermissten Simon. Die Stimmung ist gereizt, den Liebhaber ihres Sohnes hatte sie nie richtig akzeptiert. Doch sie braucht ihn, weil ihr Französisch eher peinlich ist. Dafür ist ihr Suchen voller Entschlossenheit: Nein, das könne nicht sein, dass ihr Sohn einfach abhaut, das sei nicht seine Art. Auf der neuen Arbeitsstelle im Krankenhaus weiß man ebenso wenig wie bei der Polizei. Doch eine junge französische Kollegin taucht auf, die seine Geliebte gewesen sein will - ein Coming Out rückwärts, dass beide Deutsche überrascht. Langsam gibt Simons Mutter ihr rüdes Verhalten gegenüber dem Begleiter auf und ein ungewöhnliches Dreieck entsteht: Hier müssen sich Menschen finden und jeder hat ein anderes Bild von Simon.

„Auf der Suche" gibt aus Prinzip keine Antwort. Der Film bleibt ganz bewusst fragend, suchend. Jan Krüger präsentierte seine erste große Produktion auf der letzten Berlinale. Die bekannte und exzellente Corinna Harfouch spielt darin die Mutter, die in Marseille ihren anscheinend verschwundenen Sohn Simon sucht. Krüger gelang ein in seiner Form konsequenter Film, mit wenigen kriminalistischen, einigen dokumentarischen und vielen zwischenmenschlichen Elementen.

Another Earth

2011-11-06T21:07:00.001+01:00

USA 2011 (Another Earth) Regie: Mike Cahill mit Brit Marling, William Mapother 92 Min.

2011 wird das Jahr der Sternengucker: Nach von Triers „Melancholia" und Malicks „The Tree of Life" beeindruckt nun auch „Another Earth" mit kosmologischer Kinematografie. Während eine eindrucksvolle Himmelserscheinung beim dänischen Drama das Ende bedeutet, erweckt sie bei Rhoda Williams (Brit Marling) neue Hoffnungen. Eine andere, zweite Erde taucht am Firmament auf - und ist nicht ganz unschuldig an einem furchtbaren Unfall mit tödlichen Folgen. Im Partyrausch verursacht Rhoda eine Katastrophe und muss vier Jahre ins Gefängnis. In dieser Zeit ist der Erd-Zwilling näher gekommen, Regierungen versuchen, Kontakt aufzunehmen, und ein Unternehmen bietet schon Weltraum-Riesen zu „Earth 2" an.

Die an Astrologie interessierte Rhoda verschließt sich nach der Haftstrafe. Sie wohnt bei den Eltern, nimmt einen Putzjob an, während ihre alten Kommilitonen eine Unikarriere vermuten. Die junge Frau spricht nicht viel und beschließt, sich beim Überlebenden des Unfalls zu melden. Doch bei der Begegnung an der Haustür des ehemals bekannten Komponisten John Burroughs (William Mapother), der Frau und Kind verlor, verliert sich ihr Quäntchen verzweifelten Mutes. Rhoda erzählt, sie sei von einem Putzdienst und biete eine Probe-Reinigung an, gratis. Zögerlich nimmt John an, die Wohnung des trinkfreudigen Mannes muss tatsächlich dringend aufgeräumt werden. Über diesen Weg nähern sich die beiden zögerlich an, sie nehmen beim Spiel mit der Wii erstmals entspannt Kontakt auf. Rhodas große Hoffnung liegt allerdings auf einem Preisrätsel mit als Hauptgewinn eine Reise zu Earth 2. Denn mittlerweile hat Funkkontakt herausgebracht, dass der Blaue Planet am Himmel eine exakte Kopie ist, auf der sogar die gleichen Menschen leben. Doch vielleicht hat dort der Unfall nicht stattgefunden...

Hauptdarstellerin Brit Marling und Regisseur Mike Cahill entwickelten zusammen das Drehbuch zu diesem Drama mit Science Fiction-Elementen, das beim Sundance Film Festival 2011 den Spezialpreis der Jury und den Alfred P. Sloane Preis erhielt. Ihnen gelang ein schlüssiges und eindrucksvolles Bild des neuen Planeten als zweite Chance. So wie früher Kontinente mit Straffälligen besiedelt wurden, wie Rhoda in ihrer Bewerbung für das Flug-Ticket schreibt. Innere Welten werden auf das All projiziert, die Parallelwelt macht aus Selbstzweifeln ein universales Schauspiel, in dem sich viele Ideen durchdenken lassen: „Wir sind selber unser Spiegelbild", heißt es im Film.

Mike Cahill arbeitet bei seiner Inszenierung mit angerissenen Bildern, viele Überblendungen und Ausschnitten. Trotz des galaktischen Bezugspunktes konzentriert sich der ruhige Film auf seine Figuren. Dabei beeindruckt Hauptdarstellerin Brit Marling enorm. Dazu fügen sich einige berührende Momente wie Johns Solo mit singender Säge und zerrissene Figuren wie Rhodas indianischer Kollege, der sich angesichts einer unerträglichen Welt mit Säure blendet. Cahill und Marling finden für ihre traumatisierten Protagonisten eine andere, überraschende Lösung und ein doppelt offenes Ende.

Eine dunkle Begierde

2011-11-06T21:02:00.001+01:00

Kanada, BRD, Großbritannien, Schweiz 2011 (A Dangerous Method) Regie: David Cronenberg mit Michael Fassbender, Keira Knightley, Viggo Mortensen, Vincent Cassel 100 Min. FSK ab 16

Keiras Kiefernkrampf - Psycho hinterm Wortvorhang

Wer Gelegenheit hatte, vor ein paar Wochen „Nachtmeerfahrten", die Jung-Doku für Anfänger, zu sehen, wird sich „Eine dunkle Begierde", den Spielfilm über ein spannendes Personen-Dreieck in der Geschichte der Psychoanalyse nicht entgehen lassen. Freud gegen den jüngeren Jung und als Frau dazwischen die in der Wissenschaftsgeschichte legendäre erste Patientin Jungs, Sabina Spielrein. Eine fesselnde Geschichte - auch ohne die paar SM-Szenen. Nur Hardcore-Fans von David Cronenberg könnten enttäuscht sein, dass sich menschliche Abgründe allein im wissenschaftlich abgesicherten Gespräch zeigen.

Die russische Jüdin Sabina Spielrein (Keira Knightley) war in der Geschichte der Psychoanalyse Carl Gustav Jungs (Michael Fassbender) erste Patientin in der vor hundert Jahren sensationell neuen Methode der Gesprächsanalyse. Jung ist 1904 noch der talentierteste Schüler des bereits berühmten Sigmund Freud (Viggo Mortensen). In einer Schweizer Klinik erkennt Jung die Schläge von Sabinas Vater als Ursache ihrer Probleme, aber auch ihrer Lust. Der von seiner reichen Frau unterstützte Familienvater und Wissenschaftler verleugnet lange die Anziehung zu seiner Patientin. Auch weil ihm nicht gefällt, dass Freud, mit dem er auch über diesen Fall korrespondiert, alles auf die Sexualität zurückführt. Doch es kommt unweigerlich zu einer SM-Affäre, die sich im Laufe der Jahre und nach einer heftigen Krise zu einem wissenschaftlichen Austausch mit der studierten Schülerin Spielrein wandelt. Parallel dazu bricht die Vater-Sohn-Beziehung zwischen Freud und Jung. War der „Fall" Spielrein der Auslöser, wie es der Film mehr als andeutet? Die Verschiedenheit zwischen dem kinderreichen, nicht unbedingt reichen Juden Freud und dem gegenüber Antisemitismus (hier noch nur) ignoranten, sehr wohlsituierten Christen Jung?

Dem Drehbuch des vielfach ausgezeichneten Christopher Hampton liegt sein eigenes Bühnenstück „A Most Dangerous Method" sowie John Kerr Buch „Eine gefährliche Methode: Freud, Jung und Sabina Spielrein" („A Dangerous Method") zugrunde. Cronenberg erzählt damit vielschichtig - über Schichten im Bewusstsein, in der Gesellschaft, im Zwischenmenschlichen. Seine gepflegte Analyse der Psychoanalyse endet vor 1914, der „Große Krieg" ist erst eine dunkle Ahnung für Jung. Ebenso das Mythische, dessen Erforschung in späteren Jahren immer mehr Raum einnimmt und von Freud gar nicht mehr toleriert werden kann. Damit spielt der Titel „Eine dunkle Begierde" zwar auf das „dunkle Unbewusste", einen Schlüsselbegriff Jungs an. Der Film an sich ist allerdings selten dunkel. Eher sehr erhellendes Kopfkino, das nicht mal unbedingt die Herzen packt. So leidet das handwerklich hervorragende und nicht uninteressante Werk an der gleichen Verwandlung von Lust in Kreativität, die auch Jung zur tragischen Gestalt macht. Das überrascht besonders beim Horror-Meister Cronenberg, der bei „Naked Lunch", „Die Unzertrennlichen" oder auch bei dem sehr psychoanalytischen „Spider" immer bewegende Bilder für extreme Seelenzustände fand. Diese für das Publikum un-gefährliche Methode, dieses Freud-volle, intellektuelle Spiel um die Väter der Psychoanalyse bleibt gepflegt - bis auf Keiras ausrastenden Kiefer, wenn sie wieder ihr Gesicht verzerrt, um die Hysterie der Spielrein zu verkörpern.

Cheyenne - This must be the Place

2011-11-06T19:59:00.001+01:00

Frankreich, Italien 2011 (This must be the Place) Regie: Paolo Sorrentino mit Sean Penn, Francis McDormand, Judd Hirsch, Eve Hewson, Harry Dean Stanton 118 Min.

„Cheyenne - This Must Be The Place" von Paolo Sorrentino („Il Divo") begeistert mit einem grotesk geschminkten Sean Penn: Seine Figur Cheyenne, ein ehemaliger Rockstar aus Dublin, setzt nach dem Tod des jüdischen Vaters in den USA dessen Suche nach einem deutschen KZ-Wärter fort. Diese Selbstfindung wird von kuriosen Begegnungen und schrägen Blicken auf Amerika bebildert. Ein Augenschmaus der anderen Art, dessen Figuren für emotionalen und intellektuellen Tiefgang sorgen.

Wer Sean Penn mag, kann ihn beim Cannes-Film als „Cheyenne" volle Kanne genießen: Penn gibt die ungemein originell jämmerliche Gestalt des ehemaligen, nicht besonders würdevoll gealterten Rockstars Cheyenne. Mick Jagger habe einst mit ihm gesungen - nicht umgekehrt, wie Cheyenne betont. Ihn als lebende Legende zu beschreiben, wäre übertrieben, weil der von zu vielen Drogen sichtlich Mitgenommene vom Reichtum erdrückt in einem überstilisierten Mausoleum dahinschlurft.

Mausoleum nannte es seine freche Gattin Jane, eine sehr witzige, trotz Drehleiter-Einsatz geerdete Feuerwehrfrau, die mit Frances McDormand perfekt besetzt ist. Seine blasse Goth-Schminke legt der Alt-Rocker immer noch auf und sieht dann aus wie eine schlecht konservierte Kopie des Cure-Frontmannes Robert Smith. Ansonsten schaut er unendlich einsam, grundverstört und sehr, sehr hilflos in die Welt. Diesen Blick kann man sich von niemand anderes als von Sean Penn vorstellen. Der verständliche Grund der Traurigkeit klingt bitter: „Ich habe depressive Lieder für depressive Kinder gemacht und zwei von denen haben sich umgebracht. Mein Schmerz darüber wird trotz der Besuche am Grab nicht geringer."

Die Lösung kommt unerwartet mit der Nachricht vom baldigen Tod seines Vaters in New York. Trotz 30 Jahren Trennung und Angst vor dem Fliegen macht sich Cheyenne auf den Weg. Verloren nimmt er an den Trauerritualen seiner entfernten jüdischen Familie teil und erfährt sehr überrascht, dass sein Vater ein Leben lang den deutschen KZ-Wärter Alois Lange (Heinz Lieven) suchte, der ihm eine tiefe Verletzung zugefügt hatte. Zwar völlig ahnungslos aber spontan entschlossen, setzt Cheyenne diese Suche mit launiger Unterstützung des professionellen Nazi-Jägers Mordecai Midler (Judd Hirsch) fort und tapst wie (Lou Reeds) „Passenger" durch ein skurriles bis absurdes Amerika. Hier findet Sorrentinos scharf sarkastischer Blick, den er schon auf einen faszinierend abstoßenden Kredithai („L'amico di famiglia", 2006) und auf die italienische Regierungskaste („Il Divo", 2008) warf, zahlreiche dankenswerte Objekte. Dabei ist „Cheyenne", die erste englischsprachige Produktion des Neapolitaners, milder und menschlicher. Im Staunen über diese seltsame Welt versteht man den verstörten Blick des Protagonisten immer mehr, identifiziert sich mit dieser nur anfangs lächerlich wirkenden Gestalt.

Sorrentino, der in „Le conseguenze dell'amore" (2004) einen sehr emotionalen Auftragskiller zeigte, fesselt einerseits wieder mit schön ambivalenten Figuren. Diese platziert er dann in Schaukästen skurriler Lebensweisen, die wie beispielsweise der Gegensatz zwischen dem ultramodernen Ufo des Dubliner Fußballstadions und den umgebenden kleinen Einfamilien-Reihenhäusern oft einer aufmerksamen Beobachtung real krasser (Bild-) Verhältnisse entspringen. Das äußerlich Absurde trägt jedoch immer eine innere Sinnigkeit in sich - das gilt auch für Cheyenne. Ein heiliger Narr, der nicht lügen kann und mit seinen immer ehrlichen, im weinerlichen Zeitlupen-Ton vorgetragenen Bemerkungen verstört oder amüsiert. Je nach eigener Geisteshaltung.

Zwei an einem Tag

2011-11-01T12:01:00.001+01:00

USA 2011 (One Day) Regie: Lone Scherfig mit Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson 108 Min.

„Harry und Sally" sind beinahe vergessen, da kann man ja die Idee aufwärmen. Basis ist ein gleichnamiger Roman von David Nicholls, den dieser zum Drehbuch umschrieb: Emma und Dex landen nach ihrem Hochschulabschluss zusammen im Bett, etwas peinlich und dann doch nur platonisch. Es ist der 15. Juli 1988, St. Swithin's Day, in England so was wie „Groundhog Day". Hier entscheidet sich , wie das Wetter die nächsten Monate wird. Wie das Verhältnis von Emma und Dex sich entwickelt, entscheidet sich noch lange nicht. Deshalb hat der Film Zeit, jedes Jahr am 15. Juli wieder vorbeizusehen. 1989 mit den beiden beim Umzug, irgendwann mit anderen, in der Logik des Films falschen Partnern. Dann wird Dex zeitweilig zum TV-Ekel voller Drogen. Es gibt viel falsches Leben im romantischen Film.

Der Soundtrack dieser Jahre reicht von Tracy Chapmans „Talking about a revolution" bis „Sparkling Day" von Elvis Costello. Die Telefone verlieren ihre Schnüre, wechselnde Frisuren haben die Maskenbildner schwer beschäftigt. Dabei gibt es von Anfang an viele Gründe zum Fremdschämen, etwa die albernen Versuche, Hollywood-Star Anne Hathaway mit Brille, Zopf und Sackklamotten zum hässlichen Entlein zu machen. Emmas und Dexters Blicke verraten überdeutlich, dass sie eigentlich wollen. Doch aus unerfindlichen Gründen dauert es eine lange Spielfilmlänge bis es doch nicht klappt. Aber der Autor dieser Zeilen versteht ja auch nicht, weswegen Ethan Hawke und Julie Delpy in „Before Sunrise" keine vernünftige Verabredung treffen und Telefonnummern austauschen. Zumindest das zeigt „One Day" mit seinem tragischen Ende - das Leben ist zu kurz für falsche Dinge.

Regisseurin Lone Scherfig hatte nach „Italienisch für Anfänger" (2000) und „Wilbur wants to kill himself" (2002) einen sehr guten Ruf, den sie zuletzt mit „An Education"
(2009) eindrucksvoll bestätigte. „Zwei an einem Tag" ist eine gelackte Enttäuschung, alles - selbst das Entlein - sieht hier gut aus.

Wer das Spiel mit verpassten Chancen wirklich mit vollem Gefühl genießen will, sollte sich Alan Rudolphs „Made in Heaven" mit Timothy Hutton und Kelly McGillis in der Videothek besorgen - eine DVD gibt es noch nicht. Hier bekommt die im Himmel geborene Liebe genau 30 Jahre Zeit, sich auf der Erde zu finden. Danach ist das Leben nur noch elendig. So ungefähr wie die fast zwei Stunden „Zwei an einem Tag".

Die Höhle der vergessenen Träume 3D

2011-10-31T21:31:00.001+01:00

Frankreich, Kanada, USA, Großbritannien, BRD 2010 (Cave of forgotten dreams) Regie: Werner Herzog 89 Min. FSK ab 6

Was 1994 in der Chauvet-Höhle im Süden Frankreichs entdeckt wurde und vorher durch einen Bergrutsch für Jahrtausende konserviert war, verwandelt sich durch Werner Herzogs Dokumentation „Die Höhle der vergessenen Träume" in einen höchst reizvollen Zeit-Spagat zwischen den ältesten prähistorischen Abbildungen der Menschheit und der aktuell neuesten Abbildungstechnik, dem digitalem 3D: Riesige, kristallverkrustete Grotten von der Größe eines Fußballfeldes sind mit den versteinerten Überresten riesiger eiszeitlicher Säugetiere übersät. Die Wände sind mit hunderten unberührten Gemälden bedeckt. Sie stammen aus der Zeit der Neandertaler, in der Höhlenbären, Mammuts und Eiszeitlöwen die beherrschenden Spezies in Europa waren.

Diese einzigartige Dokumentation hat alles, was einen großen Film ausmacht: Ein Geheimnis, nie vorher gesehene Bilder und zutiefst Menschliches. Einzigartig ist „Die Höhle der vergessenen Träume" weil die hermetisch abgeschlossene Höhle nur für ganz wenige Wissenschaftler zugänglich ist. Herzog dokumentiert auch die durch restriktive Regeln eingeschränkten Dreharbeiten. Der Regisseur durfte mit nur vier Mitarbeitern ein paar Stunden in den Grotten drehen. Da ist 3D schon wieder ein Widerspruch, weil es einen höheren Aufwand bedeutet. Vielleicht wegen dieser Beschränkungen vertraut Herzog leider nicht auf seine Aufnahmen aus der Höhle, er sucht auch die Reaktionen in den Gesichtern der Besucher und Arbeiter und verlässt die Höhle für ein paar Exkursionen zu anderen Ausdrucksformen früher Menschen, vor allem die aus einem Mammut-Zahn geschnitzte „Venus vom Hohlen Fels" und ihren Schwestern.

Dabei ist Herzog am stärksten, wenn er anhand der atemberaubenden Funde fantasiert oder sie still wirken lässt. Die einzige Zeichnung eines Menschen, könnte in Verbindung von Frau und Bison eine Minotaurus-Geschichte erzählen. Kratzer von Bärentatzen und verschiedenen Gemälden überlagern sich. An anderer Stelle die Handabdrücke einer individuellen Person, erkennbar an ihrem verkrüppeltem kleinen Finger. Paläontologen kümmern sich um die vielen Knochen von teilweise ausgestorbenen Tieren, Schädel, die von glitzernden Calzit überzogen, wie glasiert wirken. Einmal bittet einer der Führer um Ruhe, damit man den Herzschlag hört, den eigenen oder den der mit Kohle eingefangenen Tiere. Zu der schwer vorstellbaren Zeitspanne, die dieser Bilder überbrücken, passt die mittlerweile komplette Digitalisierung der Höhlen per Laser. Typisch für Herzog dabei die Frage an einen Archäologen, der aus dem Zirkusmilieu stammt: Was erfahren wir durch die Bilder von den Träumen der prähistorischen Künstler? Der junge Franzose erzählt daraufhin, dass er nach den ersten Tagen in der Höhle immer von Löwen geträumt hat, von realen, nicht gemalten. Schon die Gegend mit dem Tal der Ardèche und einem natürlichen Brückenbogen liefert reichlich Material für mythische Träumereien. Herzog kommentiert dies selbst mit seiner fast flüsternden, still bewundernden Stimme.

Je weiter sich der Film jedoch von Chauvet entfernt, umso seltsamer werden dabei die Interviewten: Es gibt stolze Wissenschaftler, die beherrscht aufgeregt Neanderthaler-Flöten vorstellen. Schrate, die im Dienste einer experimentellen Archäologie in Felle gehüllt vor der Kamera stehen, während im Hintergrund eine Schnellstraße zu sehen ist und einen Parfüm-Designer, der weitere Höhlen erschnüffeln will.

Acht Beine bei einem Bison, die vielleicht Bewegung darstellen, werden selbstverständlich als Vorform des Kinos angesehen. Um schon mal für zukünftige Historiker vorzudenken, ist es bemerkenswert, dass zwei Deutsche - Wenders und Herzog - die neue Technik der 3D-Dokumentation so virtuos aufgreifen. Man kann an den Königsberger Kameramann Karl Freund und an seine „fliegende Kamera" im Stummfilm Murnaus denken. Aber angesichts dieser Zeichnungen ist das wirklich nur eine Fußnote der darstellenden Kunst.

Herzog wäre nicht der international geachtete Denker mit der Kamera, wenn er dem Film nicht ein ebenso atemberaubendes Postscript anhängt: Er verlängert sein philosophieren über den Wert der Kunst für die Entwicklung des Menschen zu einer absurden tropischen Biosphäre die von den Kühlwassern eines Atomkraftwerks an der Rhone aufgeheizt wird. Die Krokodile gedeihen dort prächtig, ebenso ihre Mutationen. Die Eiszeit ist gar nicht so fern und 30.000 Jahre Entwicklung können scheinbar leicht manipuliert werden.

Nur für Personal!

2011-10-31T12:16:00.001+01:00

Frankreich 2010 (Les femmes du 6ème étage) Regie: Philippe Le Guay mit Fabrice Luchini, Sandrine Kiberlain, Natalia Verbeke, Carmen Maura, Lola Dueñas 107 Min.

Heutzutage sind Dachwohnungen in der Stadt heiß begehrt - früher wurde dort das Personal in sommerlicher Hitze und der Kälte des Winters ohne fließend Wasser und Toiletten untergebracht. Dass dieses „früher" mit den Sechziger Jahren noch gar nicht so weit zurückliegt, zeigt der sehr schöne, sozial- und auch sonst romantische Film von Philippe Le Guay „Nur für Personal!". Mit bestem französischem und spanischem Personal besetzt, führt er einige Jahre vor den 68ern in einem Pariser Mietshaus eine kleine Revolution auf.

Eigentlich eine Lachnummer, dieser steife Aktienberater Jean-Louis Joubert (perfekt: Fabrice Luchini): Im Kontor gewissenhaft und korrekt, die Ehe zuhause mit Frau Suzanne Joubert (herrlich zickig: Sandrine Kiberlain) scheint ebenfalls mehr auf Kalkül als auf Leidenschaft zu basieren. Bis ein neues spanisches Hausmädchen aufgetaucht, eingeführt von ihrer Tante Concepción Ramirez (Carmen Maura). Die Toast sind zwar angebrannt und die Eier zu hart, aber der Streit mit María Gonzalez (Natalia Verbeke) ist leidenschaftlich. Aus der kleinen Gefühlsregung wird eine große - langsam und kaum auffällig, wie es sich für einen Joubert aus der besseren Gesellschaft gehört.

Der Patron, der Ewigkeiten nicht mehr in der 6. Etage mit den Dienstboten-Wohnungen war, zeigt sich plötzlich solidarisch, setzt sich ein und macht die Signoras glücklich. Joubert interessiert sich, lernt selbst spanisch. Als er sogar sein Telefon zur Verfügung stellt, ist er schon ein Heiliger. Auch Joubert selbst wird durch den Umgang mit den lebendigen Spanierinnen im Allgemeinen und María im Besonderen immer glücklicher, was für die verwöhnte Ehefrau, vom Nichtstun dauernd furchtbar erschöpft, noch unerträglicher ist. Aufgrund eines eifersüchtigen Missverständnisses - was sich vor ihrer Nase entwickelt, kann sie vor lauter Klassendünkel gar nicht begreifen - wirft Suzanne ihren Mann raus. Der zieht nun selbst in die 6. Etage, zufällig ist ein Zimmer frei, und für die traditionelle Concierge des Gebäudes steht die Welt Kopf. Nur ausgerechnet die zynische, bissige Kommunistin unter den Angestellten besteht auf Klassentrennung und reiht sich nicht in die allgemeine Freude ein. Hier, ohne Heizung und mit nur einem Wasserhahn auf dem Gang, fühlt Joubert sich endlich frei. Nun berät er die wunderbaren Frauen anlagetechnisch bis sie Aktienkurse lesen und genießt Picknicks mit Paella. Der steife Anlageberater macht sich nicht mehr lächerlich sondern locker.

Aus dem armen Kerl zwischen allen Fronten wurde ein Mann, der sein Leben in die Hand nimmt und dabei auch Grenzen von Konvention und Klassen überwindet. Er, der vorher Anteile an erfolgreichen Firmen hatte, nimmt nun Anteil an seinem Mitmenschen, selbst an den für einige unsichtbaren. Er ist Teil einer grandiosen Solidarität der spanischen Hausmädchen. Jean-Louis lebt auf wie nie zuvor, das Publikum genießt mit und amüsiert sich köstlich. Die liebenswerten Figuren dürfen die Klischees ihrer Rollen voll ausspielen aber auch variieren. Die stolze Spanierin María gibt sich nicht so einfach hin und macht Joubert zumindest das Liebesglück recht schwer. Doch etwas Zeit zum Nachdenken und zur Entwicklung schadet auch diesem wunderbaren Wohlfühlfilm überhaupt nicht.

Real Steel

2011-10-31T11:24:00.000+01:00

USA, Indien 2011 (Real Steel) Regie: Shawn Levy mit Hugh Jackman, Dakota Goyo, Evangeline Lilly 126 Min. FSK ab 12

Dies muss der verschwitzt feuchte Traum eines jeden Boxers sein: Nie mehr Platzwunden, keine Gehirnschäden, keine Nasenbrüche oder abgerissene Ohren - höchstens mal ein verbogener Schaltkreis: In der Zukunft boxen nur noch riesige Roboter gegeneinander. Dass die ganze Sache mit der Entwicklung der Menschheit damit nicht wirklich vorangeht, wird sich am Ende zeigen. Bis dahin liefert die Papa-Sohn-Geschichte gute Unterhaltung für das Kind im Manne - jeder Altersstufe.

In einer Zukunft, die sehr nach Vergangenheit aussieht, wurde aus der alten Boxhalle ein Reparaturbetrieb für Kampf-Roboter. Bailey Tallet (Evangeline Lilly, Kate aus „Lost") flickt dort Schrotthaufen zusammen, die Charlie Kenton (Hugh Jackman) regelmäßig anschleppt. Der ehemalige Faustkämpfer versiebt alles, was er anfasst, und macht kräftig Schulden dabei, ist aber gewohnt, sich durchzumogeln. So passt es, als ihm gerade sein Kampfroboter von einem Stier demontiert wurde, dass Charlie sich mit viel Geld überreden lässt, die Vormundschaft an seinem 11-jährigen Sohn Max an dessen Tante zu verkaufen.

Den Sommer verbringt der Halbwaise allerdings noch bei seinem Erzeuger, und so gehen ein kleiner Fan und ein alter Hase zusammen auf Box-Tour. Der Sohn erweist sich schnell klüger als der Vater, der umgehend wieder alles zu verspielen scheint. Ein alter, simpler G2-Roboter vom Schrottplatz namens Atom wird Max zum Freund und erweist sich als schlagkräftiger Gegner. Schließlich bekommen die drei Underdogs sogar einen Kampf um den WM-Titel.

„Reel Steel" kombiniert den bekannten Star Hugh Jackman mit dem netten, noch kindlichen Gesicht Dakota Goyos - und es funktioniert. Psychologisch ist der Knirps Max weiter entwickelt als der Vater und analysiert diesen schon nach wenigen Stunden: „Du schmeißt alles weg, was du nicht brauchst!" Japanisch kann Max auch - von den Computerspielen. Das erstaunliche 11-jährige Genie baut zudem über Nacht mal kurz Spracherkennungs-Module in die Kampfmaschine ein. Wie der Roboter das Kind im Schatten-Modus imitiert, macht der Junge seinem Vater nach. Das sorgt für viel Spaß, nicht nur bei den flotten Tanzeinlagen, auch beim Wiedererkennen der Charakterzüge und vor allem bei den verkehrten Rollen mit ultranervösem Vater und coolem Kid vor dem ersten großen Kampf Atoms.

Dabei kramt Charlie seine alten Talente als richtiger Boxer wieder hervor, um den Roboter zu trainieren. Jetzt kommt die Rocky-Geschichte mit einem Touch Mad Max in die Gänge und wird auch noch spannend. Es gibt scheppernde Gladiatorenkämpfe, die Filmemacher werfen dazu eine Portion Sentiment in den Ring. „Reel Steel" ist dabei vielleicht nicht so unmenschlich, aber ebenso brutal wie echtes Boxen. Vor allem für Charlie zeigt sich die Verbindung von Mensch und Maschine als Quell großen Glückes. Wie der „Avatar" dem Querschnittsgelähmten zu einem neuen Leben hilft, so lebt der Boxer über Atom wieder auf. Am Ende kämpft „mann" ganz archaisch wieder in der Einstellung „manuell" gegeneinander, im Schatten-Modus und per Handsteuerung.

So liefert Bot-Fighting - trotz einiger technisch schwer erklärbarer Momente - ein interessantes Zukunftsbild: Nur das Boxen, also die Gewalt, hat sich weiterentwickelt. Das ist ziemlich treffend für eine Gesellschaft, in der millionen-teure Dronen ferngeststeuert morden, aber Autos und Laster immer noch Menschen überfahren, weil da an Sicherheitszubehör für ein paar Euro gespart wird.

Chronologie einer vermeintlichen Störung

2011-10-25T16:50:00.001+02:00

20.Oktober 2011 - Pressetermin zur Ausstellung „Nie wieder Störungsfrei" im Ludwig Forum Aachen

Nie wieder störungsfrei ... wieso erinnert das an ein verzweifeltes „Nie wieder zweite Liga" eines finanziellen wie sportlich katastrophalen Provinzvereins? Wahrscheinlich weil der Verein bald in der fünften Liga jammern wird: Nie wieder zweite Liga. Und weil auch diese Ausstellung wohl völlig störungsfrei über die Bühne gehen wird. Was eine ernüchternde Erkenntnis angesichts dieser versammelten Fluxus- und anderen Aktionismen vergangener Jahrzehnte ist: Gemischte Gefühle gegenüber einer zwischen Provinzialität und ehemaligem, kurzem Kunstruhm schwankenden Sammlung von historischen Schätzchen und alten Bekannten aus dem Fundus von Ludwigs. Was allerdings sinnvoll ist, soll doch auch mit dieser Schau lokale Ausstellungsgeschichte gefeiert werden: 20 Jahre Ludwig Forum.

Aber was provoziert heute noch? Die Mittelseiten des Kulturmagazins Movie beta immer wieder mal. Wenn man Hitler und den Papst in einem Satz bringt, oder Flakhelfer und Messdiener. Oder wenn deutsche Soldaten mit einem Luftschlag 140 Afghanen umbringen? Neuer Highscore nach 1945! Oder reicht auch das nicht... Dann eine Regierung, die Steuergelder für Jahrzehnte am Parlament vorbei den Banker schenkt? Wann ist die nächste Occupy-Aktion?

Nichts davon im Ludwig Forum - der Titel lügt: Nie wieder störungsfrei. Was macht die Kunst derweil? Unverschämt viel Geld macht Gerhard Richter, von dem ein frühes Werk aufgehangen wurde, und der den aufgeblasenen Kunstmarkt selber kritisiert! „Störungsfrei" zeigt, wie die Kunst ihre Kinder frisst. Die Aufregung ist im Museum angekommen - an die Wand genagelt und in Bildschirmen eingefangen. Das macht so viel Spaß wie Sex im Film zusehen. Dabei sein wäre besser. Vielleicht doch zur nächsten Occupy ziehen und ein paar Banken enteignen ... als Kunstakt selbstverständlich, die korrumpierte Politik ist dazu nicht fähig.

Update 21.10.2011 - Inszenierte Störung, reichlich peinlich
Ohne dass der Puls auch nur einen Tick schneller ging und man sich irgendwie aufgestört fühlte, gab es am Morgen die Meldung eines Diebstahls von drei Fahnen vor dem Ludwig Forum. So angekündigt wie früher die Revoluzzer mit der gelösten Bahnsteigkarte stellte die «Redesign Aachen Fraktion» (RAF, uiuiuih!) Forderungen: «Hot Dogs für ein Euro im Foyer!, Bällebad in der Mulde!, Jeden Mittwoch Köttbullar! Zwecks Besucherumleitung hängen die Ikea-Fahren seit dieser Nacht am Ludwig-Forum.» Das roch sehr nach Designmetropole Aachen (designmetropole-aachen.de), denn wann immer was Spannendes passiert, sind die dabei. (Und es bleibt spannend, auch wenn man sich mittlerweile mit dem Kulturbetrieb angefreundet hat.)

Update 22.10.2011 - Angepasste Kunst für angepasstes Publikum
Zu Eröffnung am Freitagabend noch so ein künstlich inszenierter Aufreger: Personenkontrolle am Einlass, Metalldetektoren und dadurch lange Schlangen. Keiner murrt, dabei war auch diese Sicherheits-Beklopptheit eine Aktion der Designmetropole. (Hier werfe ich anderen keine Balken ins Auge, denn wir Filmkritiker lassen uns seit Jahren von hirnrissigen Kontrollen drangsalieren und wortwörtlich ausziehen, ohne dass Widerstand entsteht. Man verzichtet nur immer öfter auf den hochsicherheits-geschützten Hollywood-Scheiß.)

Nach Ausstellung mit und ohne Störung ist das Gesamtbild klar: Man sollte doch den emsigen und guten Leuten der Designmetropole Aachen direkt den Etat des Kulturbetriebes Aachen vermachen und das Ludwig Forum zur offenen Werkstatt umwandeln.

Nachtmeerfahrten

2011-10-25T12:27:00.001+02:00

BRD 2011 Regie: Rüdiger Sünner 70 Min.

Etwas verspätet zum 50. Todestag (6. Juni 2011) bietet diese Bilderreise zu C.G. Jungs Leben und Lehren eine gute Einführung in das Universum des Begründers der analytischen Psychologie. Rüdiger Sünner, der zuvor „Abenteuer Anthroposophie" oder „Das kreative Universum" drehte, holt sein Publikum mit populären Kino-Figuren aus „Avatar" und „Star Wars" ab, um von dort zu archaischen Mythen zurückzugehen. Den Mythen, die Jung auch bei seinen Nachtmeerfahrten ins „Dunkle Unbewußte" aufsuchte.

Spätestens wenn Jungs Jugenderfahrungen zitiert wurden, die Gott nicht in der Kirche, sondern in der Natur, etwa in der Freundschaft mit einem Stein fanden, denkt man, „der hätte Schamane werden können"! Die Abfolge von Jungs Lebensstationen wird mit Kunstwerken von Geisteskranken, Freuds antiken Reliquien und auch Bildern aus dem „Roten Buch", in dem Jung unzensierte Träume und Visionen sammelte, unterlegt.

Der Kinostart dieser Dokumentation ist zwei Wochen vor Cronenbergs Jung-Spielfilm „Eine gefährliche Begierde" sehr geschickt getimt. Selbstverständlich ergeben sich Bezugspunkte (man erkennt Jungs Haus wieder), doch auch unterschiedliche Wertungen, vor allem was Jungs Affäre mit seiner ehemaligen Patientin Spielrein betrifft. Das Dreieck Jung/Spielrein/Freud wird ganz anders interpretiert, hier wird die Frau fallengelassen, bei Cronenberg geht sie erfüllt ihren eigenen Weg.

Doch neben dieser Episode widmen sich „Nachtmeerfahrten" vor allem Jungs Auseinandersetzung mit dem Dunklen über mehrere Jahrzehnte, etwa über seine Reisen zu den alten Kulturen in Afrika, Nordamerika und Indien, anhand derer er Defizite der europäische Kultur erkennt. Angesichts des Weltkrieges fragt er: „Warum töten wir unsere Brüder im Krieg, statt zuerst den Schatten in uns selbst zu besiegen?" Früh äußert er prophetische Warnungen vor der „blonden Bestie des Germanentums", das nicht vollständig christianisiert wurde. Trotzdem reitet er später auf der nationalsozialistischen Schlammwelle mit. Hier erweist sich - im Cronenberg-Film - Freud als Prophet, der spöttisch meinte, Jung könne den Antisemitismus nicht verstehen. Über Alchemie und den Mythos vom heiligen Gral kommt Jung später zur Vorstellung, das Dunkle nicht wie im Drachenkampf zu besiegen, sondern aufzunehmen und alchemistisch anzuverwandeln. Die interviewten Interpreten und Biographen, die an Jungs Antisemitismus schwer zu knabbern haben, führen das Konzept von Integration statt Vernichtung weiter von der Pädagogik bis zur aktuellsten Außenpolitik. Vor allem Eugen Drewermann verblüfft durch seine überzeugenden Schlüsse. Auch die Geschichte vom Physiker Wolfgang Pauli bringt Erstaunliches zutage: Durch eine tanzende Chinesin in seinen Träumen entdeckt dieser über Jungs Behandlung den Spin von Elektronen, der ihm 1945 den Nobelpreis einbringt.

Insgesamt stellen die „Nachtmeerfahrten" eine schöne, wenn auch in den Bildern konventionelle Einführung und eine Vorbereitung zu Cronenbergs „Eine gefährliche Begierde" dar. Die Fachleute können Details diskutieren, das breite Publikum darf weitgehend unbedrängt von Propaganda Gedankenbilder kennenlernen, die - auch angesichts des neu aufkommenden Religionswahns - immer noch brennend aktuell sind.

Eine ganz heiße Nummer

2011-10-24T12:22:00.001+02:00

BRD 2011 (Eine ganz heiße Nummer) Regie: Markus Goller mit Gisela Schneeberger, Bettina Mittendorfer, Rosalie Thomass 95 Min. FSK ab 12

Eine furchtbar verklemmte, hinterwäldlerische Nullnummer - nur so dürfte dieses unsägliche Gähnstück heißen, bei dem sich selbst die treuesten ZDF-Zuschauer am Montagabend aufregen würden, weil nix passiert. Regisseur Markus Goller reitet auf der Regionalfilm-Welle und übernimmt gleich ein paar Darsteller von Rosenmüller für seine niedlichen Leutchen mit Dialekt - die san eh lustig!

Im Bayerischen Wald herrscht Wirtschaftskrise. Drei Frauen vom Tante Emma-Laden müssen für Hypothek und so in die Telefonsex-Branche wechseln. Total witzigerweise hat das Trio von Sex-Dingen so wenig Ahnung, dass man sich fragt, wieso der Landstrich um Regensburg nicht völlig entvölkert ist. Immerhin ist das Leben lustig mit Klogeräuschen und Verstopfungs-Dialogen, mit Hausfrauen-Yoga und trotz bösem Banker im BMW. Der Pfarrer betet für Arbeitslose und raubt den Klingelbeutel aus. Bis der Clou der dünnen Geschichte ohne Überraschung raus ist, dauert es 30 Minuten, in denen die hilf- und orientierungslosen Figuren nicht interessieren. Danach kommt das Filmchen auch nicht auf Touren, ihm fällt das Vergnügen ebenso schwer wie den Frauen das Stöhnen. Dazu grimassiert vor allem das Nesthäkchen Lena (Rosalie Thomass) wie auf der Laienbühne. Gisela Schneeberger tut einem als überqualifiziertes Kabarettisten-Urgestein schrecklich leid. Ganz entfernt erinnert das an „Die Herbstzeitlosen", die fidelen Schweizer Seniorinnen mit ihren sexy Trachten-Dessous. „Eine ganz heiße Nummer" hingegen würde es im TV nicht mal bis zur Werbepause schaffen, aber deswegen gibt es ja beim ZDF abends keine Werbung.

Poliezei

2011-10-24T09:52:00.002+02:00

Frankreich, 2011 (Polisse) Regie: Maïwenn mit Karin Viard, Joey Starr, Marina Foïs, Nicolas Duvauchelle, Maïwenn 127 Min.

Überraschend in jeder Hinsicht ist dieser Einblick in Pariser Kriminalbüros, den die französische Schauspielerin, Autorin und Regisseurin Maïwenn in „ Poliezei" gewährte und dafür in Cannes den Preis der Jury erhielt: Basierend auf wahren Fällen rekonstruiert sie die Arbeit einer Einheit, die sich dem Schutz der Kinder widmet. Die „Brigade de Protection des Mineurs" (BPM) zeigt zwar in Verhören von Verdächtigen und Gesprächen mit Opfern schockierende Taten und Einstellungen auf. Doch wie bei vielen guten Krimiserien spielt das meist zerrüttete Privat-Leben der Ermittler eine ebenso große Rolle. Das Team, das fast wie eine Familie und sicher auch ein Familien-Ersatz ist, zeigt einen lebendigen Querschnitt der Haut- und politischen Farben. Man ist für und gegen Sarkozy, die Roma-Siedlung räumt man aber nur, weil man die Kinder vor Prostitution und Kinderarbeit schützen will. Da gibt es die Mutter, die ihre Söhne abendlich befriedigt, damit sie ruhig schlafen. Den Großvater, der sich immer an der Enkelin reibt. Den Vater, der alles mit Grinsen zugibt und auf seine guten Beziehungen verweist.

Der mit einem dokumentarischen Gestus gefilmte „Poliezei" setzt eine Menge bekannter Schauspieler ein, Sandrine Kiberlain etwa kann als Mutter die eigenen und die Vergewaltigungen an der Tochter nicht ausdrücken. Wenn man auch schnell den Vergleich zum Cannes-Sieger von 2008 „Die Klasse" ziehen wird, „Poliezei" ist vielfältiger und jede unterschiedliche Szene sitzt. Da hat eine im BPM-Team ihre große Nummer auf arabisch und staucht einen Patriarchen zusammen, der seine Tochter als Besitz betrachten und meint, Frauen dürften ihm nichts sagen. Die erfolgreiche Rettung eines entführten Babies wird ausgiebig gefeiert und betanzt. Eine große Lachnummer und ein Denk-Mal über die Jugend von heute ist das Mädel, das mittels Blowjob ihr abgezocktes Telefon wieder bekommen will. Es sei doch ein Smart-Phone gewesen! Eine 14-Jährige meint sogar, die Alten sollten sich mal Updaten, es sei doch normal, in dem Alter zu vögeln und im Internet zu strippen. Das Ende ist wiederum völlig überraschend und irritierend offen.

Regisseurin Maïwenn spielt vor der Kamera selbst die Rolle der immer weniger distanzierten Fotografin Melissa. „ Poliezei" ist ihr dritter Film, sie hat als Schauspielerin allerdings auch schon in „The Fifth Element" mitgemacht.

Killer Elite (2011)

2011-10-23T20:57:00.001+02:00

USA, Australien 2011 (Killer Elite) Regie: Gary McKendry mit Jason Statham, Robert De Niro, Clive Owen 116 Min.

Transporter vs. Driver

Euch geht es immer nur um die Action, nie um das Ganze! Ihr seht nie, wer und was hinter allem steckt! Diese heftige Publikumsbeschimpfung ist der Kernsatz eines harten Action-Thrillers, der gleichzeitig versucht, üble Militärränke und Ölgeschäfte anzuklagen. Beides gelingt nicht ganz, aber die von Jason Statham und Robert De Niro verkörperte Kombination aus Schlagkraft und Können ist spannend und interessant.

Wir befinden uns in der Wirtschaftskrise, der Ölkrise, im Chaos - des Jahres 1980. Danny Bryce (Jason Statham) und sein älterer Kumpel Hunter (Robert De Niro) sind in der Welt rumgekommen und haben überall Menschen umgebracht. Danny ist dabei auszusteigen, aber ein Scheich aus dem Oman nimmt Hunter als Geisel und zwingt dessen Freund so, drei britische Soldaten der Spezialtruppe SAS umzubringen, die drei Söhne des Scheichs umgebracht haben. Dazu will der alte Herr Geständnisse auf Video und es soll immer wie ein Unfall aussehen. Danny bringt tatsächlich den Krieg zurück zu den Aggressoren nach England, selbst ein mächtiger Geheimbund aus Bänkern und deren Wachhund Spike (Clive Owen) können die Erfüllung des Auftrags nicht verhindern. Am Ende merken beide Killer, dass sie von politischen Drahtziehern nur benutzt wurden. Doch das eigentliche Problem ist die Haltung Spikes: Der Kriegs-Veteran kann das Kämpfen und Morden einfach nicht sein lassen, während Danny „ Ausstieg sofort" will.

„Killer Elite" hat nichts mit dem Sam Peckinpah-Film von 1975 zu tun, dafür viel mit Ranulph Fiennes hochbrisanten Roman „The Feather Men" und den wahren Begebenheiten dahinter. Mit „Blut für Öl" kann man auch diesen schmutzigen Kriegseinsatz abkürzen. Das ist erhellend und erschreckend, ebenso wie die brutalen Morde des „durchgeknallten Hundes" Danny. Dieser ist allerdings keine unbesiegbare Kampfmaschine, so wie die eng gefilmten Nahkämpfe nicht nur Action-Spaß, sondern auch realistisch brutal sind. Zwar lassen sich im Zeitalter der Schnauzbärte und aufgemotzten Ford Capri die früheren Rollennamen der Duellisten „Driver" Owen und „Transporter" Statham wortwitzig aufeinanderprallen, doch wenige Minuten von DeNiro zeigen, dass Statham zwar eine populäre, aber keine gute Besetzung ist. So stößt sich in diesem Regiedebüt vor allem ein Stoff, der von Le Carré oder Graham Greene sein könnte, an lautem Action-Gehabe und uneinheitlicher Inszenierung. Diese im Rückblick menschlich erbärmliche „Killer Elite" ist nicht aus einem Guss, aber durchgehend spannend.

Die Abenteuer von Tim und Struppi - Das Geheimnis der Einhorn 3D

2011-10-23T18:23:00.001+02:00

USA, Neuseeland 2011 (The Adventures of Tintin) Regie: Steven Spielberg mit Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig 107 Min. FSK ab 6

Herrjeh! Hergés Comic-Reporter Tim in den Händen von Spielberg und das Ganze im unsäglichen Motion Capture-Trickverfahren... Doch nicht verzagt: Die mit modernster Technik trotzdem auch ungelenke Verfilmung von bis zu 80 Jahre alten Comics ist hochwertiges Kino-Popcorn. Es knallt immer überall und in einigen Szenen geht richtig die Post ab.

„Die Abenteuer von Tim und Struppi" sind ein munterer Stilmix aus Realfilm und Animation, aus Schauspielern und Zeichnungen, in dem sich letztendlich Spielberg durchsetzt: Vom rasenden Vorspann mit Schattenspielen und expressionistischen Perspektiven geht es direkt rein ins Getümmel eines Brüsseler Flohmarktes. Umrisse, Klamotten und Namen sind den Hergé-Comic nachempfunden, ein Straßenmaler darf kurz das Originalgesicht der ikonographischen Figur aufs Papier bringen, dann eröffnet eine Wand aus Spiegeln die Variationen. Die Mimik der Figuren ist dank des Motion Capture-Verfahrens ausdruckskräftiger als bei früheren Versuchen von Regisseur Zemeckis mit Tom Hanks („Der Polarexpress", 2004) oder Jim Carrey („Eine Weihnachtsgeschichte", 2009). Doch auch um Tim herum, den ein Schiffmodel ins Abenteuer stürzt, bleibt eine Mischung aus groben Physiognomien, Knubbelnasen, Pausbacken, Haartollen und echt lebendigen Augen. Im Hintergrund findet man noch ganz grob animierte Figuren, bis die vordergründige Handlung mitreißt.

Das frisch erstandene Schmuckstück wird dem Reporter bald entwendet, unsympathische Gesellen tauchen auf, die tollpatschigen Polizisten Schulze und Schultze wollen helfen und Kapitän Haddock sorgt für viel Chaos. Die simple, handlungsgetriebene Dramaturgie von Hergés betagten Geschichten erweist sich als ideal für eine Hollywood-Verfilmung, höchstens etwas dünn. Deshalb wurden mehreren Bände (u.a. Die Krabbe mit den goldenen Scheren, 1940; Das Geheimnis der „Einhorn", 1943) zu einer atemlosen Abfolge von Ereignissen komprimiert, die zwar nicht die historische Detailgenauigkeit des belgischen Künstlers übernimmt, aber sehr wohl mit dem Exotismus der Handlungsorte glänzt. Von Brüssel über Antwerpen geht es per Boot, Flugzeug und Kamel nach Marokko. Meisterstücke sind die Szenen, die sich von der Linearität des Comic und des einfachen Films befreien. Sobald Haddock deliriert, zwei Erzählebenen in zahllosen, feinen Bildideen verschmelzen, wenn eine atemberaubende Seeschlacht mit einem wahnsinnigen Tanz auf den Wellen in der Wüste visioniert wird, dann kommt Film an sich zu seinem Recht und Spielberg zeigt, was er auch kann: Nicht nur geschickt unterhalten, sondern auch einzigartige Szenen kreieren, die im Gedächtnis der Filmgeschichte bleiben. Ganz großes Kino halt. Hier ist Tim eher mit Indi Jones verwandt als mit Hergé und auch Spielbergs Piraten-Schlachten zwischen Peter Pan und „Hook" sind zu spüren.

Trotzdem steht dieser „Tim und Struppi" mittendrin in der Entwicklung einer Technik, die immer noch holperig wirkt. Dagegen ist der Stil Hergés - obschon Geschmackssache - in sich vollendet. In wenigen Jahren wird man über diesen Film befremdet schmunzeln. Das 3Dimensionale beherrscht er hingegen schon, seine Räume sind faszinierend und nutzen ihre Tiefe, sei es bei einem aberwitzigen Matrosen-Mobile mit Hai in enger Koje oder in einem marokkanischen Küstendorf, dessen Hanglage durch chaotische Verfolgungs-Action komplett samt Häusern ins Rutschen gerät.

Unterhaltsam gelingen die „Abenteuer" durch die Mischung aus meist alkoholisiertem Haddock-Humor, konstanter Spannung und großartigen Action-Spielereien. Charakterlich muss anfangs noch der Hund Struppi charakterliche Lücken auffangen. Später folgen die großen Szenen immer dichter und die nie verstummende Orchester-Nachhilfe (Musik: John Williams) hält alles vortrefflich beieinander. Darin finden sich kleine Perlen, wie die Kanarienvögel, die comic-gemäß um den Kopf eines Schwindelnden schwirren, aber dann ganz realistisch vom benachbarten Vogelhändler eingefangen werden. Zuvor blendete der unendliche Ozean des 14. Jahrhunderts in eine kleine Pfütze des gegenwärtigen Brüssels über. Solch cineastischen Kapriolen gibt es zahlreich, sie gipfeln in einem Säbelgefecht mit riesigen Hafenkränen. Derart lässt man sich gern mit harmlosen Geschichten unterhalten, die selbst aufklärerische Fragmente des Stubenhockers Hergé unter den Tisch fallen lassen. Klar wie der auch ohne Computer berechnete Erfolg ist noch etwas sehr Comic-Typisches: Fortsetzung folgt.

Ach so, sprach Zarathustra

2011-10-21T11:39:00.001+02:00

„Heinz im Sinn & die Geteiltdurchs" spielten symphonisch in der Aula auf

Von Günter H. Jekubzik

Metallica machte es, Peter Gabriel auch, Sting macht sowieso alles: Wer schon jeden Erfolg hinter sich hat, vor Goldenen Platten keine Tapete mehr sieht, spielt irgendwann seine größten Hits symphonisch ein. Nun also auch „Heinz im Sinn & die Geteiltdurchs" potenziert mit dem Aachener Studentenorchester im Konzertsaal - oder der Aula der RWTH. Die Fanclubs brachten Reisewege von über 300 Kilometer hinter sich, Kopfrechnen brauchten sie trotz des philosophierenden Titels „Ach so, sprach Zarathustra" selten. Stattdessen die bekannten, trotz konstanter Selbstkasteiung weit über dem dumpfen Comedy-Sumpf stehenden Wortwitze, die hintersinnigen und auch mal herrliche platten Belustigungen der Aachener Kabaretisten-Truppe.

Vor exakt einem Jahr kam Benedikt Eschbach vom Aachener Studentenorchester anlässlich des Heinz-Liedes vom „Sockenfresser" auf die Idee, die einfach wirkenden Melodien des Quartetts orchestral aufzupimpen. Eschbachs Arrangements und die finale Performance nach nur drei gemeinsamen Proben begeisterte am letzten Samstag: Statt des erwarteten Clashs of Civilizations zwischen jungen Musikern und vier auch satt zotigen Herren, die nun schon seit zwölf Jahren „diesen Scheiß" (O-Ton Front-Denker Gerhard Horriar) machen, entstand Harmonie selbst in der gewollten Disharmonie bei „Lieder wie dieses". Durch den vollen Klangkörper der Symphoniker hörten sich die genial bis absurden Blödeleien plötzlich groß und gut an. Dieser Samstagabend bescherte tatsächlich den gleichen Effekt wie bei Gabriels „Scratch my back": Man kratzte sich am Kopf, weil so hat man die Lieder noch nie gehört. Derart gerieten auch die Klassiker des Vorgänger-Quintetts „Vakante Genies" zu neuen alten Bekannten.

Vor allem Michael „der Sohn des Lecters" Stetter entführte mit seiner neunminütigen „Hanniballade" namens „Morden, Morden" und der diabolisch hochgezogenen Augenbraue in einen epischen Serienmörderfilm, der unter die Haut ging. Auch das extrem eingängige Beatles-Cover „Westerwave" (bitte mitsummen: Yesterday...) über unseren, des Englischen unfähigen „Minister des Äußersten" (Horriar), schien schon immer auf richtige Streicher gewartet zu haben, um sich zu entfalten. Bislang gaben Jo Siemon und Stetter nur phantastisch pantomimisch den nicht vorhandenen Bass.

Das alte, vakante Motto „Filmfein, Liedgut, Textgehtso" bewahrheitet sich in Bezug aufs Lied unerwartet, wobei beim einen oder anderen Wortwitz das Verständnis - akustisch oder geistig - in der Holzvertäfelung der altehrwürdigen Aula hängen blieb. Auch wenn dies nicht Prinzip war, wie bei der Kant-Vertonung vom „regulativen Prinzip der systematischen Einheit der Natur". Die spontanen Frotzeleien von Horriar, Siemon, Stetter und Keyborder Mathias Wien hielten sich in diesem Rahmen zurück, die Meinung darüber gehörten zu den „Geteiltdurchs" des Abends.

Nach der unplugged „Bushäuschentour 2009" (noch immer auf der Website von „Heinz im Sinn" verewigt), ein weiterer Höhepunkt der Band-Karriere, die sich unverständlicherweise nicht aus der Region raustraut. Denn Elder Germanist Gerhard Horriar stellte, rauchend wie Helmut Schmidt, zu Recht fest „dies könnte ein erfolgreiches Lied sein". Ein erfolgreicher Abend war es auf jeden Fall. Einer, der wiederholt werden sollte. Das Quartett ohne Orchester gibt es wieder am 28. Januar 2012 im Franz, Franzstraße, Aachen.

Scheitern, scheitern, besser scheitern! − Gert Voss im Gespräch mit Harald Schmidt

2011-10-19T10:19:00.001+02:00

Scheitern, scheitern, besser scheitern! − Gert Voss im Gespräch mit Harald Schmidt

Regie: André Heller, Lukas Sturm

Porträt

filmedition suhrkamp

Zur Buchmesse und zum 70. Geburtstag der Schauspiellegende Gert Voss mal was Literarisches auf DVD: Harald Schmidt, bekennendes Theatergroupie, fotografierte schon in den Siebzigern in Stuttgart den R4 von Voss und folgte als Schüler legendären Liederabenden. Der ausgebildete wie erfolglose Bühnenakteur, der momentan wieder bei Sat1 brav zur Nacht talkt, nähert sich in der Rolle des talentierten Amateurs seinem großen Idol. Man sitzt am Garda-See und tauscht mit echter Begeisterung und enormer Sachkenntnis Anekdoten aus. Selbstverständlich über Claus Peymann und Peter Zadek. Tabori wird von Voss auch wunderbar im Tonfall wiederbelebt. Wusste man schon, dass Voss anfangs einen Papagei bei Bernhards "Immanuel Kant" synchronisierte? Ein herrlich hochintellektueller Kaffeeklatsch am groben Holztisch mit Ikea-Gläsern, in der Form nicht sensationell, eher eine Extended Version von Kluges „New & Stories", aber die Besetzung ist sagenhaft! Nach dem schönen Einblick in die großen Bühnen des deutschsprachigen Theaters darf Schmidt in den Outtakes seine Nicht-Erlebnisse mit Peymann referieren und den Unterschied zwischen Schauspieler und Kabarettist erklären. Das hatten wir schon mal.

Sündige Grenze DVD

2011-10-19T09:58:00.000+02:00

BRD 1951

Regie: Robert A. Stemmle

„Sündige Grenze" ist ein Regional-Klassiker wie Printen oder ruinöse Fußballvereine. Die Panzersperren, die mittlerweile als Kunstwerke durch die Stadt laufen und real Ökoinseln bilden, dienten einst Schmugglerkindern als Sichtschutz vor den Zöllnern. Das war kurz nach dem vorletzten deutschen Krieg, dem 2.Weltkrieg. Die Mutter aller Aachener Heimatfilme zeigt wie die nächtlichen Kinder-Schmuggler namens Rabatze fröhlich singend im Versteck feiern und sich in der Schule ausschlafen. Es ging um Kaffee, aber auch Koks wurde eingetauscht. Nur noch eines war schlimmer: Ein geklauter Kirchenschatz aus dem Münster, denn hier sind noch alle gläubige Schäfchen. Diese erschreckenden Zustände beobachtet der betroffen dreinschauende Herr Fischer von der Kölner Universität. Er will die „wahre Geschichte" erfahren, später völlig visionär alle Grenzen abschaffen - der Film ist von 1951 - und wird von Dieter Borsche, damals ein deutscher Star, bierernst gespielt.

„Sündige Grenze" lockt mit dem Wiedererkennen der Örtlichkeiten: Ist das nicht Orsbach? Oder doch Berlin, wo zumindest alle Studioaufnahmen stattfanden? Auf jeden Fall ist der Busch-Tunnel original ins Bild kopiert. Ansonsten erzählt das Filmchen eine einfache Schmuggler-Pistole, einen Trivial-Krimi. Unter sehr heftig scheppernder Musik gibt es große, theatralische Gesten, die sich immer noch nicht ganz vom expressionistischen Stummfilm verabschiedet haben. Vorvorgestrig auch die Rollen: Moralisch und romantisch extrem bieder, Männer mit furchtbaren Klamotten und willige Weibchen. Hinzu kommt stellenweise dick Didaktik. Kurios ist, dass der Film immer noch „ab 16" firmiert, was für heutige Verhältnisse ein Witz ist. Die jungen Rabatzer-Helden von damals durften ihre eigenen Geschichten nicht sehen, jetzt können sie es auf DVD. Aber nicht wieder über die Grenze schmuggeln, denn das ist immer noch verboten!

Footloose (2011)

2011-10-18T13:28:00.001+02:00

USA 2011 (Footloose) Regie: Craig Brewer mit Kenny Wormald, Julianne Hough, Dennis Quaid, Andie MacDowell 113 Min. FSK ab 6

Vorsicht: Auch wenn auf der Verpackung weiterhin „Footloose" steht, dies ist nicht mehr der 80er-Tanzfilm um einen jugendlichen Rebellen. Das Remake lässt einen klugen, verantwortungsvollen Jungen gegen eher verzweifelte als verknöcherte Südstaatler und deren Tanzverbot antreten. Ein anderer Film als der Kult von 1984, aber auch kein schlechter. Er setzt statt auf Konfrontation auf Köpfchen - auch wenn dieses noch im Rock'n'Roll-Stil gegelt ist und der aus einer Tanzshow bekannte Körper von Kenny Wormald darunter auch nicht ohne.

„Loose, footloose / Kick off your Sunday shoes ..." dieser Hit ist unter den ersten Bildern eine Zeitmaschine und man muss genau hinschauen, in welcher Zeit das Remake eigentlich spielt. So wie man bei den Cover-Versionen der Songs auch sehr genau auf Unterschiede lauschen muss. Doch wir sind in dem altmodischen Südstaaten-Nest Bomont und später wird demonstrativ die Sammlung alter Vinyl-Platten von Kevin Bacon rausgeworfen und ein iPod angeschlossen. Aber erst mal knallt es nach Party, Alk und Kuss am Steuer mächtig. Fünf Teenager sterben und anders als in Bayern, wo so eine Fahrt gut für die Parteikarriere ist, wird als Gegenmaßnahme neben Null-Promille ein Tanzverbot für Jugendliche erlassen. In dieser restriktiven Umgebung landet der junge Ren MacCormack (Kenny Wormald), nachdem seine Mutter in der Großstadt an Leukämie verstorben ist. Ren sieht aus wie ein Rock'n'Roller, ist aber trotz T-Shirt, Lederjacke und Gel- Tolle ein braver Rebell. Technisch raffiniert möbelt er den alten Käfer vom Onkel auf. Sozial gewitzt fügt er sich in die Abschlussklasse der High-School ein. Den Oberbully schießt er beim brandgefährlichen Crash-Rennen mit Autobussen ab, dessen neugierige Freundin, die auf unartig machende Pfarrerstochter Ariel (Julianne Hough mit Quietsche-Synchrostimme), lässt er lässig abblitzen: Ich werde dich küssen, irgendwann! Trotz James Dean-Look weiß Ren, was er tut. Zudem scheint er klüger zu sein, als alle Südstaaten-Dörfler. Völlig basisdemokratisch startet der bürokratische Rebell eine Petition gegen das Tanzverbot. Als diese trotz eindrucksvoller Rede an den Holzköpfen im Stadtrat abprallt, hat Ren eine andere Lösung, redet aber erst mal mit dem Prediger, dem Vater von Ariel...

Erst mal miteinander reden - nach diesem Motto verfährt auch der Film, der statt stereotyper Konflikte das Verständnis betont. Selbst den Priester-Papa, von Dennis Quaid hervorragend gespielt, kann man verstehen. Andie MacDowell hat sich als kluge Mama für ihre seltenen Auftritte eine gute Rolle ausgesucht. Ansonsten beeindruckt die aufklärerische Klugheit des jungen Helden: Ganz nebenbei stellt der Rationalist die mangelnde Trennung von Kirche und Staat in Frage und fragt überhaupt gerne mal ganz einfach. So hebelt der ehemalige Turner elegant die üblichen Verdächtigungen der Erwachsenen aus. Nun ist nicht alles Diskurs, die Disco kommt keineswegs zu kurz. Hier glänzt Hauptdarsteller Kenny Wormald mit echten Tanzszenen, mit dem Rausschleudern des sehr wohl vorhandenen Trauerfrustes in einem akrobatischen Turn-Tanz. Die beste Szene bleibt aber die Kindergarten-Tanzstunde von Rens lustigem Kumpel, denn witzig ist die kluge Kult-Kopie auch.

Die Haut, in der ich wohne

2011-10-17T16:45:00.001+02:00

Spanien 2011 (La piel que habito) Regie: Pedro Almodóvar mit Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez 121 Min. FSK ab 16

Die spanische Regie-Legende Pedro Almodovar präsentiert in „Die Haut, in der ich wohne" mit dem ihm eigenen ästhetischen Augenkitzel, den knalligen Farben und der exquisiten Ausstattung einen komplexen und verschachtelten Thriller, der einigen Aufwand treibt, um zur großartigen Endszene zu kommen.

Antonia Banderas, der schon viel jünger bei „Atame - Fessle mich" mit Almodovar drehte, betreibt in dessen 18. Spielfilm als Robert Ledgard, als Spezialist für Schönheits-Operationen ein Frankenstein-Labor in seiner Luxus-Villa bei Toledo. Ledgards Schöpfung Val, die er auf riesigen Bildschirmen wie ein Gemälde beobachtet, reiht sich in die anderen Kunstwerke und Akte des Anwesens ein. Aber ihre Haut ist widerstandsfähig gegen Feuer und Stiche. Das erfährt Val, die ohne Scheren, Messer oder spitze Gegenstände eingesperrt ist, beim Selbstmordversuch mit der Kante eines Buchumschlages. Was Roberto wirklich mit Val vorhat, erklärt sich in Rückblenden. Sie erzählen vom Tode der Frau Ledgards und dem Selbstmord seiner geisteskranken Tochter Norma, die zuvor bei einem Ausflug aus ihrer Anstalt wohl vergewaltigt wurde.

Auch wenn es in der Zusammenfassung sehr melodramatisch klingt, Almodovar hält sich von seinem Lieblings-Genre fern, spielt die Schrecknisse nur an. Dafür schaut humorvoll zitierend der Horror klassischer Frankenstein-Geschichten rein, wenn Kunsthaut nach Schnittmuster zubereitet wird und andere kleine Gruselmomente ins Bild geraten. Zudem gibt es einen Krimi um den bankräuberischen Sohn der alten Angestellten Marilia. Und wie immer beim alten Romantiker Almodovar - eine Liebesgeschichte. Dass hier etwas möglich wird, was gesellschaftlich - auch in Spanien - immer noch sehr schwierig verläuft, zeigt noch einmal die enorme Themen-Elastizität dieser letztlich sehr spannenden und auch im verkünstelten Almodovar-Kosmos zeitgemäßen Geschichte. Die Basis war übrigens der 1984 erschienene Roman „Tarantula" des Franzosen Thierry Jonquet.

Die Kreation von Almodovar/Ledgard ist jedoch höchst modern, nicht nur ein verbotenes genetisches Experiment auch das Thema einer Geschlechtsumwandlung sorgt für Diskussionen. Der wahre Clou von „Die Haut, in der ich wohne" erweist sich allerdings viel atemberaubender. Almodovar betreibt einen enormen Aufwand für diese grandiose Pointe. Doch wenn Almodovar erzählt, geht man die verzweigten Wege der Handlung gerne mit. Vor allem wenn das Ensemble mit einem konzentrierten Antonio Banderas, mit Elena Anaya als Vera und Marisa Paredes als eingeweihte brasilianische Haushälterin Marilia in großartiger Form ist.

Contagion

2011-10-17T15:53:00.001+02:00

USA 2011 Regie: Steven Soderbergh (Contagion) mit Matt Damon, Kate Winslet, Marion Cotillard, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Laurence Fishburne 105 Min.

Ein extrem aggressives Virus breitet sich in Asien und den USA aus. Steven Soderberghs spannender Katastrophen-Thriller folgt einigen Einzelschicksalen und der detektivischen WHO-Arbeit. Das Ergebnis ist ein „Gerade-noch-mal-gut-gegangen" mit ein paar Gedanken über den unterschiedlichen Wert von Menschenleben in verschiedenen Teilen der Welt.

Soderbergh ist ein einzigartiger Könner und so beginnt sein Film ebenso rasant wie der Ausbruch des Virus. Von Tag 2 an zeigt er die Opfer in Hongkong, Minnesota und Chicago. (Tag 1 und den ersten Patienten spart sich der Film bis zum bitteren, „schweinischen" Schlusspunkt auf.) Die Geschäftsreisende Beth (Gwyneth Paltrow) erwischt es zuerst, dann ihren Sohn. Der Ehemann (Matt Damon) scheint immun zu sein. Ihr Liebhaber, den sie bei einer Zwischenlandung in Chicago „besuchte", wohl nicht. Detektivisch versuchen Spezialisten unter der Leitung des WHO-Bosses Dr. Ellis Cheever (Laurence Fishburne), den Ursprung des extrem aggressiven Fledermaus-Schweine-Virus (sic!) zu ergründen und ein Gegenmittel zu finden, während ein kapriziöser Blogger (Jude Law mit schiefem Zahn) Panik schürt und ein Naturheilmittel anpreist. Bald greift auch das Militär ein und die Homeland Security macht sich mit ihrem reflexartigen Terror-Verdacht lächerlich. WHO-Mitarbeiter erkranken (Kate Winslet), das öffentliche Leben stirbt, Chaos herrscht. Mehr als 130 Tage und zig Millionen Opfer später ist fast wieder alles gut, eine wissenschaftliche Heldentat führte zur richtigen Spur. Doch wer darf nun zuerst das rasch hergestellte Serum erhalten? In den USA gibt es eine Lotterie, in Asien entführt man West-Europäer (Marion Cotillard), um sein eigenes unwerteres Leben zu retten.

Inzwischen ist Soderberghs „Contagion" kaum merklich sehr politisch geworden. Überhaupt ist sein Film vielleicht nicht so emotional-dramatisch wie „Outbreak" aus dem gleichen Genre, dafür viel umfassender, informativer, kurz: klüger. Und die Schutzanzüge sehen mittlerweile viel besser aus! Zwar verliert der Regie- und Kamera-Meister ein bis zwei Figuren - wortwörtlich, nicht im Euphemismus für das Sterben - und die WHO kommt etwas zu positiv weg, doch man gewinnt bei aller Spannung auch eine Menge Einsichten. Moralische Entscheidungen bleiben zwar offen, doch der übliche Hollywood-Film, hätte sie unter dicker Marschmusik gar nicht erst aufkommen lassen. So warnt Cheever zwar unerlaubt seine Geliebte und soll deswegen abgeschossen werden, doch er gibt auch seine persönliche Impfdosis an den Sohn des Putzmannes. Ein kleines Signal der Solidarität und ein zusätzlicher Stachel der immanenten Kritik an Pharmaunternehmen, die in der Realität mit Fantasiepreisen die AIDS-Bekämpfung verhindern.

Apollo 18

2011-10-11T11:25:00.001+02:00

USA, Kanada 2011 (Apollo 18) Regie: Gonzalo López-Gallego mit Warren Christie, Lloyd Owen, Ryan Robbins 86 Min.

Huston. es gibt ein paar Rollen Super8-Film vom Mond und wir haben damit ein dramaturgisches Problem: Nervige Wackel-Aufnahmen, Leerlauf mit uninteressanten Astronauten-Figuren, dann kratzt etwas an der Außenwand, ein Stein wackelt, ein anderer entwischt aus der Probenquarantäne und die wenigen Menschen, die Mondgestein ersteigert haben, sollten ganz schnell das Plexiglas verstärken...

Seit „Blair Witch Project" landet immer wieder die eine oder andere „Paranormal Activity" im Kino.
Man meint mit vorgeblich „authentischem Material" eine besondere Spannung aufzubauen, doch schnell zeigt sich, dass diese Masche ohne anständige Dramaturgie nicht weit bringt. Diesmal geht es auf die dunkle Seite des Mondes, wo Astronauten von Apollo 18 - eine Mission, die nie stattfand - eine verlassene russische Landfähre entdeckten. Dämliche Neugierde lässt die Raumfahrer in einen der viel zu kalten Krater gehen, die dortige Leiche eines Kosmonauten bewegt sich noch, wieder fliegt so ein Steinchen unheimlich belebt durch die Gegend. Eine Verletzung führt zu heftigen Mutationen, Wahnsinn bricht aus, der Sauerstoff geht zu neige, die russische Station scheint der letzte Ausweg zu sein.

Nervig unruhige und verwackelte Bilder sollen die Minimal-Dramaturgie überspielen, aber „Kleinigkeiten" wie fehlende Schwerelosigkeit fordern ein Höchstmaß an Bereitwilligkeit, alles zu glauben. So fühlt sich die Produktion des „Wächter"-Regisseurs Timur Bekmambetow an wie eine Parodie, nicht wie Horror. Knarzende und kribbelnde Steinwesen wirken niedlich statt beängstigend. Ganz sicher wird es keine Fortsetzung dieser Apollo-Serie geben.

Jesus Christus Erlöser (WA)

2011-10-10T18:42:00.001+02:00

BRD 2008 Regie: Peter Geyer mit Klaus Kinski 84 Min.

"Halt's Maul und folge mir nach!" Das Kinski-Evangelium mag ungewöhnlich sein, doch dieser Kraftausdruck des jähzornigen Schauspielers mag der chaotischen Atmosphäre und der aggressiven Stimmung eines einmaligen Live-Auftritts geschuldet sein: Am 20. November 1971 versucht Klaus Kinski die „erregendste Geschichte der Menschheit" erzählen – das Leben von Jesus Christus, das er aus seiner Sicht aufbereitet hat. Doch die 68-er sind immer noch im Publikum, Kinski hat seinen Ruf und so ist es ein Drama, das wütend und traurig macht, wie der durchaus ernsthafte Schauspieler und Erzähler seinen spannenden Text einfach nicht fortführen kann. Immer wieder setzt er an, dass man Jesus unter den Ausgegrenzten, den Huren, den Arbeitslosen suchen solle, doch Kinski wird durch Zwischenrufe unterbrochen. Von Linken, deren Bretter vor dem Kopf erschreckend dick sind. Dies ist eine Entdeckung der äußerst spannenden Dokumentation, die von Peter Geyer zusammengeschnitten wurde: Die Helden der 68er, die den Muff von 1000 Jahren wegwischen wollten, sind auch ziemlich bornierte Spießer.

Und dann aber doch Kinski, der Wahnsinnige! Immer wieder verlässt er die Bühne, schreit, geifert, diskutiert und lässt Leute rausschmeißen. Am Ende dieses eindrucksvollen Dokuments, das in Aachen schon beim Filmfestival Aachen-Maastricht zu sehen war, darf Kunst auch dies sagen: "Halt's Maul und folge mir nach!"

Lauras Stern und die Traummonster

2011-10-10T18:34:00.001+02:00

BRD 2011 Regie: Ute von Münchow-Pohl, Thilo Rothkirch 65 Min.

Die dritte Verfilmung von Klaus Baumgarts „Lauras Stern"-Kinderbücher geht zwar auch den Weg des 3D (in einigen Kinos), bleibt aber darin wie in der Handlung Kleinkindern gerecht: Lauras kleiner Bruder Tommy hat Angst vor den Traummonstern, doch sein Beschütz-mich-Hund lässt die Monster schrumpfen, weil Tommy durch ihn keine Angst mehr hat. Deswegen klauen die üblen Traumgestalten Tommys Hund und locken so die kleinen Helden mit ihren Kuscheltieren ins kunterbunte Traumland mit tausend Türen, hinter denen all die Träume von Laura, Tommy und sogar die von Lauras Kuscheltieren liegen. Ebenso fantastisch sind die bösen und hilfreichen Wesen: Die Schlange als Schal; Fresso, der alles frisst (Markus Maria Profitlich); eine altkluge Tentakel (Desiree Nick); die tumpe Beule (Maddin Schneider) sowie Stielauge (Hoecker). Die Monster haben Angst vor Licht und Lauras Stern, darum soll der Lichtfänger Lauras Stern vernichten, doch Tommy schließt Freundschaft mit ihm. Der Junge überwindet seine Angst und so werden im Finale die etwas schusseligen Traummonster erst zu großer Höhe wachsen, um dann rapide zu schrumpfen.

Auch wenn die liebliche Animation in den ersten Szenen wohlmöglich kleinere Kinder erschrickt, ist der psychologische Umgang mit dieser Angst ziemlich raffiniert gelöst. Im bunten, lustigen Film erleben Kinder, wie sie Angst überwinden können und sich am Ende alle Ängste in einem Lachen auflösen. Selbst Erwachsene können sich mit den schreikomischen Monstern und ihren wohlbekannten Stimmen von Maddin Schneider oder Desiree Nick vergnügen.

Restless

2011-10-10T17:21:00.001+02:00

USA 2011 (Restless) Regie: Gus Van Sant mit Henry Hopper, Mia Wasikowska, Ryo Kase, Schuyler Fisk 91 Min.

Der junge Enoch (Henry Hopper) kann den Unfall-Tod seiner Eltern nicht verarbeiten und macht sich einen bitteren Spaß daraus, auf fremden Begräbnissen auftauchen. Auch legt er sich gerne in die Kreideumrisse von Unfall- oder Verbrechens-Opfer, Friedhöfe gehören selbstverständlich ebenfalls zu seinen Lieblingsorten. Bei einem Rauswurf während einer Bestattung hilft ihm die gleichaltrige Annabel (Mia Wasikowska), ein lebensbejahendes, keckes Mädchen mit Retro-Klamotten, kurzen Haaren, einem Tumor im Kopf und nur noch drei Monaten zu leben.

Beide, auf unterschiedliche Weise vom Tod Gezeichnete, verlieben sich ausgerechnet ineinander. Verspielt überspielt der nur Schwarz tragende Enoch seinen Schmerz beim Schiffe-Versenken mit Hiroshi (Ryo Kase), dem Geist eines Kamikaze-Piloten! Dass diese einseitige Freundschaft durch Eifersucht bedroht ist, gehört zur eingängigen Komik. Die ungewöhnliche Hilfe beim Trauern ist eine anrührende Idee. Zusammen mit Annabel widmet Enoch sich derweil schwelgerisch der Natur, entdeckt die Welt der Käfer und Vögel. Doch das Spiel entgleitet, als sie Annabels Ende inszenieren wollen - so leicht ist der Abschied nun doch nicht.

Man kennt Gus van Sant von Hollywood-Erfolgen mit einem gewissen Extra: „Good Will Hunting" (1997) oder das Remake „Psycho" (1998). In der Indi-Szene wurde er vorher berühmt mit „Drugstore Cowboy" (1989) und „My Private Idaho" (1990), letzterer auch durch die Rollen von River Phoenix und Keanu Reeves. Im lebendigen Wechsel folgten einander eigenwillige Kunstfilme und eingängige Geschichten, die immer noch seine Handschrift behielten. Zuletzt erzählte er mit Sean Penn die Biographie des schwulen Stadtrates „Milk" nach. „Restless" ist nun bestes Unterhaltungskino mit einer guten Portion schwarzem Humor, den mittlerweile allerdings jede Teenie-Blödel-Klamotte schon im Vorspann übertrifft. Der neue Film von van Sant erinnert stark an „Harold & Maud" aus 1971, nur mit der Jugend und der Musik von heute.

Die fast zarte Annäherung zweier junger Menschen an den Tod verläuft in „Restless" verspielt, leicht, manchmal magisch und durch tolle Independent-Songs unterlegt. So meistert van Sant das ernste, schwierige Thema. Als weiteres Beispiel der TRK (Terminal Romantischen Komödie), nur eine Woche nach dem tragischen Kino-Unglück von „Kein Mittel gegen die Liebe", kann man die schöne Geschichte der zwei Außenseiter auch deshalb nicht bezeichnen. Gus van Sant, der seinen jugendlichen Anti-Helden vor allem im Cannes-Sieger „Elephant" (2003) und in „Paranoid Park" (2007) eine Würde aus Leichtigkeit und fließenden Bewegungen „anfilmte", gewinnt hier mit eher klassischer Situationskomik, verträumten Dialogen und guten Songs. (Die Musik von Danny Elfman ist diesmal nicht so schauerlich wie bei Tim Burton.) Die letzten Worte Enochs sind nur Bilder der Erinnerung - meisterlich, wie van Sant genau damit berührt.

Die Liebesfälscher

2011-10-10T16:14:00.001+02:00

Frankreich, Italien, Iran 2010 (Copie Conforme) Regie: Abbas Kiarostami mit Juliette Binoche, William Shimell, Jean-Claude Carrière 106 Min.

Juliette Binoche spielt die Hauptrolle in dem vertrackten Beziehungsdialog „Copie Conforme", den der iranische Meisterregisseur Abbas Kiarostami extra für den französischen Star schrieb. Alles dreht sich dabei um Kopie und Fälschung: Ein amerikanischer Autor (William Shimell) stellt in der Toskana sein Buch über den Wert von Kopien in der Kunst vor. Eine Französin (Binoche), die hier ihren Kunsthandel betreibt, interessiert dies besonders, sie bittet ihn auf ein Treffen für den nächsten Tag. Das Treffen wird zum Ausflug in ein idyllisches Dorf, die Gespräche über Original und Fälschung verlagern sich zum Thema Beziehung und Ehe. Langsam werden die Andeutungen immer intimer, die Situation kippt: Spielen hier zwei Fremde miteinander oder hat dieses Paar tatsächlich genau in diesem Dorf vor 15 Jahren Hochzeit gefeiert und sich in den letzten Jahren auseinander gelebt?

Mit der ihm eigenen Beiläufigkeit von Autofahrten durch eine wunderbare toskanische Landschaft, von entspannten Gesprächen und scheinbar alltäglichen Ereignissen spannt der iranische Regisseur Kiarostami einen sehr reizvollen Bilder- und Gefühlsbogen. Juliette Binoche fasziniert mit der mutigen Offenheit ihrer Figur, einen liebevollen Neuanfang anzubieten. Das Repertoire von Emotionen auf ihrem Gesicht erstaunt immer wieder, dafür gab es 2010 in Cannes die Auszeichnung als Beste Darstellerin.